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No habrá paz para los malvados: Coronado da la talla como tipo duro

2011-11-10T00:16:00.001+01:00

Indiscutible que en esta película José Coronado está muy bien, hasta llega a ser un Clint Eastwood a la española.

E indiscutible también que hay escenas muy logradas, como la del final, con ese sigiloso malvado acechando con el cuchillo.

Las escenas con el cuchillo me gustan, como la del metro. No tanto las de révolver, como cuando están entrenando la pareja de policías.

Y tampoco me entusiasma el lío de jurisdicciones policiales: que si ahora esto corresponde a este departamento, que si luego al otro...

Me gusta también la ambientación. Los marroquís resultan creíbles y los colombianos tanto o más.

Pero me pregunto yo después de ver la peli si el gran papel individual de Coronado basta por sí solo para subir la altura del conjunto.

Y también me pregunto si no es una trama demasiado complicada o en la que se dejan demasiadas preguntas sin resolver.

No obstante, quizá la intención del director Urbizu sea precisamente dejar al espectador expectante y con ganas de hablar o ver otra vez el espectáculo.

Se discute si lo que pasa en la parte inicial es casual o no, o sea, si Santos Trinidad (Coronado) quiere vengar una vieja afrenta colombiana o si todo es fruto de su borrachera.

Me inclino más por lo segundo.

Y se discute también si el complot que descubre persiguiendo a su posible delator se asemeja o es el 11M. No sé qué decir al respecto. Probablemente se asemeja.

Pero yo, como espectador, tengo que decir que me perdí a mitad de película, porque se me escapó la intención, el objetivo, de Santos Trinidad, ya no sé si perseguía al testigo de su crimen o si se había encontrado con algo más gordo, o incluso si estaba en la continuación de algo más gordo que él ya vivió.

En cualquier caso, creo que es algo para disfrutar mejor en un segundo pase, y cuando ya te han explicado algo o te has informado bastante bien de No habrá paz para los malvados.

Lo que se me queda grabado es el alcoholismo de Santos, algunas heridas fuertes que sufre, su pistola en el dedo, la escena del metro y la escena final del cuchillo, aparte de algunas excelentes caracterizaciones de personajes.

Y claro, José Coronado, que aquí demuestra que sabe hacer más que bien de tipo duro, oscuro y amargo, que no nos cae demasiado mal a pesar de todo.

The Tycoon, los magnates no tienen sentimientos

2011-11-05T08:42:00.000+01:00

The Tycoon, el magnate, mezcla acertadamente el cine social con el melodrama. El señor Arima, un poderoso constructor japonés, va dejando un reguero de víctimas detrás de sus grandes proyectos empresariales, que justifica amparándose en el bien social.

Arima es el prototipo de hombre de negocios sin escrúpulos, sin moral. Abusa de sus amantes, de sus hijos ilegítimos, de sus empleados y empleadas, y ejerce el poder buscando satisfacción personal sin importarle la gente que tiene a su alrededor.

Película de 1964 de Satsuo Yamamoto en la que el actor So Yamamura hace un gran papel de villano del capitalismo.

El magnate es un hombre ya de cierta edad. Casado por el dinero de su suegro, tiene 3 o 4 amantes y varios hijos con cada una de ellas. No recuerda ni el nombre de sus hijos, como se ve al principio, cuando llega a la casa de una de sus amantes que le espera servilmente. Y es que las mujeres son esclavas de su señor. Y los hijos ilegítimos crecen con desequilibrios mentales evidentes por la falta de amor del padre.

La compra de terrenos para la construcción de un ferrocarril y la creación de una gran urbanización en una zona a las afueras de la ciudad son el nuevo negocio de Arima, en el que utilizará todas sus armas, todo tipo de chantajes, todo tipo de acciones para llegar al fin.

El magnate dice que todo lo hace, no para enriquecerse, sino para el bien público e intenta hacer creer a sus enemigos que obtendrán también beneficios con sus bloques de apartamentos y su ferrocarril.
En una palabra, Arima representa el poder capitalista, la manipulación, la corrupción, el poder del dinero. No tiene sentimientos, no llora, sólo ríe, y eso, aunque sus hijos acaben suicidándose o demandándole, sus amantes abandonándole y sus mujeres odiándole.

La erótica del poder está presente también en esta película de Yamamoto, lo cual se ve con la actitud de la empleada comprada para ser la amante de Arima. Salir de la pobreza tiene su precio, y la mujer se vende al poderoso buscando un bienestar personal que no tiene. Pero es que además, parece complacida siendo la amante del señor, parece que le gusta.

El papel de los hijos del magnate alude a una lucha generacional y también a una lucha entre el rico y el pobre. Pero el rico sale ganando. De hecho, la película termina con la inauguración triunfal del ferrocarril por el Sr. Arima. Una vez más, el capitalismo triunfa, el dinero triunfa. Y precisamente eso es lo que parece querer denunciar Yamamoto.

Los peces rojos, una joya del cine negro español

2011-11-03T20:49:00.001+01:00

Extraordinaria farsa la que se plasma en Los peces rojos, película de 1955, con guión de Carlos Blanco y dirección de Nieves-Conde.

Nos adentramos aquí en la imaginación hecha realidad de Hugo Pascal, en la que sumerge a su compañera Ivón. Y ambos, con los peces rojos en su cabeza, llevan al espectador, nos llevan, a hora y media de intensísimo y brillante cine negro español.

He estado atento a la escena inicial, y eso que no sabía nada, o no mucho, de esta película.
El hijo de Hugo, Carlos, es la figura ausente de Los peces rojos, y, sin embargo, la más presente. Oímos su voz, oímos la música que pone en su disco, pero no le vemos.
Carlos sube en el ascensor del hotel de Gijón al que han viajado su padre, Hugo, y la novia de éste, Ivón. Y se deja la maleta en recepción. Y un mensaje clavado al recepcionista. Y también vemos que el ascensor sube, pero, ¿a qué habitación?

Éstas son algunos de los artificios de Los peces rojos, algunas de sus claves, o de sus armas. Otras son una gran interpretación de Arturo de Córdova y de Emma Penella. Los dos podrían ser, respectivamente, James Stewart, y Kim Novak en una película de Hitchcock. Sí, porque realmente, estamos hablando de una de las mejores creaciones del cine español policiaco o de intriga.

Siempre recae la sospecha en nuestros protagonistas, desde el mismo momento en el que en una noche de lluvia llegan desde Madrid a esta ciudad de provincias, y deciden irse a ver el mar. Carlos, el hijo, ya no volverá. Tiene un accidente y no regresa.

A partir de ahí, es cuando en flash-backs rememoramos la complicada historia de Hugo e Ivón, el uno en busca de una especie de identidad, la otra en busca de la estabilidad económica que nunca ha tenido. Escritor fracasado y bailarina mediocre de un teatro de la capital se enzarzan en un amor, lleno de fantasías, mentiras y simulacros.

A través de la histeria de la pareja, se monta una mentira con visos de realidad, que termina con la verdad del abogado madrileño de la tía del escritor, y ante las luces del coche de la policía que escolta a los enamorados, seguramente a un lugar mucho más real y vigilado.

Mientras duermes, Luis Tosar se mete debajo de tu cama

2011-11-02T23:04:00.001+01:00

Normalmente las películas de pocos personajes y en sitios cerrados me suelen gustar mucho.
Si además metemos un sicópata, frío y calculador, que se justifica constantemente a sí mismo basándose en su infelicidad, la cosa va bien
Si la escena inicial ya te parece buena, mejor aún.
Y si apenas calculas el tiempo que llevas de visión, todo debe de marchar estupendamente.

Un gran actor, sobradamente reconocido, como Luis Tosar, vuelve a rayar a una gran altura en Mientras duermes, que reúne muchas virtudes.

El portero César es un tipo que nos va cayendo cada vez peor y utilizamos la coletilla de ¡qué cabrón! a lo largo del desarrollo de la historia. Más que nada porque terminamos pensando en nuestro portero, o si en nuestra casa hay portero, o portera. ¿Será capaz nuestro portero de hacer eso?
La idea de que alguien esté debajo de nuestra cama por la noche aterra, y de que nos controle la vida y encima nos dé sonriente los buenos días.

La crueldad humana de César es la antítesis de las bondades de su vecina Clara, negativismo, destrucción, contra alegría y luz.

Es aclaratorio en este punto la distinta forma que en la primera escena tienen uno y otra de levantarse.

Mientras duermes va in crescendo, pero sin pausa, enseguida sabemos con quién estamos tratando. Y cuando la niña chantajista le pide un dinero a Tosar, ya sabemos que aquí hay algo oscuro y perverso.

Tener las llaves de todos los pisos de la comunidad es peligroso, tener una vecina guapa y sonriente es peligroso para una persona que es infeliz viendo felicidad a su lado. Si yo soy infeliz, los demás tienen que serlo, y sólo porque así yo me sentiré un poco mejor.

Respecto a los "fallos" que se podrían achacar a Mientras duermes, en mi opinión son todos, digamos, policiales. Dicho de otro modo, la policía en la vida real la suponemos más inteligente.

Y el azar también corre a favor de nuestro César, así que no nos queda más remedio que dar la enhorabuena a esta gran película de terror sicológico de Jaume Balagueró.

Midnight in París, Woody Allen nos lleva al pasado para cambiar nuestro presente

2011-09-12T05:57:00.002+02:00

A todos nos ha pasado encontrarnos fuera de sitio en nuestro propio mundo, en nuestro propio presente. Y muchas veces hemos soñado ser un guerrero vikingo, o un indio, o un apostador en un western, etc.

Pues en Midnight in París Woody Allen nos da la oportunidad de transportarnos en el tiempo, mejor dicho, se la da a Gil, Owen Wilson, su alter- ego en esta historia, que cada medianoche en París viaja a los célebres años 20 de la mano de personajes históricos y míticos del arte, e incluso a la Bélle Époque, en un, digamos, segundo escalón del sueño.

La magia en las películas de Woody no es tan extraña. Digamos que una de sus mejores películas, Zelig, parte de una idea totalmente increíble. Y pasa lo mismo en Midnight, todavía más, si cabe.

Así que en el fondo nos encontramos al genio neoyorquino en su salsa y con sus temas recurrentes, una pareja que no funciona, un tío en crisis existencial y creativa, unas chicas solitarias que necesitan ayuda en forma de amor, y una ciudad con embrujo, como antes podía ser Nueva York, y ahora es París. Y por supuesto al tipo pedante y competitivo, al triunfador, antítesis de Allen, con el que Gil tiene más de una palabra a lo largo de la película.

Gil rezuma ternura, Owen Wilson es un actor más guapo que Allen, pero hace el papel de Woody. Y lo hace bien, muy bien. Se trata de un guionista de éxito en Hollywood, pero que quiere escribir una verdadera buena novela. Y tendrá la suerte de pasearla entre la flor y nata de la intelectualidad parisina de 1920: Hemingway, Scott Fizgerald, Picaso, Dali, Buñuel, etc

El tío traba amistad con estos genios de la cultura y lo hace en plan de amigo, lo que todavía da un toque más chocante al film. Y hasta se permite la osadía de enamorarse de la amante de turno de Picaso, entusiasta de la Bélle Époque.

Pero las cosas no son tan sencillas ni siquiera en el pasado y aunque cualquier tiempo pasado fuese mejor, resulta que cualquier vendedora de antigüedades tiene el mismo o mayor encanto que Marion Cotillard. Y París bajo la lluvia es lo más bonito que hay. Sobre todo si cuando suenan las campanas de la medianoche aparece un coche antiguo desde el que te dicen: ¡Eh, joven¡ ¡sí, usted, suba, suba…!

El vuelo del Fénix, Mcgiver alemán y piloto americano para la supervivencia

2011-08-28T09:16:00.002+02:00

Que Aldrich confie la dirección técnica de la supervivencia tras un accidente de un avión de americanos a un ingeniero alemán en época de Guerra Fría es por lo menos curioso. Y que la película fuera nominada a dos Oscars también.

Y es que El vuelo del Fénix es ante todo una película de supervivencia que podría considerarse como un anticipo de las películas de los 70 sobre catástrofes. De hecho, algunos de los actores se convirtieron en grandes protagonistas de ese tipo de obras, por ej, Ernest Borgnine.

La odisea de unos pasajeros de un avión que tiene un accidente en el desierto por una tormenta de arena es el tema de la película. Bueno no, el tema es el resurgir de las cenizas, como el ave Fénix. Se trata de levantar el vuelo.

Los actores son todos hombres, ninguna mujer, quizá para reflejar más el ambiente cerrado y de angustia de los supervivientes.

La historia empieza con un sol y termina con un sol, las quemaduras son imprescindibles, igual que la sombra que proyecta una sombrilla al lado del avión. Están encerrados en ese desierto, las ideas se desvanecen con el calor, algunos, incluso, se aventuran a intentar escapar andando.

Como en casi todas las movies de Aldrich, la sicología juega un papel tan importante como la aventura. Van de la mano.

Hombres de muy distinto calado se han juntado aquí y tienen que idear una forma de escapar de la pesadilla. Nos encontramos con el desleal sargento, el desequilibrado, el doctor bueno, el militar celosamente reglamentario, y también con el prototipo de héroe americano, James Stewart, con esa tozudez que le caracteriza y no le permite reconocer un poco su ocaso y la llegada de jóvenes con ideas, y que “las computadoras serán el futuro”. Lo paradójico es que estos nuevos jóvenes sean alemanes.

El cerebro del resurgimiento es un alemán, sí, frío, calculador, casi tan calculador que no piensa en las posibles bajas, sólo en el objetivo final: hacer volar el avión con los restos del avión accidentado. Hay que racionar el agua, hay que hacer casi una Excel para ver cómo va el consumo, hay que medir las fuerzas, hay que cumplir el programa. Y para eso el alemán es el idóneo. El americano, el piloto Towns, ya hará volar el avión cuando todo este listo, pero por lo demás, es Dorfmann, el alemán, el líder, un Mcgiver que saca oro de las piedras.

Lo más lógico hubiera sido que el avión no funcionase si ésta hubiese sido una historia real, se trata simplemente de una cuestión de porcentajes, las posibilidades son escasas. Pero, claro, estamos en el cine triunfalista americano y la cosa tenía que volar, tan bien, por cierto, que hasta los de la base petrolífera se quedan atónitos y no saben por dónde les vienen.

No obstante, nada que objetar a este film. Es bueno. Es entretenido. Y es curioso. Con unos actores consagrados.

Y es que Aldrich no tiene nada de bromista.

Liberate i pesci!, comedia italiana de Cristina Comencini

2011-08-21T05:36:00.000+02:00

Cine italiano actual con la característica de un humor corrosivo impregnando toda la historia, plantea diversas situaciones que la convierten en una película de muchos personajes unidos todos por la figura de un padre mafioso que trafica con droga y que se lleva bastante mal con todo el mundo.

Nos encontramos así con el boss de Lecce, ciudad italiana a dónde regresa su hijo Giovanni de USA con una chica de la misma ciudad, embarazada y conocida de la familia.

Siempre se dice que las ciudades pequeñas son como un pueblo, y en un pueblo, ¿quién no iba a conocer al jefe mafioso que es Michele Verrio, y a su amante ex soprano Lunetta? La familia de la chica, Sabina, también le conoce y, lógicamente, no les hace ni puñetera gracia emparentar con el Al Capone local.

Con lío monetario de por medio, la película intenta arrancarnos alguna sonrisa, pero se trata de un humor agridulce, y raro es lograr una buena carcajada.

Hay un conato de diferenciar dos generaciones, pero lo único que queda claro es que Giovanni se rige por valores diferentes a los de su padre y no siente el ansia de su progenitor por el dinero. Así que la pareja se volverá a USA, huyendo de la locura del padre, que parece tener más vidas que un gato, hasta que los hermanos siameses rusos se cansan de tanta mentira y desorganización.

El título Liberad a los peces está en relación con la pecera que tiene el magnate en su casa con destino a la cocina, o sea, los peces son cocinados por antojos de Michele, que en un momento de su ataque cardiaco quiere liberarlos. Aunque más bien creo que los peces son la pareja joven y Verrio se da cuenta, por fin, de que tiene que liberarlos de la pecera en la que ha tenido siempre a toda su familia y a si mismo.

La representación de la Aida de Verdi en la ciudad, patrocinada por Verrio y organizada por su amante Lunetta, es el contexto de la historia, pero queda como algo casi circunstancial, justificado tan sólo por ser la oportunidad para el último tráfico de droga de Michele.

Novísimo cine italiano buscando otras alternativas, no llega sin embargo a quedarse más que en una comedia prescindible, en la que brillan, eso sí, sus intérpretes.

"El último atardecer", Aldrich hace un western sicológico más que solvente

2011-08-20T15:38:00.000+02:00

“El último atardecer” es un western con un contenido emocional denso que aúna bien el espíritu de aventura de las películas del género con un cierto intimismo de los personajes, lo que le dota de una fuerza bastante importante.

Robert Aldrich aprovecha el talento de dos grandes actores, como son Rock Hudson (Stribiling) y Kirk Douglas (O´Malley), para deleitarnos con un western de tintes clásicos, pero con un tratamiento más perfecto de la sicología de los protagonistas.

A ellos se les unen las mujeres, madre (Dorothy Malone) e hija (Carol Linley). Ambas terminarán formando pareja con los hombres, una más duradera que la otra.

La conducción de ganado es el escenario elegido para plantearnos estas relaciones sentimentales que traen un bagaje complicado del pasado. Kirk Douglas es un asesino (O´Malley) perseguido por el sheriff Stribling (Rock Hudson) desde el principio de la película. De hecho, la escena inicial muestra un jinete cabalgando por un itinerario y al momento otro jinete pasando por el mismo sitio. Ya desde el principio se nos avanza que hay una persecución.

O´Malley llega a un rancho, cuya propietaria parece estarle esperando durante años. Sin embargo, también se advierte un cansancio en esa espera, lo cuál se corrobora luego. Esa mujer es Dorothy Malone (Belle), cuyo esposo, Joseph Cotten, es el propietario de los terneros que serán trasladados a Texas, un borrachín pendenciero, antiguo militar, que se meterá en un lío que dejará libre a Belle, afortunadamente para Rock Hudson.

O´Malley, como representante del lado oscuro, y Stribling, la parte buena, intentan conquistar a Belle, con el éxito del segundo. Hay una lucha amable entre los dos hombres, a pesar de que Hudson persigue a Douglas para entregarlo a la justicia. Es más, O´Malley le salvará la vida en las arenas movedizas a Stribling, si bien, cómo él mismo afirma, sólo porque Belle le necesita como capataz en el viaje del ganado.

La hija de Belle, Missy, se enamora de O´Malley, el mismo hombre que años atrás cautivara a su madre, y se pone el mismo vestido amarillo tantas veces recordado por el forajido.

Pero el tiempo ha pasado para todos, Belle ya no es la misma y busca un amor más maduro en lo sicológico y ahí está Rock Hudson, el héroe recto que no cambiará su idea de entregar a O´Malley a la justicia. Cómo éste se niega a ser entregado, ambos hombres se baten en un duelo final, en el que ciertamente ninguno está muy motivado. Tanto es así, que Douglas va a la muerte sin balas en su pequeño revólver, se resigna a su destino, suicidándose al ver que el tiempo ha cambiado lo que él amaba y que volver a intentarlo con una chica joven, que puede que sea su hija, ya no tiene mucho sentido.

Es el último atardecer para un Kirk Douglas que borda su papel, el de una persona complicada con destellos de bondad, como cuando recita poemas, y de maldad, como cuando casi estrangula al perro del rancho.

Rock Hudson también está muy bien, hay que decirlo, su papel es serio y lo afronta con responsabilidad.

Se trata en definitiva de una gran película del Oeste del director de ¿Qué fue de Baby Jane? o Canción de una para un cadáver, entre otras

¡Tenéis que verla!

Blackthorn, Butch Cassidy quiere regresar a los USA.

2011-07-10T23:31:00.002+02:00

Mateo Gil ofrece una visión muy personal de Butch Cassidy, el legendario bandido estadounidense, compañero de Sundance Kid, inmortalizados ambos en el cine en “Dos hombres y un destino”, hasta tal punto que le convierte en una persona con un gran sentido ético y con una idea muy clara de la amistad, cosa que, personalmente, me choca, una vez leída la biografía de este traficante de caballos y ladrón internacional de bancos.

La película Blackthorn tiene un problema de partida y es que, aún sin pretenderlo, es una segunda parte de la conocidísima y mítica Dos hombres y un destino, interpretada por Paul Newman y Robert Redford. Constantemente el espectador se encuentra con las imágenes del film de Roy Hill en su cabeza.

Planteada como una road movie, con una persecución constante, la introducción de las nuevas generaciones, representada por Eduardo Noriega en el papel de un ingeniero español que acaba de robar una mina en Bolivia, no tiene la fuerza necesaria para que nos olvidemos de aquella amistad tan entrañable de Newman y Redford.

Como western, Blactkhorn tiene muchas virtudes, tales como una excelente fotografía, una música muy acertada, los paisajes, los caballos, eso formalmente. Y en el fondo, también existen los típicos códigos de honor de las películas del Oeste, y las famosas traiciones de este género.

Pero, a mi modo de ver, tiene algunos defectos, el principal el ser deudora de una historia anterior, con la que se le compara irremediablemente, y formalmente, un mal doblaje, por ejemplo.

Es una historia sobre la amistad y también sobre el paso del tiempo. Cassidy resulta ser más bueno de lo que se le supondría a un forajido de su calaña y las nuevas generaciones quedan mal paradas moralmente por la forma de proceder de Eduardo.

Creo, no obstante, que para tiempo de verano está muy bien y probablemente es de lo mejor que se puede ver ahora.

Rodada en el antiplano y con caballos, no debió ser fácil su realización, desde luego no para Eduardo Noriega; y un poco mejor lo debió de tener el intérprete de Butch (carnicero), Sam Shepard, gran amante de los caballos.

Desde luego, que Kid y Cassidy murieran en Bolivia en 1908 no está nada claro y ha habido testimonios posteriores de personas cercanas que aseguran que Cassidy sobrevivió a aquello.
Si partimos de esa base, la película de Mateo Gil resulta bastante creíble. Y no negamos el evidente interés de algunas escenas y un resultado global aceptable, pero, repito, es una apuesta demasiado arriesgada, teniendo en cuenta los antecedentes cinematográficos que existen sobre esta pareja de malhechores estadounidenses.

“En un mundo mejor”, la educación como freno a la violencia

2011-04-05T23:21:00.001+02:00

Susanne Bier nos deja la reflexión de que una buena educación puede evitar actos violentos y, también, que los golpes que nos da la vida son lo mejor para aprender.

Le pasará a Cristian en esta película; su proceso de aprendizaje le viene bien a cualquier ser humano.

Asimismo, surgirá el debate típico de si ponemos la otra mejilla ante el vulgar matón de barrio, o, si por el contrario, nos volvemos tan violentos y barriobajeros como ese matón y le hacemos frente utilizando su misma violencia.

La historia está bien tratada, con el paulatino crecimiento de la tensión y con personajes bien definidos sin ser estereotipos.

Un poco del argumento: Cristian se traslada a Dinamarca, tras la muerte por cáncer de su madre, a casa de su abuela y en el colegio conoce a Elías, un chico sueco maltratado por sus compañeros. Cristian le ayudará, porque él tiene mucha más determinación, y, sobre todo, mucha más rabia –está dolido por la muerte de su madre-. Posteriormente, ese acto de “venganza”, es repetido en su vida social y ambos llegarán a cometer una acción de la que se arrepentirán.

La discusión está servida: ojo por ojo, diente por diente, o moderación, educación, buenas maneras o devolver la otra mejilla.

Paralelamente, el mismo problema que se le plantea a Elías se le plantea a su padre en África dónde trabaja como médico y, curiosamente, ambos, padre e hijo, toman la misma decisión, enfrentarse al matón.

Pero en “En un mundo mejor” habría muchos más temas o muchas más cuestiones sobre las que debatir. Por ejemplo, si hay que contrarrestar una acción de violencia con una violencia proporcional, si hay que tener en cuenta las posibles víctimas inocentes, etc.

La conclusión que yo he obtenido de la película es que hay que educar a los niños en la no violencia. Pero, cuidado, las instituciones podrían hacer bastante más. Es muy significativa la forma de actuar de los profesores del colegio: “Nos alegramos de que hables, Elías”. Pero “teniendo en cuenta que ustedes (los padres de Elías) se están separando…”

En fin, en la sociedad, por desgracia, siempre habrá matones de barrio a los que te gustaría darles cuatro puñetazos, pero ¿qué sería de la civilización si todos fuésemos como ellos?

¿Volvemos al antiguo Oeste o de verdad caminamos juntos hacia “un mundo mejor”?

Por cierto, la película ganó el Oscar a mejor película extranjera, y el Globo de Oro.

“Cisne negro”, la búsqueda de la perfección puede conducir a la autodestrucción

2011-04-03T22:43:00.002+02:00

Ello es evidente, porque la perfección no existe. Y es lo que le pasa a Nina en Black Swan, la película de Darren Aronofsky. No le ocurre, sin embargo, a nivel profesional, a la intérprete de Nina, Natalie Portman, que ganó el Oscar, con ciertas críticas posteriores de la bailarina que fue su doble en los platós.

Cisne negro es una buena película, bastante buena, pero no sé, creo que le falta una pizca de algo, no sé muy bien qué es, quizá pasión, probablemente la misma pasión de que adolece la escena lésbica entre Nina y su rival, Lily (Mila Kunis). No obstante, es de lo mejorcito del año, si no lo mejor.

Tratando de encontrar el lado oscuro de sí misma que le permita ser la protagonista de éxito de El lago de los cisnes, la bailarina de ballet Nina hará frente a su profesor de danza, Leroy, que le exige lo mejor de sí misma empleando los métodos que hagan falta, a su madre, y a la candidata a su papel de cisne negro, Lily, pero se olvida de una cosa, enfrentarse a sí misma y no salir derrotada de la batalla.

Le ocurre a mucha gente, nos ocurre a mucha gente, es un enfrentamiento a cara de perro con nosotros mismos en el que muchas veces salimos demasiado malparados.

Centrar la historia en el ballet tiene su atrevimiento, porque no sería, en principio, el marco que imaginamos para la autodestrucción, supuesta la fortaleza física y mental de unas personas cuyo sacrificio diario, con horas de entrenamiento excesivas muchas veces, está fuera de duda. Pero la autodestrucción no tiene un marco definido, un contexto, puede darse en cualquier lugar y en cualquier persona.

La frigidez de Nina será el defecto que, a base de que los demás se lo achaquen, le hará caer en una especie de pozo sin fondo. Cumplirá su aspiración, interpretará al Cisne Negro, pero el precio a pagar será demasiado alto. Aunque, bien pensado, ¿no es Nina tan profesional, tan competitiva que lo que le importa realmente es el resultado laboral sin pensar mucho en el personal? Ahí queda la pregunta. Juzguen ustedes mismos si van a ver El cisne negro.

"Movie, movie", dos magistrales películas de Stanley Donen en una película

2011-04-02T22:23:00.001+02:00

Movie, movie son en realidad dos películas de temas muy diferentes. Si la primera es buena, la segunda es buenísima.

Que Stanley Donen es un consumado especialista del musical queda patente con la segunda historia Las bellezas de Baxter, en la que hace un ejercicio de ritmo vibrante que a mí, al menos, me ha dejado entusiasmado, he movido los pies en la butaca y me he emocionado cuando muere Baxter de esa rara enfermedad que tiene llamada Spencer y que afecta sólo a la gente del espectáculo.

La primera parte o movie es Manos de dinamita y es un homenaje a las cintas de boxeo clásico.

Harry Hamlin es Joe Popchick, un joven que va para abogado pero ante una enfermedad de su hermana en los ojos, decide meterse al boxeo para costearle una operación que puede curarla.

Cegado ante una bailarina de cabaret liada con una especie de gánster que se convierte en su interesado mánager, cometerá errores que subsanará después volviendo con su novia de siempre.

El nexo de unión de ambas películas es George C. Scott que se sale en su interpretación, primero de entrenador de boxeo legal de Popchick y después haciendo de Baxter en un papel, digamos que inolvidable. Si en la primera movie es Guantes, en la segunda es Botines Baxter. Y en ambas termina muriendo rodeado de la gente que le quiere, como un padre amadísimo. De hecho, esa es la imagen que transmite en toda la película, la del padre bueno.

Guantes entrenador de boxeo y Baxter empresario de musicales tienen muchas cosas en común pero la que predomina es la bondad, y la inteligencia.

Las mujeres están geniales: la estrella principal del espectáculo de Las bellezas de Baxter, la chica joven que le terminará sustituyendo, la novia del boxeador, en fin, todas.

Y de los números musicales ¡qué decir!, deslumbrantes, no olvidar el contable al piano o el cierre del espectáculo exitoso al final de la segunda Movie.

Resumiendo: magnífica película de Stanley Donen en 1978, ese fan de Fred Astaire con dinamita en el cuerpo y en las piernas, como demostró cuando le entregaron el Oscar honorífico a toda su carrera en 1998 y se puso a cantar Cheek to Cheek y a bailar claqué. Formidable.

Stanley Donen recibiendo el Oscar honorífico

Nosferatu, de Herzog, sobria revisión del espíritu del vampiro

2011-04-02T00:12:00.002+02:00

Reconozco que no he visto la película de Murnau de 1922 y eso que es una obra cumbre dentro del cine. Pero no me hace falta para decir que este Nosferatu de Herzog es una excelente apuesta cinematográfica de obligada visión.

Nosferatu, el muerto-vivo, es Klaus Kinski y su actuación y caracterización es sobresaliente. Y su amada es Isabela Adjani en el papel de Lucy. Ambos son los protagonistas principales, sin olvidar a Bruno Ganz, Hutter, aventurero en los bosques de Transilvania, valiente, más bien temerario, que sucumbe ante el “maestro”, el jefe de los vampiros, el Conde Drácula.

La sobriedad es, en mi opinión, virtud de esta versión, la sobriedad, casi austeridad, reflejada en los escenarios, tan reales que da la impresión de que se han utilizado restos de castillos y no se ha tocado casi nada, lo cuál, en el fondo, moderniza este remake y lo hace creíble al máximo.

La introducción de las ratas y la peste bubónica conlleva la introducción del miedo colectivo en la ciudad, y cuando las instituciones han desaparecido -el alcalde ha muerto - entonces los apestados celebran sus comidas en medio de la plaza, porque ya están perdidos. Eso es lo que el vampiro hace en la sociedad, traer el miedo y la desorganización, en ese viaje en barco en ataúdes negros y velas rojas, como la sangre.

Otro aspecto que me gusta es la veracidad de los rostros de los gitanos de Transilvania. Se puede decir que en ese entorno se hace serio el ambiente de superstición, la creencia en los hijos de la noche que chupan la sangre de los que están vivos.

El castillo de Nosferatu es en principio un pequeño salón dónde Klaus Kinski intentará chupar la sangre de la herida de Hutter, eso en su interior; en su exterior, sobresale esa cripta oscura dónde el abogado descubrirá al conde en su sueño eterno.

Nosferatu es terrorífico, pero también es cierto que su delgadez extrema, su color blanco de muerto y sus ojos oscuros dan casi lástima. Está claro que ese hombre necesita la sangre humana. Reseñable también la posición casi horizontal de sus manos cuando ataca a sus víctimas, la principal Lucy. Ésta ya tiene un sueño premonitorio al principio del film, un murciélago muy negro envuelto en neblina desplegando sus alas.

¡Hay tantas razones para considerar una obra de referencia a esta película! Por ejemplo, la música, Wagner entre otros, otro ejemplo, los cuadros de El Bosco, otro, esos edificios, esa ciudad acabada por la peste y sufriendo la locura del terror de algo extraño y desconocido.

A diferencia de otras pelís vampirescas en las que se aísla a la víctima para sentir el temor, aquí es el miedo colectivo lo principal. Una escena muy representativa de esto es la llegada del barco a Wismark con el capitán atado al timón y muerto y una niñita abajo tosiendo.

Van Helsing es aquí un viejo doctor aferrado a la ciencia que no quiere reconocer que algo raro está pasando hasta el final, cuando ya el matrimonio Hutter ha sido “mordido” por el murciélago jefe. Entonces clavará la estaca y será detenido por ello, sin cárcel para ser recluido debido a la aniquilación de la ciudad.

No todo acaba con esa estaca. Hutter acabará huyendo a caballo en una llanura marrón interminable… ¿No tenemos todos algo de vampiros?

La escalera, Stanley Donen abordando las relaciones de pareja

2011-03-31T21:13:00.001+02:00

Que se trate de una pareja gay madura no creo yo que sea realmente el tema de esta película, que cuenta con dos grandes actores, Rex Harrison y Richard Burton. Y el hecho de que esos actores representen personajes con bastante pluma, tampoco. Es decir, no se trata de abordar las relaciones homosexuales ni se trata de un cine gay, es más bien una manera de abordar los entresijos de las relaciones humanas con afecto entre dos personas y el deterioro que sufre ese afecto con el paso de los años.

Para mí, gran película, a pesar de que he leído que fue un fracaso de taquilla y un fracaso para su director, que no pienso que tenga mucho que demostrar en el mundo del cine a esas alturas de su carrera.

Charlie y Harry se maltratan, más el primero al segundo que al revés, de hecho pienso que la relación se sostiene gracias a la fuerza de Harry que, en el rol femenino, demuestra una mayor madurez que Charlie.

Son dos peluqueros y la película casi empieza así, con los dos en la peluquería arreglándose el uno al otro. Harry (Richard Burton) tiene el problema de la alopecia, y más, tiene a su madre en cama con artritis, y más, tiene que aguantar a Charlie, que le abandona la noche que le apetece para tener sus aventurillas gays (que nunca se ven, salvo en una ocasión). Harry limpia el piso, Harry atiende a su madre, Harry limpia el baño. Charlie ha estado casado y tiene una hija, pero también aguanta a Harry y además está pendiente de un juicio por armar escándalo en un pub, o sea, por travestirse de mujer.

Los diálogos son muy inteligentes, los de ambos, en ese maltrato al que se someten, repito más por parte de Charlie(Rex Harrison) que asume el rol del hombre.

Para mí, de las mejores fases ( y utilizo esta palabra porque es usada por uno de los personajes para atormentar al otro: “Ahora estás en la fase de …”) de toda la película es la fase del cementerio y la fase de la velada alcohólica de Charlie con un prostituto en el mismo piso en el que la pareja convive con la madre de Harry. Son las fases de mayor autodestrucción de los dos, pero ambos saben salir de ahí para subir la escalera –el camino juntos al juicio de Charlie lo representa- de una vida compartida durante 30, -en este caso-, o 40, o 50, -da igual- que les conducirá a la muerte, o sea, la escalera de la vida.

Enlace al vídeo de la película en youtube

Sucker Punch, chicas guapas ejercitando los puños

2011-03-31T05:47:00.001+02:00

Yo me quedo con la música de esta película, que nos inserta a los Beatles o Annie Lennox , pero también a Mozart, en un burdel o en unas trincheras parecidas a las de una Guerra Mundial.

Sí, como la historia se desarrolla en una especie de sueño de una chica, los escenarios, y los personajes, y los monstruos, son de lo más variopinto.

Sucker Punch, la última de Zack Snyder, reúne un conglomerado de intenciones y utiliza una multitud de fuentes cinematográficas o literarias, pero el resultado se limita a la traslación a la pantalla de un gran cómic o videojuego visualmente poderoso, pero emotivamente flojo.

Bebiendo de los clásicos de la ciencia ficción –hay máquinas que recuerdan directamente al computador de 2001, una odisea del espacio-, de las novelas B de heroínas, y de tantos otros manantiales, nos encontramos con una pesadilla con final relativamente feliz.

Hay machismo, de hecho los protagonistas masculinos, son odiosos a más no poder, todos menos uno. Nos encontramos dueño del burdel, alcalde con puro, cocinero grasiento. Muy mal parados salimos los hombres.

Las mujeres tienen mejor imagen, mejores piernas y son más listas.

Los monstruos dejan de sorprenderme y todos se asemejan a dragones.

Creo que la película funcionará bien para un público determinado, adolescente, digámoslo claro, pero no me imagino yo a una maruja de 55 años ilusionándose con esta creación (aunque claro, todo es posible).

Valor de ley, un western muy logrado de los Cohen

2011-02-24T00:51:00.005+01:00

A mí me ha gustado mucho este Valor de Ley del 2011.

Tres personajes, en busca de un forajido que ha matado al padre de una chica de 14 años, Mattie, actúan en honor al sentido de lo justo, encontrándose al final con una aventura que perdurará en su recuerdo al cabo de medio siglo.

Esto es un western, al estilo clásico, con un humor de esta época. Me he reído -lo reconozco-, cuando unos condenados a la horca están hablando de reinserción y una voz en el público les espeta algo así como “Cállate llorica”. “En este público hay personas peores que yo”, dice uno de los que van a ahorcar, y entre el gentío se oye una sonora carcajada. ¿Es este el típico humor de los Cohen? Pues quizá sí, y me gusta, haría un –me gusta- en el cajetín correspondiente del facebook.

Pero más allá de gustos puntuales, Valor de Ley, de los hermanos Cohen, es muy buena, y, por favor, que no se compare demasiado con el original de Hathaway, un director, a mi modo de ver, minusvalorado en algunos momentos, con grandes películas, tipo Niágara por ejemplo.

Lo primero que llama la atención de Valor de Ley es lo cabezones que son sus tres protagonistas principales, la chica, el viejo sheriff Rooster y el tejano. Esta niña, de 14 años, tiene un par de h que ya los quisiéramos muchos, es una negociadora, una regateadora valiente, con decisión y con poco miedo a nada. Pero es que el alguacil, encarnado magníficamente por el nominado Jeff Bridges, también se las trae. E incluso Matt Damon (La Boeuf), el ránger de Texas es, como poco, persistente en su caza y captura del asesino.

Hay escenas de una fuerza y emoción, - y digo, emoción, porque he leído por ahí que este remake carece de emoción- bastante considerable. Ejemplo: Mattie en el río con su caballo intentando unirse a Rooster y a La Boeuf, pasándolas canutas, y los otros dos, allí, mirando desafiantes pensando algo así como “esta niña cabezona y pesada, lo va a conseguir”

Cierto que ayuda a esta historia la definición sicológica de los tres bastiones del film, son “tíos” que se recuerdan. Mattie, por su asombroso deseo de hacer justicia, de vengarse, por su tozudez, por el desparpajo con el que se desenvuelve en un mundo tan hostil como debía ser aquel. Rooster, porque es el “viejo pirata truhán capitán” de vuelta un poco de todo, con un estupendo manejo del revólver cuando está sereno , el abuelo, y La Boeuf porque por fin disparará el tiro que le redima de su inseguridad.

Los tres hallarán después de esta aventura una madurez que no tenían antes. De eso se trata a la par que nos hacen pasar un rato divertido, tenso en ocasiones , transportándonos de nuevo a esas antiguas películas del Oeste con buenos que no son tan buenos y malos, algo desequilibrados , que no son tan malos.

Una de las críticas que más me ha gustado de Valor de Ley es la de tublogdecine. La recomiendo.

Zamora, tierra y hombres libres, una revolución venezolana

2010-11-28T09:52:00.002+01:00

Ezequiel Zamora fue un líder revolucionario venezolano del siglo XIX, protagonista de la Guerra Federal, que proponía que la tierra era de quien la trabajaba, hizo la guerra contra los godos y apostaba por una sublevación campesina contra la oligarquía.

Zamora, tierra y hombres libres, la película de Román Chalbaud, hace una reconstrucción histórica de la figura del militar y revolucionario, uno de los hombres más populares del 1800 venezolano.

Figuras representativas de ese tramo de la historia de Venezuela aparecen en la cinta, el liberal Antonio Leocadio Guzmán, su hijo, el terrateniente José Antonio Páez, Monagas, o Juan Crisóstomo Falcón.

La causa de Zamora está clara desde el inicio. El quiere una Venezuela liberal, liberada de los terratenientes poseedores de la mayoría de las tierras del país sin haberlas trabajado, una revolución de los campesinos que les haga salir de la miseria. Su lucha es la lucha del pueblo contra las minorías elitistas que detentan el poder y la propiedad de la tierra.

Está claro que la revolución implica ascenso al poder, no podría entenderse de otra forma. Y Zamora va subiendo políticamente y también en su carrera militar. Los presidentes de Venezuela le temen, esa es la pura verdad, por su valor y por su carisma para arrastrar al pueblo y hacer de ese pueblo un ejército.

Tras muchas vicisitudes, Zamora llegará a la batalla final habiéndose creado enemigos dentro de sus propias filas, en su propio partido. La traición está servida. Y aunque su muerte fue un misterio, la versión de Chalbaud parece la más ajustada a la realidad.

Aunque en la película parece que al final tiene 60 años, lo cierto es que murió con 43.

El actor que le da vida es Alexander Solórzano, que construye un digno papel.

Se trata, en resumen, de una película histórica, quizá con no demasiados medios técnicos y de extras, por ejemplo, pero que te hace pensar en las Revoluciones, en sus líderes y echarle un vistazo a la historia de Venezuela. Algo diferente en estos días, lo cuál se agradece.

Talk Radio, hablando con la muerte, de Oliver Stone

2010-11-27T09:05:00.004+01:00

Eric Bogosian hace el papel de su vida interpretando en esta película de Oliver Stone a Barry Champlain, un locutor radiofónico en Dallas, cuyo programa Talk Radio va a emitirse a nivel nacional.

Champlain es un comunicador poco habitual, tanto por las formas de expresión que usa como por las personas que acceden al programa para hablar con él. Suele tratarse de gente solitaria, que está algo mal del bolo, esa es la verdad. Desde antisemitas intolerantes hasta jóvenes travestidos, desde gente que le da las gracias por hacer ese tipo de radio hasta gente que le odia y le amenaza con la muerte. Si, Barry está hablando con la muerte, sin duda.

El ritmo frenético de la película es de lo mejor. Y Oliver Stone, aún partiendo de un escenario poco habitual en su filmografía, denuncia todo aquello que ya ha denunciado en otros films anteriores y posteriores, la decadencia moral del pueblo americano, la rabia de los grupos conservadores que no perdonan a nadie que no piense como ellos, la comunicación anónima como mejor forma de calibrar la opinión pública latente en una sociedad.

Y Bogosian es el jefe de la comunicación, es el director de orquesta, él va haciendo su programa sin importarle demasiado la opinión de sus superiores o la opinión de las mujeres que están cerca de él, su ex mujer y su nueva amante, su productora. Tanto es así, que no duda en humillar a su ex justo en el programa que puede darle el pase a una cobertura a nivel nacional.

Champlain no es muy mayor, pero ya sabe mucho de la vida, o, al menos, eso parece. Desde luego, sabe ser el centro de atención y además cuenta con los medios necesarios para ello. Corta las llamadas de quien no le interesa, lleva al plató a los oyentes que le da la gana en cada momento, y en fin, hace y deshace a su antojo. Esto, lógicamente, tiene sus peligros y se palpa una amenaza de muerte constante en el ambiente.

La enemistad pública que Champlain crea en la masa se advierte claramente en el acto de presentación de un partido de basket, dónde literalmente la gente no le permite hablar.

Todos quieren oír Talk Radio, a todos se les cae la baba con Champlain, pero de ahí a admitirlo va un trecho. Eso sólo se admite anónimamente oyendo o llamando al programa

Talk Radio es la temperatura de América y América parece estar a punto de explotar.

¿Cuánto aguantará Champlain (Bosogian) destapando las miserias de una sociedad que está perdiendo sus valores morales a pasos agigantados?

Vean Talk Radio, hablando con la muerte, de Oliver Stone y lo averiguarán.

Los ojos de Julia, excelente y moderno terror clásico

2010-11-16T22:39:00.005+01:00

No entiendo algunas críticas negativas que ha tenido esta película. Porque se trata de terror del bueno. No sé si la gente piensa que una película es mejor cuanto más complicada de entender es. Y además, todos aquellos que la acusan de previsible, ¿estaban tan seguros de que la hija del vecino no era la sicópata invisible? Seguro que no. Y les recuerdo que cuando eso se descubre falta apenas un cuarto de hora para el final, si no me equivoco mucho.

Los ojos de Julia reúne todas las reglas del cine de terror clásico para hacer de ella una moderna obra de terror. Algunos dirán que se repiten los tópicos, pero es que ¿acaso no se repiten en una película que la crítica ha endiosado llamada Origen? (Y no es que tenga nada especial contra ella, sólo que, para mí, de obra maestra, nada).

Pero, seamos sinceros, ¿cuánto miras el reloj en Los ojos de Julia? Casi nada. Porque te atrapa de principio a fin, porque cuando se descubre quien es el asesino, el director, Guillem Morales, tiene la habilidad de crear tensión con escenas muy logradas (el cuchillo afilado ante los ojos de Julia, la cuerda que Julia conoce, la pantalla en negro cuando se despierta; la madre de Iván defendiendo a su hijo, la policía que no se entera). Todo ello crea ansiedad, incertidumbre, estrés, sustos y todo lo que requiere una película “de miedo”. Con otras cintas de este año, algunas muy alabadas, no sientes casi nada, ni te inmutas, y estás preguntándote cuándo va a finalizar. Y no voy a decir nombres, para no crear polémica.

Ojo con los ojos de Julia, que es magnífica en su género, y no hay que perder de vista que el terror tiene que ser lo que es, o sea, sobresalto, sospechas, sospechosos que dejan de serlo, nuevos sospechosos, intriga, oscuridad y pánico. Y quien no haya sentido esto con Los ojos de Julia es porque estaba enredando con sus compañeros de asiento o comiendo palomitas.

A ver, también dirán algunos que no pasará a la historia del cine, y probablemente es así, pero en su primer visionado el espectador está más inquieto en su butaca que con “Todo lo que tú quieras”, por ejemplo. Y mira que me gustó, y mira que es bueno el Achero, y mira que seguramente con los años su película se recordará. Pero una cosa es una cosa y otra es otra (me estoy luciendo con frases como ésta). Lo que quiero hacer ver es que la de Mañas es una obra de calado social y la otra una de terror que trata de eso, de dar sustos y mantenerte en vilo, aunque para ello utilice algunos efectos o trucos de cámara, digamos, recurrentes en este género.

Independientemente de todo lo que he dicho, no pretendo que estéis o dejéis de estar de acuerdo conmigo. Sé que hay gente que la critica mucho y gente que le ha gustado. Yo soy de los últimos, simplemente. Y tampoco debo ser tan bicho raro, por las cifras taquilleras de Los ojos de Julia.

Ah, y Belén Rueda está extraordinaria, hasta el punto de que se ha consagrado en este tipo de papeles. Claro, algunos dicen que se ha encasillado. Me rio yo de los encasillamientos de algunos actores que les proporcionan premio tras premio. Y, por Dios, ¿quién no se encasilla en el mundo del cine?

La red social, película sobre el facebook y su creador, Mark Zuckerberg

2010-11-11T00:38:00.004+01:00

Película sobre el proceso de creación de Facebook, dirigida por David Fincher, en la que está siempre presente la sospecha de la vulneración, por parte de Mark Zuckerberg, su creador oficial, de los derechos de propiedad intelectual de sus compañeros en la Universidad de Harvard, Divya Narendra, Cameron y Tyler Winklevoss, que lo denunciaron argumentando que lo contrataron para que acabase el código de su sitio de Internet, ConnectU, y Zuckerberg les birló la idea.

Sea como fuese, el caso es que hoy en día Mark Zuckerberg es uno de los millonarios más jóvenes del mundo, eso sí, después de varias demandas judiciales y de llegar a acuerdos de confidencialidad de mucha pasta con algunos de sus excompañeros.

La película comienza con una conversación entre Mark y su amiga Erica y ahí ya vemos por dónde va la personalidad del fundador de facebook, un tío frío, que habla de dos cosas al mismo tiempo, y cuyo objetivo es triunfar a toda costa. Mark y Erica discuten y Zuckerberg esa noche, con la cerveza en la mesa del ordenador, decide escribir en su blog que la chica es una “zorra”, meterse con el tamaño de sus tetas y humillarla. Y además crea una web con las fotos de las chicas de la Universidad en la que la gente puede opinar y elegir a la más guapa.

Todo se sucede muy deprisa y esta idea de hacer una web dónde la gente pueda tener su perfil y relacionarse, se irá perfeccionando en la cabeza de Mark Zuckerberg hasta la fundación de Facebook, la red social más conocida del planeta. El contará con la ayuda, ante todo, de su compañero Eduardo Saverin, quien pondrá el dinero inicial necesario para plasmar las ideas de Mark.

Siempre con excesos en las fiestas y el alcohol, estos jóvenes van avanzando en su red social y ampliando contactos, personales y económicos. Conocerán al creador de Napster, Sean Parker, que ampliará el negocio a otros continentes, pero que se presenta como una persona conflictiva, con problemas con las drogas.

Hay también una traición de Zuckerberg a su amigo Saverin, al que rebaja casi al 0 por ciento su participación en facebook, y lógicamente la correspondiente demanda de éste último.

Vemos, pues, que para hacer muchos amigos hay que ganarse algunos enemigos, lo cuál parece convertirse en el lema de “La red social”.

A mí la película se me ha pasado rápido y le he cogido cierta manía a estos jóvenes talentosos, cerebritos programadores, pero con mucho menos cerebro en su vida personal. Sólo Erica y la abogada parecen tener el valor para decirle a Zuckerberg que es un gilipollas, o que si no lo es, lo hace muy bien. Yo he pensado lo mismo mucho tiempo viendo La red social, justo hasta el final, cuando Mark intenta hacer un uso del Facebook acorde con su concepción original: hacer amigos y agregar chicas; dando por hecho que todo ello le proporcionará un montón de millones de dólares.

Pan negro, símbolo de la pobreza de posguerra

2010-11-07T19:48:00.005+01:00

El pan negro es un símbolo de la pobreza tras la Guerra Civil, pero también de unas vidas complicadas y oscuras en un mundo predominantemente rural dominado por los señores.

En esta película, a ello se suman seres envueltos en sospechas de asesinato, niños que quieren crecer demasiado deprisa observando y analizando el comportamiento de sus mayores, mujeres sacrificadas por el amor a sus maridos, sean éstos de la tendencia política que sean, niñas traumatizadas por las circunstancias de la guerra, fascistas vencedores que aplican una justicia arbitraria, etc.

La secuencia inicial de Pan Negro es extraordinaria y extraordinariamente violenta. Creemos que los derroteros del film seguirán por este camino, pero se atenúan un poco.

Es una película muy ambiciosa en el sentido de querer apuntar a demasiados objetivos; a veces parece un thriller político, otras veces hay algo de destino mágico y trágico, en ocasiones se asemeja a una saga familiar; en fin, muchas pretensiones, algunas de las cuáles no llegan a culminarse.

No obstante, nadie puede negar el evidente interés de Pan Negro, avalado además por su éxito en San Sebastián, y por el libro en que se basa, una gran novela de Emili Teixidor.

Aunque está localizada en Cataluña, podría igualmente ser válida en cualquier otro contexto geográfico de esa época.

Un punto importante es que el peso de la trama recaiga en un niño, Andreu (Francesc Colomer), ya que su visión de las cosas se va transformando con el paso del tiempo, produciéndose una pérdida de inocencia , típica de la edad, pero agravada por los acontecimientos. Su padre, Farriol, pasará, en la concepción de su hijo, de héroe idealista, cuidador de pájaros, a villano, castrador de jóvenes afeminados.

Andreu no podrá perdonarle, ni siquiera una vez que ya está estudiando bachillerato de mano de los Manubens, la familia poderosa que le adopta, pasándole al pan blanco, pero que es la misma que en el pasado condenó a él y a su familia al pan negro.

El niño protagonista optará, al final, por una solución lo más práctica posible y pensará en él mismo y su futuro, adivinándose que sus estudios para médico le harán olvidarse de esa masía, un poco de pesadilla, de sus primeros años.

Khadak, la historia de un chamán en Mongolia

2010-11-07T02:42:00.003+01:00

Centrada en las frías estepas de Mongolia, Khadak es algo más que una película sobre las formas de vida de los mongoles, y trasciende hasta convertirse en una confrontación entre la tradición y el futuro de los pueblos.

Bagi lleva una vida serena con su abuelo y su madre, cuidando los rebaños, pero cuando una oveja se pierde y él la encuentra, oyéndola en la distancia y sufriendo un ataque epiléptico, la chamana del poblado se da cuenta de que Bagi tiene un carisma especial y un destino, que es el de convertirse en chamán.

Su abuelo le advierte, en una escena preciosa en la que ambos están sentados bajo un árbol mientras atienden a las ovejas, de que luchar contra el destino trae mala suerte y le recuerda la historia de su padre, un piloto de avión que llevaba manzanas al pueblo, que se enamoró de la empleada de correos, su madre y que terminó falleciendo en un accidente de su avión.

Al poco tiempo, un convoy militar llega a la casa informando de que los animales de la zona están afectados por una epidemia que se contagia a los hombres y apremiándoles a abandonar la tierra, trasladándoles a una ciudad minera. Bagi tiene que abandonar a su caballo, al que despide en el árbol sagrado dejándole con una simbólica cinta azul en el cuello.

Los poderes de Bagi continúan en la ciudad, y también sus ataques epilépticos. Movido por su don, salva la vida de la joven ladrona de carbón Zolzaya, lo que le hace ser arrestado y condenado a trabajos forzados, junto con los amigos de la chica. Un nuevo ataque de epilepsia le lleva a un hospital dónde le diagnostican dicha enfermedad. Muy pronto, sin embargo, su sentido de la audición vuelve a despertar. Susurrando a través de las tuberías de agua oye los sonidos de los animales. Bagi trata desesperadamente de convencer a otros pacientes que pueden escuchar a los animales que siguen vivos. Nadie hace caso de sus gritos y él se coloca en régimen de aislamiento. Bagi, a continuación, se adentra en su primer viaje chamánico y se encuentra confrontado por la chamana en el contexto de una ciudad devastada y futura. Ahí es cuando nace un movimiento ciudadano de retorno a la antigua forma de vida, y cuando Bagi y Zolzaya vuelven a estar juntos.

Khadak es una película con imágenes poderosas y de gran atracción, en la que siempre se enfrentan la forma de vida tradicional de los mongoles, aferrados a sus animales, con las ciudades actuales y los bloques de edificios. A la epilepsia se contrapone el ser un chamán, al caballo la moto, a las carretas de ganado la excavadora gigante con la que trabaja en la ciudad la madre de Bagi. Es como una forma de reivindicar una antigua forma de vivir que se ha perdido con el tiempo.

Premiada en Venecia con el León del Futuro, con una mención honorífica en Toronto y en competición en Sundance, esta coproducción alemana, belga y holandesa, dirigida por Brosens y WoodWorth, del año 2006, es visualmente casi perfecta y una obra moderna que a veces se asemeja a un videoclip musical ubicado en no se sabe qué tipo de ciudad futurista.

Río salvaje, de Elia Kazan

2010-10-22T06:30:00.003+02:00

Wild River, río salvaje, hace referencia al río Tennessee.

La película empieza con la declaración a la televisión americana de un padre que ante una crecida del río ha perdido a su familia.

Y es bueno que Elia Kazan centre ya el tema sobre el que va a girar la historia. Porque nuestro protagonista, Montgomery Clift, pertenece a la TVA, Autoridad del Valle del Tennessee, un departamento del gobierno que tiene que acometer modificaciones en el río y para ello tiene que expropiar algunos terrenos. Pero una anciana se niega a vender su propiedad, se niega a ser expropiada.

Montgomery Clift, como si de un explorador del siglo de oro español se tratara, entra en la propiedad de la abuela con la intención de convencerla de que desaloje, porque si no se verá enterrada por las aguas, ante la inminente construcción de un pantano. Pero lo que consigue Clift es ser lanzado al río por uno de los hijos de la señora.

Posteriormente, el menudo Clift volverá a intentarlo, hablando con los miembros de la familia de la mujer, y con los trabajadores negros de la misma. Y encontrará una aliada en Lee Remick, que es nieta de la anciana. Clift y Remick inician una aventura amorosa que le servirá al enviado de la TVA como intento de que la joven influya sobre su abuela.

La relación entre Clift y Remick es rara en todos los sentidos. Ella es una viuda joven que tiene ya un pretendiente, pero que lleva 3 años de viudedad sin tener sexo. Y él es un personaje peculiar por su aparente debilidad física y por una especie de conflicto personal, por una lucha consigo mismo sobre si quiere formar una familia o no.

Toda esta situación, ya complicada, se complica aún más porque Clift quiere emplear en los trabajos en el río a trabajadores negros y quiere pagarles lo mismo que a los blancos, lo que hace que se gane la enemistad de los terratenientes lugareños

Clift será “invitado” en varias ocasiones a largarse del pueblo, con alguna que otra paliza incluida, pero afortunadamente “no llegará la sangre al río” y el enviado de la TVA cumplirá su cometido de desalojar a la anciana, aunque, eso sí, con ayuda de las autoridades, y además terminará dulcemente su relación con Reemick.

Lo importante de la película es el enfrentamiento entre dos Américas, la del progreso, representada por Montgomery Clift, que en aras del bien general está dispuesta a acabar con los individualismos, y la América más tradicional, representada por la anciana, que antepone al interés general, su amor por la tierra dónde se ha criado y dónde ha dejado su “sangre”.

Como es de suponer, en 1960, que es cuando se rodó la película, lo que triunfa es la América del progreso, y queda magistralmente de manifiesto en la escena final dónde se ve a Clift y a Reemick, con los hijos de ésta, en un avión, dejando atrás la isla de la discordia que no quería vender su abuela, y topándose con el nuevo pantano que se ha construido.

This is the new America.

Todo lo que tú quieras, Dafne. Achero Mañas

2010-09-27T04:00:00.004+02:00

Cuando un director empieza a entrar en lo que yo llamo Cine de Autor, la cosa va bien. Es decir, ese director está creando un estilo propio, una escuela, que le identifica y le distingue de la gran mayoría. Creo que Achero Mañas, con sus pocas películas, ya lo ha conseguido.

Y lo consigue con Todo lo que tú quieras, al proponernos una historia con múltiples preguntas y con múltiples respuestas en la que te metes de lleno.

Achero no habla sobre la homosexualidad, ni mucho menos, ni tampoco sobre el transformismo, sino que lo que quiere contar es, fundamentalmente, el costoso proceso de adaptación de los niños a los cambios repentinos en su entorno familiar, y los sacrificios que los padres están dispuestos a hacer para satisfacer a sus hijos: Todo lo que tú quieras, Dafne.

Bien es cierto, que también toca el tema de los distintos roles que tradicionalmente han ocupado la mujer y el hombre en la educación de los hijos. Y también, de pasada, el cómo ve la sociedad a un hombre que va por la calle vestido de mujer. Pero creo que no es el tema principal.

El padre de Leo, nuestro protagonista, (un sobresaliente Juan Diego Botto): dice que “por los hijos dejas de ser tú y renunciarás a ti mismo por ellos”. Y su hijo realiza esta máxima al cien por cien, desprendiéndose de todos los prejuicios que tenía hacia los “maricones de mierda” para hacer de la madre de su hija Dafne, pintándose los labios y poniéndose peluca y actuando de “mamá” para la niña.

Achero Mañas lo hace muy bien en esta historia, al colocar a Leo en un entorno profesional competitivo y, digamos, de tradición masculina, dónde los hombres son muy machos y se ve mal al viejo maricón que actúa en el teatro y que está liberado ya de todo y un poco de vuelta. Al final, Leo se hará amigo de este hombre, Alex –magníficamente interpretado por José Luis Gómez- y le pedirá ayuda para ser más acertado a la hora de imitar y transformarse en su mujer muerta.

Se está contraponiendo en esta película una forma de vida tradicional, representada por lo que antes era el núcleo familiar de Leo, con nuevas formas de familia que están surgiendo en nuestra sociedad, más que conocidas por todos. El padre es ahora también la madre al asumir tareas que normalmente realizaba la mujer y al intentar recoger el testigo de la sensibilidad y la renuncia infinita que el llamado sexo débil tiene por los retoños.

En fin, a mi modo de ver, Todo lo que tú quieras es una muy buena película y seguramente triunfará este año en las Galas de cine. Pero, sinceramente, si no lo hace, da igual, porque Achero ya ha conseguido conquistarme y entrar de lleno entre los directores de autor.

Origen, DiCaprio al fin logra ver la cara de sus hijos.

2010-08-08T20:42:00.002+02:00

Es la faceta que más me ha gustado de Inception, la de la relación de DiCaprio (Cobb) con su mujer Marion Cotillard (Mal), una relación tan oscura que el protagonista no puede abandonar en sus sueños. Esa sí es una idea, un virus, que se le mete a DiCaprio en todas partes hasta que cuando acaba la película puede ver la cara de sus hijos.

Origen es una buena película de ciencia ficción con buenas dosis de acción, pero de ahí a ser la obra superlativa que parte de la crítica quiere hacer ver creo que va un tramo. Una película no puede ser una obra maestra cuando sus protagonistas están explicándose en casi todo momento, y también a la sala de cine, qué están haciendo.

Los sueños grupales inducidos por sustancias conducen a lo que quiere en este caso el director, Nolan. No voy a criticar eso, porque es muy libre de llevar la película a dónde el quiere y además es ciencia ficción.

Pero sí opino que es criticable, en el sentido de no ser muy novedoso, la idea de equipo dirigido por un líder carismático, muy del estilo americano, y las magnánimas escenas de acción en diferentes escenarios, furgoneta que se cae por un puente –caída que por cierto dura casi media hora-, montaña nevada con castillo tipo Drácula, playas dónde naufragan los protagonistas, etc.

El argumento es bien conocido ya: extracción de ideas en los sueños por un especialista, sueños que alcanzan diversos niveles, hijo de empresario con los típicos problemas de aceptación por el padre, y, lo mejor para mí, relación de amor conflictiva con sentimientos de culpa por parte del ladrón que actúa en el subconsciente, DiCaprio.

Hay buenas ideas en esta película, no lo voy a negar, e imágenes que parecen oníricas, gracias, sobre todo, a los efectos especiales, pero como obra existencialista se queda corta, y creo que será recordada sobre todo como una especie de Matrix, una buena película de ciencia ficción, con buenas interpretaciones.

Tirad sobre el pianista, segunda película de Truffaut

2010-08-07T20:55:00.003+02:00

Charles Aznavour encarna al pianista Edouard Saroyan, que desde todos los puntos de vista es una persona sin suerte. Desaprovecha su primera oportunidad de ser feliz en la vida junto a su mujer porque hace justamente lo contrario de lo que está pensando y cuando da marcha atrás, su mujer ya se ha tirado por la ventana. Y en la segunda ocasión, no tiene suerte, porque los matones que persiguen a su hermano disparan contra su amiga, con la que parece dispuesto a vivir en un futuro. Además de todo eso, sus hermanos le complican la existencia metiéndose en negocios turbios de los que no pueden salir solos. En fin, sin duda Saroyan no es muy afortunado.

Aznavour da la talle en este papel, su físico es muy apropiado, delgado, tímido, representa al hombre que por los pelos no llega a ser un genio de la música, y, lo que es más importante para él, no consolida los amores con las mujeres que va conociendo.

Truffaut, a pesar del fracaso de este proyecto en la taquilla, me convence. Evoluciona desde “Los cuatrocientos golpes” para ofrecernos una historia más moderna, que envejece mejor que su ópera prima.

“Tirez sur le pianiste” mezcla el drama amoroso con el cine negro, y lo mezcla bien. La trayectoria de la película la hace interesante, se mantiene la tensión y esperas el final sabiendo que ahí se resolverá casi todo, pero disfrutando del desarrollo de la vida de este pianista, que ahora se hace llamar Charlie.

La lectura es que no hay tampoco una segunda oportunidad para Charlie, ni volverá a ser el pianista famoso que era, porque las circunstancias que le rodean se lo impiden y porque él no toma las decisiones adecuadas en el instante adecuado.

Cuando esta viviendo su “segunda existencia” tocando en un cabaret, su hermano Chico le pide ayuda perseguido por unos ladrones a los que ha birlado un dinero. Charlie le ayudará y a partir de ahí será objeto del seguimiento de los mafiosos, que incluso secuestraran a su hermano menor.

Cuando parece que encuentra el amor con Lena, a pesar de sus dudas iniciales, ésta será la víctima en la escena final, y ahí se desvanece su segunda oportunidad.

La primera, la que vivió con su mujer, acabó por la ventana, porque él no le perdonó la infidelidad que habría de darle el contrato por el que llegó a la fama.

Resumen de la película que demuestra que Edouard no ha tenido mucha suerte en ninguna de sus vidas.

A bout de souffle, Al final de la escapada, Sin aliento.

2010-08-06T22:31:00.004+02:00

Han pasado 50 años del estreno de esta película, considerada como una de las obras claves de la Nouvelle Vague, y el debut de Jean-Luc Godard sigue conservando un aire fresco y un carácter innovador.

Sin aliento es una cinco estrellas en el mundo del cine, hasta el punto de que hay críticos que afirman que no se puede entender la evolución posterior del séptimo arte sin esta película. Quizá esto sea un poquito exagerado, pero no mucho, la verdad, porque es uno de esos films que no se te olvidan, y ello a pesar de que la historia sea simple, y los personajes se reduzcan a dos.

Jean Paul Belmondo y Jean Seberg dan vida a Michel y a Patricia. El primero es un ladrón que ha asesinado a un policía en su huida de Marsella a París, y la segunda una joven neoyorquina en la capital francesa que vende periódicos del New York Herald Tribune.

Michel es una especie de gánster admirador de Bogart. Siempre lo encontramos con un cigarro en la boca. Delgado, vestido con elegancia, roba coches no menos elegantes, con los que sorprende a Patricia. A él le gusta la chica, se han conocido hace poco, y parece que ella ha quedado embarazada. Patricia también cree sentir algo por Michel, quizá le atrae su misterio, el no saber nunca qué hace, aunque ella pueda imaginarse lo peor.

No hay mucho más qué contar sobre el argumento. El desenlace es algo que se adivina. Las cosas no pueden acabar muy bien. Michel busca un dinero que le deben, y anda bastante desesperado puesto que la policía le busca, como se encargan de recordarle los anuncios luminosos en los edificios de París y los periódicos. Quiere irse a Italia con la joven, pero ésta no parece decidida del todo, ya que como ella misma dice “quiere comprobar si Michel la ama”.

No obstante, al final, Patricia descubrirá hasta que punto Michel la ama, renunciando a irse a Italia y dejándose cazar por la policía, que ha llegado al apartamento en el que ambos están, avisada, ¿imaginan por quien?

Historia ágil, ligera, rápida, con diálogos inteligentes y divertidos, visualmente perfecta. Nunca se ha representado tan bien la estética de los años 60, desde el pelo corto de la Seberg hasta los trajes y corbatas de Belmondo.

La música está estupendamente acoplada, suena una clase de jazz que se modifica según el momento en que nos encontramos.

Parece ser que Godard rodó esta película estando en un estado bastante penoso económicamente, casi desesperado, y esa desesperación es la que traslada a su personaje, Michel, que se la juega a cada momento y es consciente de ello, por eso quizá aparenta calma.

La escena final, en la que Belmondo, va cayendo poco a poco después de haber sido tiroteado por la policía es un icono del cine, y bastante acertado me parece también que el ladrón moribundo utilice los gestos faciales que la pareja hizo suyos anteriormente y que representaban, para uno, la fealdad, para la otra, la belleza.

A mí Al final de la escapada me ha conquistado más por las formas que por el fondo, lo reconozco, pero es un disfrutar continúo, aunque sería ya una incuestionable obra maestra si además nos emocionará hasta arrancarnos alguna lágrima, cosa que no ocurre, seguramente por esa frialdad de los jóvenes amantes, que, desde luego, no son como Romeo y Julieta, aunque casi.

Apocalipsur

2010-08-05T21:30:00.003+02:00

La película, de Javier Mejía, se llama así porque algunos jóvenes colombianos llamaron de esa forma, a los principios de los 90, a la situación existente en el país, azotado por el narcotráfico.

Considerada la mejor película colombiana del 2007, y casi una obra de culto, lo primero que llama la atención es la forma de hablar de los personajes, cerrado acento colombiano con el que te quedas pez, literalmente.

Se trata de cuatro amigos de veintitantos años embarcados en una furgoneta Wolskwagen en busca de otro amigo que viene de Londres en avión. Ellos van recordando su pasado, repleto de situaciones al límite, cocaína, alcohol y otras peripecias.

Aunque se ha dicho que intenta reflejar la situación y formas de vida de los jóvenes colombianos de clase media en la época de más muertos y desaparecidos en Medellín, lo cierto es que este tema se trata un poco de puntillas. Aquí se ve a unos tíos pasados un poco de todo, que son secuestrados, que se meten mucha droga, que buscan travestís, y que van en capa caída, utilizando unas formas poéticas decadentes para tratar de encontrarle un sentido a la vida y a la muerte.

Entre el grupo hay una chica que quiere al Flaco, el que viene del extranjero, pero que se lía con uno de sus amigos.

Si a todo ello se le une una iguana llamada “marihuana” que campa a sus anchas en el vehículo y que desencadena la escena final, tenemos Apocalipsur.

Creo que se intenta jugar, sin acierto, con la ausencia de El Flaco, quizá el líder espiritual del grupo. Pero el aire canalla que tiene toda la historia, no oculta el intento del director de sorprender con cada escena y también en los diálogos, cosa que, según pienso yo, no consigue.

Que el Flaco ha tenido que irse a Londres porque su madre es una juez amenazada por un capo de la droga, casi resulta al final lo menos importante, porque la película se queda con esta alocada forma de vida de sus amigos, anclada un poco en eso y sin trascender a otros significados.

En resumen, si tuviera que ir a verla otra vez, pediría, por favor, que pongan en letra pequeña la traducción de lo que dicen, porque, claro, si cada tres palabras, te encuentras un taco colombiano, con la entonación de aquel país, casi no te enteras de nada, al menos yo.

Los cuatrocientos golpes, de Truffaut

2010-08-04T20:37:00.003+02:00

Este niño sin duda hace bien lo de "darse los cuatrocientos golpes", más que nada porque su rebeldía se antoja a veces un poco sin justificación, sin causa, lo cuál lo relaciona con James Dean cuando tiraba piedras a una casa blanca, adelantándole en edad no obstante.

La película, la primera de Truffaut, tiene interés por el empleo de un lenguaje cinematográfico novedoso para la época y porque se ha considerado posteriormente una obra cumbre de la Nouvelle vague.

El muchacho protagonista se reivindica como un ser conflictivo dentro de su sociedad, faltando a la escuela, mintiendo a sus padres, robando máquinas de escribir, yéndose al cine o a las ferias en vez de a clase y desafiando, un poco, a su profesor.

Su compinche, un compañero de colegio, es algo más refinado, sin duda porque proviene de una clase social un poco más acomodada.

Las peripecias del intérprete principal, Doinel, lo llevarán a un correccional o reformatorio, del que huye para cumplir uno de sus sueños, ver el mar.

¿Por qué se considera esta película una obra destacada del cine francés? Además de obtener el premio de Cannes al mejor director, Truffaut, en 1959, creo que la razón es la contraposición constante y sutil que siempre existe entre el niño rebelde y una sociedad anclada en un régimen rígido en los valores que, a pesar de ello, empieza a hacerse menos tajante, en parte por el surgimiento dentro de ella de otros modos de familia, de otros puntos de vista, como se representa magistralmente con la situación familiar de Doinel, con madre soltera, después casada, y que tiene un amante ocasional.

Se habla de un cine culto o intelectual, quizá con excesiva bondad, porque, al fin y al cabo, el director francés nos cuenta en su debut una historia más de un niño rebelde, inadaptado, vago y ladrón, que no quiere ir a la escuela y que disfruta con un libertinaje más que con una libertad, tema que en los años 50 quizá fuese muy peliagudo, pero que en 2010 ya no se ve como algo tan peculiar. No quiero yo, Dios me libre, decir que esta peli no sea original, pero sí que, a mi modo de ver, ha perdido frescura con el paso del tiempo.

El Papá de Giovanna, una familia en conflicto

2010-06-03T21:48:00.003+02:00

Ambientada en Bolonia, esta película italiana del director Pupi Avati profundiza en las relaciones familiares, mostrando las diferentes actitudes que ante una hija puede tener su padre y su madre.

Giovanna es una joven de 17 años sobreprotegida por su padre y, en cambio, casi ignorada por su madre, Delia. Ésta nunca ha estado enamorada de su marido, sino de un amigo y vecino policía, y además considera que su hija tampoco se preocupa de ella.

Giovanna está creciendo sin el apoyo de su madre, lo que le hace ser una chica insegura, y comete el asesinato de una amiga de la que se siente celosa, al creer que le quita a un compañero de clase.

El papá de Giovanna mezcla esta dramática historia con el escenario de la guerra y la dictadura fascista de Mussolini, que agravará la situación de la familia.
Giovanna se salva de la cárcel, pero es considerada enferma mental por el juez, acabando en un hospital siquiátrico, dónde recibirá únicamente las visitas de su padre, mientras que su madre Delia consumará su amor con el vecino, con la aquiescencia de su marido, que se vuelca en el cuidado de su hija enferma.

Pasados los años, Giovanna saldrá del siquiátrico y se reencontrará con su madre en un cine. Esta vez, sí, Delia decide volver con padre e hija, después de que el hombre de su vida, el vecino, haya fallecido fusilado por los antifascistas al finalizar la guerra.

El verdadero protagonista es el padre, que es capaz de hacer todo por su hija, a pesar del acto criminal cometido por Giovanna. Hay detalles peculiares, como el gesto de llevarle al siquiátrico, los guantes negros de su madre, que la hija considera signo de elegancia. Ahí se evidencia la necesidad que Giovanna ha tenido siempre del amor de la madre, por la que se siente de alguna manera traicionada, ya que desde siempre Giovanna ha detectado el amor “invisible” entre el vecino y Delia, invisible únicamente para su padre, claro.

En definitiva, se trata de una película que trata de tocar muchos temas, centrándose principalmente en el afectivo-familiar. Se ve con bastante agrado, no se hace pesada, pero, desde luego, no será recordada como una obra crucial del cine italiano contemporáneo.

Déjame entrar, una lección de sensibilidad y amor

2010-05-30T11:58:00.005+02:00

Extraordinaria película que toma una base mágica para hablarnos de la realidad del mundo de los sentimientos.

Nuestros protagonistas son dos adolescentes suecos en busca del amor que reafirme su existencia y su futuro. Oskar es un niño de 12 años que conoce a una extraña joven que llega a su bloque de edificios, Eli. Y ambos comienzan una historia de amor. Lo particular de todo esto es que Eli es una chica vampira, de ahí la parte mágica o irreal.

Pero esta película no tiene nada que ver con las típicas películas americanas juveniles sobre el tema, sino que habría que emparentarla más con la visión romántica del vampirismo de algunas obras del cine clásico. Y aún más, las supera al centrarse en un tiempo actual y al rezumar sensibilidad en cada fotograma.

La nieve que rodea a Oskar y Eli, el frío, la incomunicación en que ambos personajes se encuentran al principio crea un ambiente único. Y en medio de ello, surge el amor.

Ayúdame y te habré ayudado, déjame entrar y ayudarte, es algo que podrían decirse mutuamente nuestros enamorados.

Se trata de una versión de Romeo y Julieta en otra época y en otro tiempo, con otras circunstancias, y con hándicaps diferentes para que la relación funcione. Aquí no hay una oposición de las familias, hay una terrible enfermedad de Eli, ella es vampira y necesita la sangre.

Que el amor nos da fuerza a los seres humanos queda de manifiesto en Déjame entrar. Y que hay que amar por encima de los defectos del amado también.

No se trata de una película de vampiros, se trata de una película de sentimientos, del amor, de la soledad en la que estamos sin amor y de cómo mejora nuestra vida con él.

Ciudad de vida y muerte, la masacre de Nankin

2010-05-02T20:55:00.003+02:00

Esta película ofrece una versión de la masacre de Nankín de 1937, hecho real de la Segunda Guerra chino-japonesa en el que un gran número de personas de nacionalidad china sufrieron crímenes contra la humanidad por parte del ejército nipón que había entrado en la ciudad el 13 de Diciembre.

La cifra de víctimas parece que se fijó en unas 100.000 y el hecho fue juzgado por los tribunales internacionales, siendo considerado por algunos sectores como el nacimiento del nacionalismo chino, y por parte de los japoneses una cruzada mundial en contra de su país.

Partiendo de esta atrocidad, el film, de excesiva duración, con un buen blanco y negro, trata de hipnotizarnos con imágenes muy fuertes, y con sonidos igualmente contudentes (los disparos suenan muy potentes en la sala de cine).

Creo, no obstante, que a veces se hace pesado, y es como que el director ha confiado demasiado en su material pensando que con poco más ya tendría asegurado el éxito. No obstante, a pesar de los premios recibidos, creo que el hecho de tratarse, más bien, de una película coral, con muchos personajes, le resta cierto interés, quizá hubiese sido más acertado introducirnos en una sola historia dentro de esa masacre para concentrar la atención.

Cercana a la Lista de Schindler en algunos aspectos, esta película de guerra incide en los hechos abusivos que el invasor suele realizar sobre el invadido.

Para mí, lo mejor de la película es el final, cuando uno de los oficiales que ha cometido todo tipo de aberraciones, decide ser justo consigo mismo, además de liberar a dos prisioneros que salen andando incrédulos por el campo, jugando con las flores y pellizcándose para creerse que realmente están vivos y tienen una vida por delante, es el pueblo chino que camina ante un sol radiante libre de la tiranía de su opresor y al que le espera un futuro, en teoría, prometedor.

El escritor, de Roman Polanski

2010-04-07T01:26:00.002+02:00

La imagen de Estados Unidos no queda muy bien parada en esta película de Roman Polanski, ya que el país más poderoso del mundo extiende sus tentáculos de modo avasallador e influye en la política de sus amigos británicos.
Tal es la historia que cuenta el director franco-polaco, autor de obras tan bellas como El pianista.

Aquí, Polanski se desenvuelve de fábula en el suspense, y de hecho, ya ha sido así en otras muchas de sus creaciones, como La semilla del diablo, o Repulsion.

“El escritor” cuenta entre sus grandezas con el escenario en donde se desarrolla. Centrar la historia en una isla perdida, lluviosa y medio abandonada es un punto a favor.

El argumento es sencillo en teoría: escritor que tiene la oportunidad de ser biógrafo, nada menos, que del expresidente de Gran Bretaña, papel interpretado por Pierce Brosnan.

Ewan Mcgregor es el escritor y creo que su personaje se nos queda, su mirada inquieta, su capacidad para investigar o ser un metomentodo sobresale. Por acostarse, se acuesta hasta con la mujer del político. Por merodear por la isla, lo hace hasta meterse en la cabaña de un anciano que le da pistas. Por echar un pulso con la CIA llega hasta el chalet de Paul Emmett. En fin, si alguien se arriesga es El escritor.

Pierce Brosnan está estupendo como presidente Adam Lang, se nota que está en la política por su atracción por el sexo opuesto y que se deja llevar una vez y otra también por su mujer, unida a la causa americana.

Todo esto lo vamos descubriendo a medida que se desarrolla la peli. La tensión va a más, el misterio crece. Y como es muy típico de Polanski, es al final cuando se resuelve todo con una frase clave: La solución está en los principios.

Memorable escena de cierre con el manuscrito volando por los aires y un coche a toda velocidad. La cámara se queda en otra panorámica y ya no sabemos más, lo intuimos, eso sí, y la intuición con este director es lo que cuenta

Todo lo demás, anything else

2010-03-27T21:45:00.001+01:00

La vida es como todo lo demás, le contesta el taxista al protagonista de esta película, Jerry.

En Todo lo demás es Christina Ricci la chica Allen, Amanda. Y lo hace bien, su personaje inmaduro con un acentuado ardor sexual se te queda en la retina.
También el de Jerry, ese chico que piensa demasiado en quedar bien con todo el mundo, ya sea con Dobel, ese maestro que conoce y que le da consejos en su vida, algunos como el de comprarse varias armas para defender su casa, ya sea con su representante, Danny de Vito, y sobre todo, con su novia, Amanda, que le engaña con la excusa de que necesita saber si se ha vuelto frígida.

Todo lo demás es una recomendable cinta de Allen. Nos mete de nuevo el creador judío en su mundo, tan variado, pero a la vez asentándose siempre sobre unos mismos esquemas. Variado en cuanto a los personajes, siempre repletos de vidas interiores muy ricas. Pero inmovilista en cuanto a los temas que le preocupan, lo cual es lógico porque los temas que le preocupan a Woody son más que trascendentes, el sexo, la muerte, en definitiva, la vida.

Buena nota le doy yo a Anything else. En el 2003 la Nueva York de Allen sigue pareciéndome interesante, creativa y apasionada, y se nos muestra un mundo moderno en el que el amor a primera vista no funciona siempre, o no dura demasiado.

Porque Jerry se chifla por Amanda desde que la ve, les interesan las mismas cosas, y dejan sus relaciones para estar juntos y hacer el amor en hoteles, ya que según Amanda resulta más ilegal. Con el paso del tiempo, Amanda ya no quiere hacer el amor con Jerry y éste se lo dice a Dobel (Allen) que le consuela con la siguiente frase: “Hay miles de chicas que querrían acostarse contigo, o, al menos, una, emborrachándola bien.”

No hay pocas de éstas frases en la película. El guión me parece de notable.

Y todo termina como yo quería. Jerry se va de esa Nueva York que le está impidiendo crear como él puede y que le está atando por todos lados. Dobel le da la llave para salir de ahí y seguir creciendo en su vida. Sólo que él no le acompaña, porque ha matado a un policía que se le ha puesto chulo. No podía ser menos.

Celebrity, un paseo por las celebridades

2010-03-21T10:18:00.003+01:00

Woody Allen dispone en Celebrity de un elenco de actores famosos para meternos directamente en el mundo de la fama. Esta vez es Kenneth Branagh el alter ego de Allen, es como si el genial director hubiese querido ponerse más guapo para entrar a seguir a los famosos de Hollywood, pero sin perder ninguna de sus otras características, o sea, hablar tartamudeando y sin parar.

Pero es que no sólo está el guapo Branagh, también está Leo Di Caprio, y hay mujeres espectaculares como Melanie Griffith, Winnona Ryder y sobre todo, Charlize Theron, en un papel de modelo vampiresa que pone a mil a Kenneth (Lee Simon).

Lee es un periodista que escribe sobre famosos, y que es testigo de sus vidas. Así, por ej, con Theron se estrella en un coche, con Di Caprio, que hace casi de si mismo, se va en avión y tiene sexo en grupo, y con Ryder se enamora para desenamorarse después.

Celebrity se centra en la vida de Lee y en la de su exmujer. Nos enteramos de que han roto por infidelidades de él. Mientras Branagh va hacia abajo en su vida sentimental, su exmujer conoce a un importante personaje televisivo que le hace ascender profesionalmente y con el que se casa, intrigándonos antes al abandonar la boda momentáneamente para visitar una vidente que le corrobora que debe casarse.

Rodada en blanco y negro, Celebrity se sigue bien, pero no es de lo mejor de Woody Allen en cuanto a originalidad y no es una obra deslumbrante, aunque sí es un buen instrumento para hacernos ver los privilegios de las celebridades respecto al resto de mortales, sus vidas algo desordenadas en general, sus luces y sombras. Y además Allen nos manda, como siempre, un mensaje: el éxito en las relaciones de pareja depende de la suerte.

Desmontando a Harry, desmontándonos.

2010-03-14T16:22:00.004+01:00

Desmontar a Harry no es tan diferente de desmontar a cualquier ser humano actual.
¡Por Dios!, dirán muchos. “Yo no voy con prostitutas, yo no engaño a mi mujer, yo no me meto en esos líos, a mi no se me ocurre ir con un muerto, una fulana negra vestida de rosa, y mi hijo secuestrado, a la universidad dónde me van a dar un premio, yo soy más serio”.

Pues, bien, yo creo que no, yo creo que todos tenemos mucho de este Harry putero, infiel, inseguro, promiscuo, y que odia la rigidez de la religión, todos estamos un poco bloqueados en algún momento de nuestra vida y no sabríamos, desde luego, de qué escribir, qué historia contar, a no ser que fuera de nuestro propio personaje.

Claro es que Woody Allen va más allá y utiliza a Harry y sus creaciones para ahondar más en los temas que siempre le han interesado: sicoanalistas, mujeres, relaciones, proceso artístico-creativo, clase intelectual; en fin, ¿por qué no decirlo? cualquier cosa en la que participe un ser humano con inquietudes.

El peso de lo autobiográfico también se observa en Desmontando a Harry, su procedencia judía es también revisada, desmontada, desde el momento en que hace una crítica feroz, a través de Demi Moore, del exceso en el seguimiento a reja tabla de la religión.

Y lo de echarse una canita al aire, parece que no está tan mal, porque al fin y al cabo no engañas a tu mujer. Eso parece querer apuntar Allen. O igual es una impresión mía. La vida es breve y según el infierno que pinta Woody, haríamos bien en aprovechar el tiempo, porque, chico, no es tan grave ese infierno, Billy Cristal se está tomando una copa en un buen despacho, rojo y negro, claro, y él, que es el diablo, dice que se encuentra bastante bien allí.

La mujer de Harry se pone muy celosa e histérica cuando descubre su infidelidad, hasta el punto de que asusta a su paciente con sus alaridos y Harry intenta justificarse una y otra vez: ponerle los cuernos con veinte mil no es para tanto (ver esta escena en el vídeo, please)

Todos, sus amigos y sus personajes inventados, terminarán aplaudiendo a Harry. En el fondo, es un muchacho excelente.

Los santos inocentes, no matar a la "milana bonita"

2010-03-14T02:42:00.007+01:00

A veces el ir mejor vestido, más limpio, comer mejor y tener más tiempo libre para emplearlo, por ejemplo, en la caza, no implica que se esté más cerca del cielo, si es que existe, ni que se sea más inocente, un santo inocente. La inocencia puede estar en la otra acera, la de los pobres, retrasados mentales, criados, sucios, que llegan, incluso, hasta orinarse en las manos para que no se les agrieten.

¡No me toques a mi milana bonita!, no lo hagas o, te puede pasar lo que le pasa al señorito Iván.

Los santos inocentes se convierte en una obra cumbre de la literatura española, por medio de Miguel Delibes, y del cine español, a través de Camus.
Centrada en un cortijo extremeño, se nos habla de dos Españas diferentes, la España rica, la de los señoritos del cortijo, la España pobre, la familia de Paco el Bajo, los criados.
El señorito Iván representa el papel del cacique, Paco el Bajo el del hombre honesto, criado de los ricos, que es feliz sirviéndoles porque es tan buena persona que se cree que Iván de alguna forma le quiere. Craso error. El señorito sólo se quiere a si mismo. Y sólo se preocupa por la caza para hacerse el grande delante de ministros y embajadores.

La crueldad de la clase superior, el trato inhumano que tiene con sus siervos, es reflejado magistralmente en esta película. El final del señorito Iván lo estamos deseando todos y si se produce de la forma que se produce aún mejor. Sentimos un alivio, el cese de una opresión que casi hacía que nos doliera el pecho

Los que hemos nacido y vivido en el mundo rural y hemos trabajado para otros aún somos más conscientes de las cosas que quieren denunciarse aquí.

La clase superior, los propietarios del cortijo, no son en modo alguno ningún ejemplo a seguir. Pedro, el administrador, se resigna a la infidelidad de su mujer con el señorito Iván para conservar su trabajo y su posición. El señorito Iván es un ser despreciable y déspota con todo el mundo e incapaz de pensar en el dolor ajeno, lo que se demuestra cuando Paco –Alfredo Landa- sufre un accidente al hacer de “secretario” de caza para él. En ningún momento, se preocupa por la pierna de Paco, sino únicamente por el hecho de que pierde a su mejor oteador y rastreador de caza. Pura, la mujer del administrador, -Agata Lys- se lía con el hombre más poderoso, y más joven.

La clase inferior, en cambio, sí que está llena de virtudes y valores humanos, que llegan al máximo nivel con Azarías, el cuñado retrasado mental de Paco. Azarías es un amaestrador de pájaros, de la Milana bonita, y cuida a la niña chica como si de uno de sus pájaros se tratara. También la Régula, la mujer de Paco, cuida a su hermano con la mayor paciencia que puede. Y sus hijos, inteligentes, se dan cuenta de que tienen que abandonar ese mundo caciquil y emigrar a la ciudad a trabajar para dejar de estar sometidos a un señorito.

Los santos inocentes es una película que impacta ante todo por su final, es el momento de la venganza, pero a la vez el del equilibrio, el del ajuste de cuentas justo y necesario

Todos los actores están muy bien: Juan Diego como el señorito Iván, Terele Pavez, como Régula, Agustín González en el papel de Pedro, y especialmente, Alfredo Landa como Paco el Bajo y Paco Rabal de Azarías. Estos dos últimos inolvidables. En el caso de Rabal, su forma de correr no se olvida, sus ropas no se olvidan, sus dientes no se olvidan, su forma de decir milana bonita no se olvida. En el caso de Landa no se olvida fácilmente la escena en la que olfatea el recorrido de una presa de caza. Por eso los dos se llevaron el premio en Cannes en 1984.

Ahora, que está reciente la muerte del escritor Miguel Delibes, RTVE ha aprovechado para deleitarnos con esta obra maestra de nuestro cine. Y personalmente he disfrutado mucho con esta película de la transición, sobre todo con su desenlace.

Precious, tú sí que vales.

2010-03-09T04:26:00.002+01:00

Precious sueña que es una estrella de cine paseando por la alfombra roja, que hace números musicales repletos de glamour con vestidos llamativos y coloristas, hasta que un grito de su madre la devuelve a la realidad: “Hija de puta, te crees que en la escuela vas a sacar algo, te tengo dicho que vayas a los servicios sociales”.

“Cada uno aprende del otro”, lema de la escuela alternativa, que le sirve a la adolescente Precious para encontrar un sentido a su triste vida. Nadie le quiere, desde luego, su madre, no, su madre, que administra su pensión, que sólo se preocupa de comer y ver la televisión, y de insultarla, desde luego, no.
Y su padre, menos, su padre ausente que la ha violado desde que tenía tres años con el consentimiento de su madre, tampoco.

Precious va ya por su segundo hijo. Precious, ¿estás embarazada?, le pregunta la directora de la escuela pública. Precious no contesta. Y es expulsada y derivada a la escuela alternativa, dónde, afortunadamente, se topa con una buena profesora, lesbiana, pero buena, y con unas chicas peculiares al máximo, pero que al final terminan apreciándola y queriéndola.

Precious es obesa, es negra, tiene 16 años y 2 hijos de su padre, y encima unos análisis le llevan a una nueva situación trágica. Y, sin embargo, Precious continúa luchando por encontrar la dignidad en este mundo que se lo ha negado todo.

A veces, cuando tu familia te putea, son las instituciones públicas, la gente anónima, la que te apoya, la que te quiere, la que se interesa por ti, la que te hace desarrollar tus cualidades. Eso le está pasando a Precious.

Magnífica película, Precious ha obtenido unos cuantos premios merecidos, pero independientemente de esto, su personaje no se olvida, es una chica con fuerza a pesar de todas las vicisitudes negativas que le plantea la vida y nos enseña a todos que hay que seguir luchando, que hay que seguir viviendo aunque te caigan chuzos de punta, el suelo se abra a cada paso que des y estés pisando en un terreno lleno de minas que explotarán en cualquier momento.

Precious, tú sí que vales, tú sí eres preciosa.

"Un profeta" llamado Malik

2010-03-06T22:33:00.005+01:00

Las cosas como son. Lo verdaderamente bueno de esta película es la primera hora, porque la siguiente hora y media baja el interés y la tensión. En esa primera hora ocurre, a mi modo de ver, lo mejor, el ingreso del joven franco-árabe Malik a la prisión, el sometimiento obligatorio de éste al clan de los corsos dirigido por César Luciani y la superación de la prueba crucial del asesinato de un enemigo incómodo para el viejo César.
Después, la ascensión de Malik al poder es tratada de una forma más similar a las películas americanas de mafias y hay, incluso, un cierto lío y confusión porque el erigido como profeta es demasiado ambicioso y está metido en demasiados caldos.Así que creo que se han exagerado de alguna forma las virtudes de “un profeta” o que ha recibido excesivos elogios.

Resulta que este año las películas triunfadoras en el cine español y en el cine galo han sido dos películas ambientadas en la cárcel. Pero así como Celda 211 va de menos a más, Un profeta sigue el itinerario opuesto. La peli de Monzón resulta más creíble a medida que avanza, mientras que la de Audiard va perdiendo credibilidad en su segunda parte.

No obstante, aunque no me ha entusiasmado, “Un profeta” me ha gustado, tengo que reconocerlo. Lo que más me interesa de ella es la “relación paterno-filial” que se crea entre Malik y César, una relación de abuso en toda regla, como la que muchos padres tienen con sus hijos. César es el jefe en la cárcel de Malik, pero también es casi como su padre, un padre déspota, dominante, egocéntrico e insoportable, pero un padre
Y otra idea original de Un profeta es la “visión”de Malik de su víctima, que le acompaña en toda su estancia en la penitenciaria. Estremecedora es la escena en la que el joven le dice a su aparecido: “Tápate eso tan feo”, refiriéndose a la herida en el cuello que le ha causado la muerte.

En fin, en mi opinión, Un profeta es una buena película, pero no el peliculón que algunos han pretendido hacernos creer. Y no sé quién ganará el Oscar a mejor película de habla no inglesa, pero creo que La cinta blanca tiene más números.

En tierra hostil, la desactivación de explosivos como droga

2010-03-04T01:00:00.003+01:00

Para el personaje principal de En tierra hostil, el sargento James, la desactivación de explosivos en la guerra de Irak es una droga. Lo que le hace un personaje muy peculiar, la verdad, y le convierte además en lo que se da en denominar entre los mandos militares un valiente. Realmente, se trata de alguien temerario, y no es de extrañar debido a su profesión. Y digo profesión, porque él se toma la guerra como una profesión arriesgada y hay profesiones de las que las personas se hacen adictos.

Y aunque se ha dicho que esta película es una película sobre la guerra, yo diría más bien que es una película centrada en el escenario de la guerra. Y en un cuerpo de élite. No creo que la mayoría de soldados estadounidenses en Irak hayan sufrido la tensión que tienen nuestros protagonistas.

Dejando estas pequeñas puntualizaciones de lado, En tierra hostil, o The hurt locker, que parece va a ser la gran triunfadora en los Oscars, posee grandes virtudes cinematográficas. Posiblemente, para empezar, es la mejor película americana basada en la guerra de Irak, superando a En el valle de Elah. Pero además nos introduce en un mundo, en una tierra, extraña, inhóspita, donde los soldados americanos de este cuerpo de desactivación de explosivos se juegan la vida a cada instante y son amenazados por múltiples ojos que acechan en cualquier ventana, por cualquiera que posea algo que pueda ser un detonador.
El suelo puede levantarse ardiendo, una bomba puede explotar debajo de un coche, o en un montón de basura, o un niño puede ser una bomba humana, puede haber terroristas suicidas que no lo son tanto, o si estás en medio del desierto puedes sufrir una encerrona que te cueste la vida.

El sargento James (Jeremy Renner) tiene madera de héroe, es un ser humano que no se plantea que se juega la vida en cada misión, y además sus métodos son directos, lo cual causa la extrañeza y la desaprobación, a veces, del resto del equipo. Pero su valor está fuera de toda duda.

The hurt locker es una película que te mantiene en constante nerviosismo, nunca sabes qué puede pasar. Eso es, desde luego, un logro, porque hace partícipe al espectador de la incertidumbre que sufren los soldados.

Todos, los artificieros, y el público de la sala, estamos en una tierra hostil, ese Irak que casi se convierte en un mundo apocalíptico donde lo importante es solo sobrevivir un día más, un instante más.

Escenas bélicas las hay buenas en el film, pero para mí la mejor es la de la emboscada en el desierto, ahí es dónde James se convierte en el líder del grupo enseñándole a Eldridge cómo se limpia la munición ensangrentada y dándole un zumo a Sanborn después de deshacerse de un enemigo. Todos nos quedamos como estos soldados, paralizados, y preguntándonos si habrá algún iraquí más entre las sombras de la arena desértica.

Decir también que cada vez que James se pone su traje galáctico se nos enfatiza la idea de encontrarnos en un mundo díficil y arriesgado, es un traje como de astronauta pero los adversarios no son extraterrestres sino iraquíes que parecen ropa tendida en una azotea, sábanas que se mueven peligrosamente, que se agitan en el viento.

Parece justificado que estos “valientes” tengan que recurrir al alcohol y los juegos casi autodestructivos en su tiempos de asueto. Porque cuando trabajan, no saben cuanto tiempo más pueden estar vivos.

Delitos y faltas, un maduro Allen

2010-02-28T08:57:00.003+01:00

El cartel de esta película es sumamente aclaratorio. En él podemos ver a Martín Landau (Judath) y a Woody Allen (Cliff) en la escena final, tomándose unas copas y contándose parte de sus penas. Y digo que es aclaratorio porque estos dos personajes son los protagonistas de la historia, ganador y perdedor juntos al final expresándose sus propias miserias con la excusa de dar una idea para un guión de una película.

La línea argumental de Delitos y Faltas se sustenta en las experiencias vitales de Judath y Cliff. El primero es un oftalmólogo de prestigio que ha tenido una amante de la que está harto y ante las amenazas de chantaje de ella decide quitársela de en medio, así, literalmente. Cliff, en cambio, está también harto de su matrimonio, y en general, de su vida, conoce a Halley (Mía Farrow) por la que siente un fuerte deseo pero no llega nunca a consumar nada con ella, entre otras cosas porque ésta prefiere enzarzarse con Lester, el triunfador cuñado de Cliff.

Mientras que Judath opta por el asesinato y encarga el trabajo a su hermano, Cliff espera a Halley, que se va a Londres a rodar, y cuando vuelve ya está liada con su peor enemigo, su prepotente y famoso cuñado Lester (Alan Alda)

En Delitos y Faltas Woody Allen se sirve de uno de sus mejores y más sólidos guiones para hablar de temas vitales como la religión, la moral y ante todo los sentimientos de culpa por nuestras malas acciones. Judath, que se debate en una lucha interna con esos sentimientos de culpa, al final decide librarse de ellos para ser feliz y seguir con su vida de prestigio y dinero. Cliff, que tiene mas claro lo que está bien y lo que está mal, es sin embargo un infeliz porque no consigue el amor de la mujer que quiere ni el éxito profesional –es un fracasado director de documentales- mientras que su cuñado Lester es un reconocido productor de comedias.

Como siempre, Allen intenta dejarnos un mensaje personal sobre los temas de los que habla, en este caso, la moral, y parece decirnos que aunque la sociedad te considere, aunque tú mismo te consideres, un perdedor, seguramente tu conciencia estará más tranquila que la de muchos ganadores que nunca sabremos lo que han dejado atrás para triunfar.

En resumen, Woody Allen nos deja una obra madura, muy alejada de sus primeras películas humorísticas, con esta reflexión moderna de un tema muy antiguo de la humanidad, el pecado, el delito, la falta.

Zelig, camaleónico y sobresaliente Woody Allen

2010-02-19T00:55:00.002+01:00

Sin palabras me he quedado después de ver Zelig, bueno, sólo una palabra: genial.

Hasta ahora pensaba que Annie Hall era lo mejor de este director, pero no, veo que no, y seguramente, conforme vaya avanzando el ciclo que estoy viendo de él, me llevaré más gratas sorpresas. De momento, hoy, me quedo con Zelig.

Excelente, brillante, original, divertida, irónica, inteligente, todos estos adjetivos son pocos para definir Zelig. Es, simplemente, una de las mejores películas que he visto. Así de claro, así de sencillo.

Algunos pueden pensar que exagero, pero yo creo que no. La propuesta del clarinetista, del judío, del neoyorquino, del genial Woody Allen, es atrevida e impactante, tanto visualmente como a través de un guión plagado de picardía. Allen simplemente habla de lo que quiere hablar, de sus temas preferidos, y encima lo hace con gracia, sin extenderse mucho en la duración, y dejándonos boquiabiertos, asombrados, admirados.

Esta historia inverosímil le sirve para crear un falso documental, al modo de lo que ya había hecho en Toma el dinero y corre, sobre un hombre curioso, un enfermo mental, que es capaz de transformarse en cualquier otra persona, por raro que parezca. Zelig igual es un indio, que un negro, que un gordo, que un médico, e igual está con el Papa Pío XI que con Hitler, con Chaplin, Al Capone, etc. Fabuloso punto de partida para una obra maestra.

Estamos en los años 20 en Estados Unidos, tiempos de depresión, tiempos de jazz, tiempos de gánsters, tiempos de personajes que saltan del anonimato a la fama. Y ahí es dónde aparece Zelig, un hombre camaleónico. Claro, el caso llama la atención de la opinión pública, de la ciencia, de la doctora Fletcher (Mía Farrow). Lo estudian, lo analizan, lo someten a terapias. Todo para descubrir que es un hombre que sólo quiere ser querido por sus semejantes y ser amado, amor que encuentra en esa doctora Fletcher.

Pero lo que podría ser únicamente una idea brillante para una película se convierte en algo más: en una comedia irónica, en una sátira de los documentales, en una crítica de un tiempo y de una sociedad que es a la vez una admiración y un deseo enorme de incrustarse en esa sociedad, un deseo de ser reconocido colectivamente y pasar de la individualidad a la masa. Allen critica también el poder de los medios de comunicación para encumbrar a alguien que sea una noticia por si mismo, como es Zelig. Y aún hay más, hay también una crítica de la ciencia, sobre todo de la sicología, de los siquiatras oportunistas que se suben al carro de lo atrayente de la personalidad de sus pacientes, y que cuentan, en documentales a las cadenas de televisión, esta u otra técnica, este u otro análisis, este u otra nuevo experimento. Es un homenaje a todos los que han estado sometidos al estudio siquiátrico.

Muchas de estas ideas las había esbozado Allen en sus películas anteriores, pero nunca con tanta maestría como en Zelig.

Zelig es también una vía para que Woody Allen exprese una ambición interior, la que logra al convertirse en un director famoso. El es una especie de Zelig que se ha integrado en la sociedad y que se ha hecho público, que ha sido objeto de portadas de prensa y que ha sido analizado por sus espectadores. Sí, también Zelig es un poco Allen, o Allen es también un poco Zellig.

Bueno, en definitva, en 1983 Woody se doctora en cine y cuenta, por fin, todo lo que ha querido contar, en Toma el dinero y corre, o en Recuerdos, o en Manhattan o en Annie Hall.

Recuerdos, Stardust memories, Woody Allen

2010-02-16T06:47:00.001+01:00

En 1980, Woody habla de sí mismo, de sus películas, de su trayectoria cinematográfica y de sus relaciones amorosas y hace una defensa del creador como tal, de cualquier disciplina, puesto en conexión con sus fans, que le acosan, le adulan, o le critican.
Stardust es una película rara en cuanto a su forma pero sencilla en lo que cuenta: es Allen hablando de Allen.

Si he de quedarme con alguna escena que me guste de Recuerdos, me quedo con la de Allen (Sandy, director de cine) preguntándole a unos extraterrestres cuál es su sentido en el mundo. “Tú, haz películas. Y nos gustan más las cómicas”, le dicen.
Parece que el director recurre a una voz superior, a un ente que tenga la posesión de la verdad abrumado por tantas opiniones que hay sobre su cine. “Éstos me darán la solución”, parece pensar Allen.

La peli empieza con Woody en el interior de un tren viejo con personas con rostros horribles o digamos poco agraciados, y en paralelo un tren con gente maja, mas divertida, con mujeres más bellas. Allen quiere bajarse y cambiar de tren, pero no puede, y termina con todos sus ocupantes en un basurero.

Luego, veremos a Sandy importunado por sus admiradores, por las Asociaciones contra el cáncer que le solicitan colaboración, por amigos de béisbol que le piden ayuda, por jóvenes que le dicen que sus películas son feas, o sea, con todo lo que rodea a un artista consagrado, con todo lo que tiene que pagar por ser famoso.

Y además Allen hablando de sus amores, de Dorrie (Charlotte Rampling) y de Isobel.

Se dice de Recuerdos que es un homenaje de Woody a Fellini, a su ocho y medio, lo cuál es probable dada la admiración del neoyorquino por los dioses europeos del séptimo arte, y también que es una reivindicación del rumbo que lleva su cine en 1980 tras su primera etapa de comedias y pasando por Annie Hall, obra puente entre su cine cómico y su cine más serio. Yo no entro a valorar estas opiniones, porque no soy un experto, y además porque no quiero, creo que se trata de contar Recuerdos como tal porque si algo quiere Woody Allen en esta película es que no se metan con sus decisiones personales respecto a sus proyectos.

El otro señor Klein, suplantación de identidad

2010-02-13T01:26:00.002+01:00

En 1976 Joseph Losey dirige Mr. Klein, producida por Alain Delon, que también la interpreta, obteniendo varios premios César, uno de ellos el de mejor película.

Tratando el tema de la suplantación de identidad, nos introduce en una historia oscura ambientada en la Francia de 1942, en una época en la que muchos judíos vendían sus obras de valor a bajo coste acuciados por la necesidad y ante el temor de ser deportados a los campos de concentración nazis.

Mr. Klein, Alain Delon, comercia con muchos judíos pagándoles poco dinero por sus cuadros u otros objetos y enriqueciéndose a su costa.

Y así comienza la película, con un Alain Delon guapo, elegante, frío, con una bata de estar por casa que denota su riqueza, con la amante en la cama esperándole, mientras él se niega a pagar 600 luises por un cuadro de un gentil hombre holandés que un judío le vende. Mr. Klein sólo le ofrece 300 ante la desesperación de ese hombre que lo heredó de sus abuelos. Al final la venta se hace por ese precio y el mismo Klein deja escribir el recibo al comprador. Cuando el judío se va de su casa, Klein encuentra en su puerta un periódico que no ha pedido y cree que es de su comprador, cosa que éste le niega enseñándole otro diario igual que lleva en la mano.

Es importante describir esta escena porque resulta ser la clave de la película. ¿Cómo ha llegado hasta Robert Klein ese periódico judío que él no ha solicitado? Nos encontramos ante la primera incógnita y ante la primera confusión de esta historia complicada y que se complica mucho más posteriormente

Mr. Klein descubre que otro Klein con otra dirección ha solicitado el periódico. Empezamos con la doble identidad

Alain Delon se pasa la película buscando a su otro yo (que es también buscado por la policía gala por sus actividades). Al principio la búsqueda es coherente, pausada, al final obsesiva, rayando en la locura.

Las tareas detectivescas de Robert Klein le llevarán a alquilar el piso que el otro Klein ha dejado, a buscar a una mujer que sale en una fotografía junto al impostor, a visitar un castillo dónde se encontrará con Jeanne Moreau, que también conoce a Klein, a recibir llamadas telefónicas, bueno, a confundirse con su alter ego, a creerse casi que él es el otro señor Klein

El abogado de Delon le consigue un pasaporte falso con otro nombre para darle una solución, una vía de salvación, pero para ese entonces Klein ya se confunde con el otro y se arrastra hasta el punto de terminar en el mismo tren de judíos deportados para encontrarse con su otro yo. Es entonces cuando vuelve a oír el regateo inicial de la película.

Mr. Klein se sacrifica hasta la muerte con tal de descubrir a su oponente. Quizá no hacía falta este desenlace para pagar sus “culpas”, su éxito económico a costa de los judíos, pero es como una condena que él mismo se impone sin ser totalmente consciente

Homenaje al pueblo judío y a la persecución de la que fue objeto, con El otro señor Klein Joseph Losey logra hacer una película desconcertante en su desarrollo y dramática en su final, con un acertado tratamiento sicológico del personaje principal, a lo que ayuda la gran interpretación de Alain Delon, siempre soberbio como Mr. Klein.

ANNIE HALL

2010-02-11T23:47:00.002+01:00

De las que he visto hasta ahora de Allen, me parece la mejor. En esta película de 1977 el director sí que conserva la frescura propia de sus primeros largometrajes y a la vez introduce un tratamiento más intimista de sus personajes, lo que dota a Annie Hall de un mayor empaque. El guión es fabuloso, premiado con el Oscar. Y los recursos cinematográficos son más originales. Allen empieza a experimentar formatos nuevos en cuanto a las escenas, me refiero a introducir conversaciones del protagonista Alvy con la gente de la calle haciéndoles partícipes de sus reflexiones o el hecho de hablar con el público en medio de un diálogo, como pidiendo una participación de los espectadores, técnicas que por cierto ha vuelto a emplear, por ej, en Si la cosa funciona. O también a mezclar los tiempos y los espacios retrocediendo a su antojo para mostrar su infancia o la vida de sus padres.
Resulta muy original, por ej, que el Alvy adulto se siente en el pupitre que ocupaba el Alvy niño y conteste a su profesora y también que en la cola del cine donde Alvy y Annie están soportando a un cinéfilo arrogante Allen se dirija al público diciéndonos que no aguanta más.

En Annie Hall nos encontramos con ideas que Allen repetirá en Manhattan, como es el tratamiento de las relaciones entre hombres y mujeres de un modo cómico y a la par dramático. En definitiva, se trata de no aburrir al espectador contando una relación de pareja, por lo que introduce constantemente gags o chistes de cosecha propia.

Alvy, cómico de profesión, conoce a Annie Hall (la guapísima e insuperable aquí Diane Keaton) en un partido de tenis y a partir de ahí iniciarán una relación llena de vicisitudes, de idas y vueltas, de descubrimientos personales, de conversaciones sobre sicoanalistas, novelas, la muerte, el sexo, etc, etc. Seremos testigos del comienzo, desarrollo y final de la relación y nos enamoraremos, como Alvy, de Annie Hall, de su forma de vestir, de su físico, de cómo canta, en fin, de todo.

Pero si Annie tiene protagonismo, también lo tiene Alvy, o sea, Woody Allen, que aquí hace una gran interpretación y resulta creíble en todo momento.

La historia terminará con la ruptura definitiva entre la pareja y con un mensaje de Allen acerca de las relaciones.

Y realmente no quiero decir mucho más sobre Annie Hall, porque lo mejor es verla para captar cientos de detalles que hacen del neoyorquino un director de culto.

Manhattan, de Woody Allen

2010-02-11T18:55:00.002+01:00

Desarrollada en el corazón de Nueva York en los ambientes, lugares, bares en los que se movía Allen por aquella época, 1979, Manhattan, en un perfecto blanco y negro, con música de Gershwin, nos deja en el aire la pregunta: ¿Esperarán Isaac y Tracy 6 meses?
Ambos buscan el amor verdadero, el amor que dure toda una vida, pero ella tiene que irse a Londres por medio año. ¿Se esperarán mutuamente? Diríamos que sí.

Woody Allen se desenvuelve de maravilla en el tema de las relaciones personales, de las relaciones de pareja. Y lo demuestra aquí contándonos una historia que puede parecer enrevesada, quizá en 1979 más que ahora, pero que es simple. Les cuento

Dos amigos, Isaac y Yale, con 2 relaciones en curso, que se enamoran de la misma mujer, Mary. Ella se decide por Yale y entonces Isaac se da cuenta de que su verdadero amor es Tracy, la joven con la que tenía una relación

En definitiva, varios personajes en busca del amor, 2 amigos, 2 mujeres.

Pero Manhattan da juego para más. Porque afronta temas importantes como el del adulterio, la amistad, las relaciones entre personas con diferencias importantes de edad, la educación de los hijos en una familia de mujeres lesbianas, la llamada clase intelectual y sus diversiones, etc. Todo envuelto por la magia que desprende la ciudad.

Es curioso que Tracy (Mariel Hemingway) sea la más joven y sin embargo mucho más madura que los otros 3 personajes de mayor edad, a los que da una lección de saber estar.

Mary (Diane Keaton) es en cambio una mujer insegura, llena de complejos, que alardea de su cultura, pero que no es capaz de encontrar un equilibrio en su vida y termina en los brazos de Yale, un hombre casado que engaña a su mujer.

Allen empieza a recurrir a temas clásicos en él, como la dependencia de los sicoanalistas, su obsesión por las mujeres jóvenes, los triángulos amorosos.

Personalmente, la escena que más me gusta de Manhattan es la del cine, cuando los dos hombres están sentados al lado de Mary, que está en medio de los dos, y los dos se miran mutuamente y se vigilan pensando que cada uno está tocando a la mujer. Las caras que ponen los tres son fantásticas. Escena corta, pero intensísima

Se dice que Manhattan es una de las más memorables películas de Allen y que en ella hay un cambio a la madurez respecto a sus primeras películas, como Toma el dinero y corre, por ej. Personalmente me divertí más con la segunda, quizá porque no soy un especialista en la técnica cinematográfica, sino más bien un espectador.

Que la fotografía en blanco y negro de Manhattan sea buenísima, que la música sea espectacular, que nos topemos con un Woody más maduro, me parece estupendo, pero yo prefiero la frescura de sus primeras películas.

También me gustaría decir que Manhattan me ha resultado muy parecida a Si la cosa funciona, Allen parece querer decir lo mismo en ambas: Si te va bien, adelante.

"De todo un poco", un libro de cómics que es como una comedia.

2010-02-08T19:32:00.004+01:00

Seguro que se podrían sacar muy buenos guiones para el cine del libro de cómics de José Antonio Bernal, humorista gráfico aragonés, que ha colaborado, por ejemplo, en el diario EQUIPO, y que actualmente, entre otras cosas, trabaja en El Jueves.

Estuve el otro día en la presentación de su libro "De todo un poco" y me divertí mucho, tanto por los presentadores como por la gracia que tiene Bernal al dirigirse al público, y más, si cuenta con la ayuda de algún asistente que le hace preguntas del tipo: "¿Has hecho algo serio alguna vez?"

Claro, me compré el libro en cuestión y me he reído muchísimo y lo digo en serio, y no sólo porque todo el mundo te dice que el "tío" es un gran dibujante.

Bernal se mete con todo cristo en plan humorístico, con los jugadores de fútbol que cobran millonadas, con los partidos políticos que se hunden y sacan un trozo de cabeza por encima del agua, con la Fórmula I, con el locutor de la fórmula I (es tremenda 1 de las viñetas en que sale en medio del matrimonio Alonso), con los periodistas oportunistas, con los de la Eurocopa, con el papel de España en la Eurocopa, bueno, con todo un poco.

Lo que les recomiendo es que hagan como yo y compren el cómic, su precio es barato y les garantizo un rato muy entretenido.

Yo, tan afortunado como los asistentes a la presentación que lo desearon, tuve la suerte de que me hiciese un dibujo (en el que por cierto salgo bastante gordo). Pero ya me dijo un amigo que no era yo. ¡Menos mal, ya había pensado que me estaba engordando de estar tanto tiempo en las butacas de un cine!

Million dollar baby, by Clint Eastwood

2010-02-07T20:04:00.001+01:00

Al principio he pensado que esta sería una película más de boxeo, pero, claro, ahora lo entiendo, Clint Eastwood no podía hacer algo tan simple. Y Million Dollar Baby no hubiera sido considerada la mejor película de 2004 por la Academia de las Artes americana.

La meteórica carrera de Maggie parece no tener límite. Gana a casi todas sus contrincantes en el primer asalto. Es una chica con una fe ciega, con una fuerza de voluntad descomunal, con una capacidad de trabajo ilimitada. Y esto es lo que le gusta a Frankie Dunn (Clint Eastwood), por eso, a regañadientes, terminará siendo su manager. Luego, la llamará “Mi amor” y estará siempre con ella, nunca la abandonará, hasta que ella quiera que la abandone, y aún así, pasará el resto de sus días en ese restaurante donde hacen ese estupendo pastel de limón que tanto les gusta a ambos.

Million Dollar Baby, como digo, no es una película más de boxeo, ni siquiera sé ya si es una peli de boxeo o más bien es una película que trata del amor y de la muerte, de la necesidad de adelantar la muerte cuando ya se ha conseguido todo en esta vida.

Me da tanta rabia lo que hace la Osa Azul. Y, sin embargo, con cuantas Osas Azules nos encontramos en nuestra vida hasta el punto de que hagan la tuya inútil, y hagan que la persona que más te quiere y que lo ha hecho todo por ti, también la vea inútil.
Nuestra creencia en Dios tampoco servirá en ese momento. ¿O sí? Porque quizá en ese momento Dios esté con nosotros y apoye nuestra decisión. Probablemente, es la idea que la iglesia se ha hecho de Dios la que no está con nosotros, pero Dios sí.

Cuestión veinte mil veces tratada, la de la eutanasia, la salida que da Eastwood en Million Dollar Baby parece gustarnos a todos, al menos, a mí.

“Iremos al campeonato en avión, volveremos en coche”.
Y si no se vuelve en coche, entonces simplemente mejor no volver.

Todo lo que usted siempre quiso saber sobre el sexo y nunca se atrevió a preguntar

2010-02-06T08:52:00.001+01:00

No, esto no es una guía informativa sobre sexualidad, más bien se trata de ridiculizar algunos tabús que siempre ha habido sobre el sexo.

Eso hace Woody Allen en esta película de título tan largo como acertado.

La divide en siete capítulos, que se convierten en sketches, sobre los afrodisíacos, la sodomía, los travestís, la frigidez, la perversión, los experimentos sobre sexualidad y la eyaculación.

Resumiendo un poco cada capítulo, en los afrodisíacos, Allen es un bufón que utiliza un bebedizo para conquistar a la reina, pero hubiera hecho mejor en ser más hábil para encontrar la llave de su cinturón de castidad. En sodomía, un médico de cabecera se enamora perdidamente de una oveja. Los travestís cuenta que a un hombre le gusta vestirse de mujer sin ser homosexual. En la frigidez, Woody tiene una mujer que sólo llega al orgasmo en público. La perversión es un concurso de TV en el que participan un señor que le gusta exhibirse en el metro y un fetichista. Los experimentos sobre sexualidad vienen de la mano de un doctor loco, Allen quiere ser su ayudante, destruye su laboratorio con la ayuda de una periodista, lo que hace que se escape una teta gigante que es “capturada” con un sujetador. Y en la eyaculación, el sketch más original, se nos muestra el interior del cuerpo humano en plena actividad sexual y antes del lanzamiento del esperma, más o menos.

Es una comedia alocada e irreverente abordando el tema del sexo, con detalles propios de este director, con cientos de detalles propios de este director, por ejemplo, que el médico sea descubierto por su mujer porque huele a chuletas de cordero o tiene restos de lana en la chaqueta o que un espermatozoide tenga miedo de hacer su trabajo porque “imagínate que no sea utilizado en la reproducción, sino en una masturbación y termine en el techo del coche”, que el marido travestí se vaya al baño de sus consuegros y se meta en un lío al disfrazarse de mujer, que la teta gigante corra por la campiña y Allen la capture utilizando un crucifijo y un sujetador, o que los encargados de conseguir la erección sean una especie de marineros remando cantando una canción.

En fin, es meterse en la cabeza de este genio que nos fabrica imágenes que nunca olvidamos.

Toma el dinero y corre, Take the money and run, golpes geniales

2010-02-05T00:28:00.002+01:00

¿A quién se le ocurriría robar un banco poniéndole una nota al bancario en la que no se entiende si pone revólver o recólver? ¿ y a quien se le ocurría además discutirlo con ese operario? y ¿a quien se le ocurriría consultarlo con el director del banco y con su secretaria y con todos los empleados? No podía ser a otro que a él, a Woody Allen.

Su primera película, Toma el dinero y corre, Take the Money and run, es así. El lo hace todo, o casi todo, director, guionista y actor y, ya saben, te ríes sólo con verle.

Mi padre y los hombres de su generación dirían que esta peli es una “sosada”. Pero, chicos, ¡que sosada!, literalmente te partes.

Virgil Starkwell, que así se llama su personaje, es un ladrón de poca monta, ¿qué digo de poca monta? es un ladrón incompetente, nefasto. Ya lo dicen sus padres cuando son entrevistados: Es un gamberro, intentamos enseñarle a creer en Dios, pero nada…Por cierto, sus padres aparecen disfrazados con una careta con bigote y gafas, porque “no pueden soportar la vergüenza de tener un hijo así”

Virgil tuvo una infancia difícil, los demás chicos le rompían las gafas y cuando la poli iba a ayudarle, también le rompía las gafas.

Se enamora de una lavandera, Louise, y cuando van a cenar por primera vez le dice que su sombrero le suena, que lo lleva todo el mundo, que está de oferta en las rebajas.

A los seis años empieza a tocar el violonchelo, según su sicólogo porque simboliza a su madre y a un falo, y su profesor de música dice, en otra entrevista, que no entendía el instrumento, que tocaba horrible, pero a pesar de ello tenía una gran afición.

Virgil intenta salir de la cárcel simulando que lleva una pistola fabricada con jabón y chocolate. Claro, al fugarse, no se fija en que llueve y la pistola se le derrite delante de los policías. También intenta salir ofreciéndose como voluntario para una vacuna, a cambio de la libertad condicional, y entonces se convierte en un rabino.

Bueno, los gags son desternillantes y aunque la peli es de 1969 siguen conservando una originalidad extrema, sin duda se adelantan a su tiempo.

Cima del absurdo, Toma el dinero y corre adopta la forma de falso documental imitando a películas anteriores sobre criminales famosos y entrevistando a las personas que conocieron a Virgil, ese ladrón que no está en la lista de los 10 delincuentes más buscados. Es una ácida crítica contra las películas serias de gánsters y contra el duro sistema judicial americano.

Bueno, como ya he “chafado” algunos sketches, no cuento mucho más. Sólo era para que se hagan una idea de lo que se van a encontrar. Si quieren reírse a carcajadas vean Take the Money and run, Woody Allen de joven perdedor y sin embargo siempre esperanzado y luchando por sacar a su familia adelante, a pesar de ese vicio tan feo que tiene: el de robar.

Invictus, Mandela une a Sudáfrica con el rugby

2010-02-03T23:06:00.001+01:00

Clint Eastwood aborda un acontecimiento deportivo histórico en la película Invictus: el Campeonato del Mundo de Rugby celebrado en Sudáfrica en 1995. Y se centra sobre todo en la final Sudáfrica-Nueva Zelanda, o lo que es lo mismo, Springbok contra All blacks.

Mandela llega a la presidencia en 1994 y consciente de lo que representa el equipo de rugby nacional, los Springbok, que tradicionalmente habían sido apoyados por la población dominadora blanca y rechazados por los negros, se propone ganar ese campeonato para unir a todo el pueblo en torno al equipo y formar un sentimiento nacional de país. Y lo consigue.

Este hombre que estuvo veintitantos años preso por luchar en contra del apartheid en Sudáfrica, que llegó a Presidente y que es considerado como uno de los mejores políticos del siglo XX obró el milagro de evitar una guerra civil a través del rugby

Apoyándose en este partido, que se ha considerado incluso como el nacimiento de una nación y el final del apartheid, Eastwood firma una historia emotiva y trascendente.

Morgan Freeman es Mandela y Matt Damon interpreta al capitán de los Springbok, Francois Pienaar. Ambos son personajes fundamentales. De hecho, la foto de Mandela y Pienaar recogiendo el trofeo dio la vuelta al mundo.

Interpretar a un hombre de la talla de Mandela es difícil, Freeman lo hace con solvencia, pero a menudo en el desarrollo de la película te imaginas al verdadero Nelson en esas vicisitudes. No ocurre lo mismo con Damon, ya que Pienaar es menos conocido y el parecido entre ellos es mayor, a mi modo de ver.

El presidente es un hombre con mucho carisma, con una especie de magia y eso se transmite, y lo transmite al capitán, citándole en su despacho y contagiándole el mismo espíritu de nación que él tiene y la idea de que negros y blancos deben vivir en paz en Sudáfrica.

Apartado especial tienen también los hombres de seguridad de Mandela, cuerpo formado por negros y blancos que terminan llevándose bien y celebrando la victoria.

Pocas veces, en fin, una historia real es tan perfecta y acaba tan bien que no es necesario inventar mucho más al plasmarla en el cine.

Avatar: disfrutar en el cine

2010-01-31T22:44:00.001+01:00

Hablar de Avatar a estas alturas es tarea difícil con todo lo que se ha hablado de esta película. Se ha dicho de todo, que es buenísima, la mejor del año y de mucho tiempo a esta parte, pero también se ha dicho que sus valores creativos se reducen a los efectos especiales y poco más.

Bueno, yo como estoy en mi blog y tengo libertad de expresión, diré lo que pienso.
Si el cine es espectáculo, o un espectáculo, Avatar es, probablemente, el mejor espectáculo del año.

Entonces habría que discutir qué es el cine. Y no nos pondríamos de acuerdo.
El séptimo arte es eso, un arte, y en el arte hay una cosa que influye de manera decisiva, que son los gustos de quien lo aprecia. A unos les gusta Picasso, a otros Dalí, a otros Velázquez, y a otros les gustan otros pintores, pero todos son artistas. Así que el cine, compendio de muchas artes (música, fotografía, escritura, etc) también está sometido al gusto del espectador. Y al espectador le ha gustado esta película. Digamos que Goya es incontestable como artista, y hay gente que no le gusta su pintura. Con Avatar sucede lo mismo, es una gran película y sin embargo tendrá sus detractores. Habrá gente que valore más el guión y otra que valore más otras cosas. En mi opinión, Avatar es buena en muchas cosas, y no es mala en el guión.

Independientemente del marketing que hay detrás de Avatar, el caso es que vas al cine, te pones tus gafas de 3D y pasas un rato espléndido. Porque las imágenes te llegan, te metes dentro de la historia y crees estar en Pandora volando con los protagonistas en uno de esos pájaros que utilizan los na´vi.
Luego, que si es ecologista, que si es una estrategia de Obama para lavar la imagen bélica de USA, que si se parece a Bailando con Lobos (para mí si), puede ser más o menos importante, pero ya nadie te quitará el buen rato que has pasado.

Siguiendo la línea de lo que dije con Nine, hay que ir a disfrutar al cine, y con Avatar disfrutas y de lo lindo. Después alguien se ocupará de hacerte ver todos sus defectos, pero yo me pregunto que gran película no ha sido criticada.

Que Avatar sea una de las pelis más taquilleras de la historia, como Titanic, también de James Cameron, y que haya recibido ya unos cuantos globos de oro y unos cuantos premios, dice mucho a su favor. Pero conseguir la unanimidad hoy en día es casi imposible

El sirviente, de criado a amo.

2010-01-30T01:19:00.002+01:00

Punto culminante de la obra de Losey, El sirviente es una magnífica película con muchísimos contenidos.

Lo primero que recalcaría es que es la historia de dos hombres que ocupan distintas posiciones y que esas posiciones van cambiando y terminan de distinta forma de como son al principio. Esto no parece gran cosa, sino fuera por el hecho de que su relación es al principio profesional, uno es el amo y otro el criado, y después pasa a ser personal y de dominación, el jefe se convierte en siervo y el sirviente en su amo.

Sobre la otra apreciación que haría en cuanto al contenido se ha hablado mucho. Y es la de la lucha de clases que representa esta película. Cierto, pero con cautelas. Porque no es el contenido más aparente, sino lo que subyace. La aristocracia está en peligro, se toma demasiados brandys, va a demasiadas fiestas, tiene muchos proyectos en la jungla de Brasil que no se inician, mientras que la clase media viste muy bien, es elegante, tiene modales exquisitos, gran gusto por la decoración y es más emprendora, hace la compra, decora la casa y sabe cocinar. La aristocracia se representa en ”El sirviente” por medio del amo, Tony, un joven atractivo, pero un poco blando y vago, la clase media – o pobre-, en definitiva la clase inferior, se representa por medio del sirviente Hugo Barrett, un inmenso Dirk Bogarde.

Barrett, el sirviente, llega a la casa del amo, Tony, que está durmiendo, porque “ha bebido demasiadas cervezas” la noche anterior. La casa está deshecha.
Y Hugo la construye, crea su atmósfera, la decora a su gusto y es la primera forma de empezar a dominar a Tony.

Tony tiene novia, Susan, también de la aristocracia, y Susan no traga a Barrett, porque se da cuenta de que está ocupando una posición muy peligrosa al vivir todo el día con su novio. En todo momento, Susan advierte a Tony del peligro del sirviente.

Pero al amo le va bien tener un criado que le organiza todo. Y acepta que la hermana de éste, Vera (Sarah Miles) venga para echarles una mano. Lo que no imagina es que terminará acostándose con ella, y que no es la hermana de Barrett, sino una amiga íntima, por llamarlo de alguna manera. Sin darse cuenta, Tony está cayendo en las garras de Hugo, éste le está dominando sexualmente a través de su “hermana”, le obtiene el placer, le deja contento, le da un caramelo dulce que el amo chupa, y lo introduce en su mundo, lo iguala a él. No es más que el primer paso. Después, todo va deprisa. Tony, la aristocracia, sigue bebiendo demasiado y cae en la trampa del parásito que es Barrett

Por no contar mucho más, en la fase final de la película, Tony y Barrett comparten mesa, comparten jueguecitos (Hugo le llama gatito), y comparten fiestas con mujeres. Pero eso no es todo, hay un momento en que Hugo ordena a Tony que le sirva un whisky y la misma Susan termina abrazándose a Barrett. La conversión se ha realizado. La subida al poder de Hugo es ya un hecho.

También hay que alabar al director Losey por la gran elección que hace de los actores principales, su físico es más que adecuado.

Funny Games, Haneke.

2010-01-28T21:22:00.002+01:00

El otro día un amigo no pudo resistir Funny Games. Realmente yo también lo pase mal viéndola.

No obstante, se adivina cuando te encuentras ante una gran película, una película que te marcara, aunque sea por sus escenas de violencia sicológica. La mirada de uno de los protagonistas, el sádico joven golfista que entra en la casa de un matrimonio que va a pasar sus vacaciones junto al lago, no se olvida. Incluso ese malvado personaje se permite la osadía de preguntar al espectador qué opinamos de sus actos.

La cosa huele mal cuando el compinche se empeña en que la mujer de la casa le de los huevos que supuestamente le solicita la vecina, bueno, pinta mal ya cuando aparentemente sin querer le tira el móvil a la fregadera. La mujer empieza a mosquearse. Qué niñato tan raro, debe pensar. Pobre señora, encima su marido está pescando en el lago con su hijo.

Después todo se desencadena rápidamente, matan al perro con un palo de golf, se apropian de la casa, intimidan a la mujer y cuando el esposo regresa, le golpean también a él con el palo.

Estos tíos son unos macarras, pero unos macarras de aspecto elegante, vestidos como visten los jugadores de golf, más bien parecen unos pijos, sí, unos hijos de papá. Y hasta el líder del dúo tiene una cara inocente. Luego, confiesan a sus apresados que se drogan, que siempre se han drogado, que están mal de la cabeza, lo cuál, lógicamente, atemoriza más a las víctimas.

Con enormes similitudes con La naranja mecánica de Stanley Kubric y también con Perros de paja de Peckimpack, Haneke se separa de ellos en la aparente calma con que sucede todo.

En la ciudad sin límites, ciencia ficción sugerida

2010-01-25T21:21:00.003+01:00

En un momento, crees que están capturados en París todos, todos los personajes, y sobre todo Max y Víctor. Conseguido a propósito o no, este espejismo dota de poder a la película.

Al final, sientes que no era necesario que el director te hiciera creer que la historia se convertiría en una de ciencia ficción, pero sí, era necesario, para darle más fuerza. Porque lo que cuenta es una historia de amor que ha sido innumerables veces contada.

No es un esfuerzo en vano el de Antonio Hernández: el film es bueno, hubiera sido igualmente bueno sin ese espejismo, pero con él es mejor.

Quizá no entiendan nada de lo que digo si no han visto En la ciudad sin límites, y quizá tampoco lo entiendan si la vieron y no sufrieron esa ilusión porque son ustedes demasiado realistas y en ningún momento creyeron en los delirios de Max. Yo sí los creí por un momento y creí en su locura de que lo tenían encerrado en París, que le vigilaban las cámaras, que la fuente dónde esperaba a Rancel había sido cambiada y que su mujer era casi una extraterrestre de la facción conservadora

Si todavía no entienden nada, les contaré un poco el argumento.

Max es un hombre viejo aquejado de un tumor y toda su familia va a verle al hospital, incluso su hijo Víctor. Éste viene con su novia argentina a París para ver a su padre, un importante hombre de negocios. Los demás hermanos, con sus cosas, con sus familias, parece que luchan por la herencia familiar.

Víctor descubre que su padre no se toma la medicación y empieza a sentirse intrigado. Max le habla de que no le dejan salir de allí, de la ciudad, de esa ciudad sin límites que sólo existe en su imaginación. Víctor le cree y hará todo lo posible para ayudar a su padre, confiando en él, y así llegará al verdadero descubrimiento de un pasado clandestino y de una relación prohibida, de una traición de su madre hacia su padre y de la existencia de una familia basada en un engaño, porque Max siempre ha deseado no haber abandonado en la estación a Rancel.

La cinta blanca, de Haneke

2010-01-25T05:49:00.002+01:00

Me encanta Haneke en esta película.

Más moderado que en Funny Games, el director alemán da una lección a la hora de retratar lo cotidiano de un pueblo alemán en el que comienzan a pasar cosas raras.

La voz que nos cuenta la historia es la de un hombre mayor, el profesor del pueblo, que entonces era un joven que empezaba a enamorarse de la niñera del hijo del barón.

Todo comienza con el accidente del Doctor al tropezar con un cable colocado intencionadamente a las puertas del jardín de su casa. Continuará con la muerte de una trabajadora del barón. Luego, habrá más, como por ejemplo, la agresión al hijo de la comadrona.

El profesor, y todos, se preguntan, nos preguntamos, qué está pasando. Y Haneke no nos lo dirá, ni siquiera al final, al menos directamente, dejará que nos afirmemos en nuestra opinión pero no hay una certeza absoluta. Seguramente tendrá razón el profesor en sus apreciaciones finales.

En La cinta blanca se nos contrapone siempre la utilización de la violencia sicológica –como la del Pastor con sus hijos- e incluso física –las agresiones-, con una bella y clara moral y forma de ser, que es la que representa el profesor. ¿En qué se parecen el Pastor y el Profesor? En nada. Fíjense en la diferente manera que tienen de afrontar la educación de los hijos del Pastor.

Haneke ha dicho que la película trata sobre "el origen de todo tipo de terrorismo, sea de naturaleza política o religiosa”. Y es cierto, la política vendría reflejada por la forma de las relaciones de trabajo del barón con sus empleados, la religiosa, del Pastor con sus hijos.

Pero también se refleja el terrorismo afectivo, el Doctor trata de una manera vejatoria a la comadrona. Claro es cuando le dice: ¿por qué no te mueres?

Los hijos del pastor representan el nacimiento del terrorismo. Los maltratados se convierten en maltratadores. Y la cinta blanca que según su padre representa que antes eran puros se queda muy lejos, perdida definitivamente en algún momento de sus infancias.

Nine no, ten

2010-01-24T19:17:00.003+01:00

A mí sí me ha gustado Nine, y no le daría un 9, le daría un 10, porque, si nos abstraemos de la realidad de que es un musical con un elenco de actores oscarizados y famosos al máximo, es puro espectáculo y siempre se ha dicho que el cine es espectáculo ante todo.

He oído que esta película es como un anuncio de Freixenet y pregunto yo: ¿acaso los anuncios de Freixenet son feos?

Recordaremos mucho tiempo el “Be italian” de Fergie, el “Folies Bergere” de Judi Dench o el “Cinema italiano” de Kate Hudson, ésta última (al menos a mi) me mueve el cuerpo en la sala de cine

Chicos del spot de Martini con sus gafas y corbatas negras rodean a mujeres bellísimas como Kate Hudson. Pero hay más, está Penélope erizándonos el pelo casi al principio con “A call from the Vaticane” está la Mamma Sophia Loren, está Nicole Kidman en “Unusual Way” y está, como no citarla, Fergie en “Be italian” que algunos afirman que es lo mejor de la película, ( yo digo que aunque ella no estuviera esta sería una gran película) . Y aún hay más, Marion Cotillard “quejándose” de que su marido makes movies y la deja sola demasiado tiempo.

Y no critico a Daniel Day-Lewis porque le haya "robado", entre comillas, a nuestro Javier Bardem el papel protagonista, el de Guido Contini, el genial director italiano metido en demasiados líos de faldas que, no obstante, no le impiden imaginar, ya que no escribe el guión de su musical hasta dentro de dos años, una bellísima y hasta apabullante obra de arte.

Señores, les aconsejo que hagan como que no conocen a ninguna de las estrellas y vayan a ver Nine pensando que van a ver un mayúsculo espectáculo

La gran noche, un Losey bondadoso

2010-01-23T15:17:00.003+01:00

El director de cine Joseph Losey, uno de los perseguidos por la llamada caza de brujas americana, nos deja en 1.951 con un buen sabor de boca con La gran noche después de hacernos estar algo angustiados durante unos cuantos minutos.

Todo empieza cuando a un joven le están golpeando unos colegas, y él no se defiende
Le dicen: ¡A tu edad y aún no le has dado un beso a una chica!.. Y le golpean.

El llega al bar de su padre. Es su cumpleaños. Tendría que estar contento y sin embargo no lo está. Y todavía lo está menos cuando en el local irrumpe un siniestro personaje acompañado de un par de matones. El hombre también golpeará a su padre, que, a pesar de haber sido boxeador, no se defiende. Le golpean, le golpean…

Este joven, interpretado por John Barrymore Jr, un actor con un rostro mucho más que expresivo, inicia el viaje de la venganza de su padre, sin saber bien cuál puede ser el desenlace, qué le esperará, a quien tendrá que pisar o por quien tendrá que ser pisado.

Se adivina un final mucho más amargo, pero la vida es dulce con los que son buenos.

La película navega por aguas turbulentas, camina por clubs nocturnos al lado de gente que bebe demasiado alcohol, por espectáculos de apuestas tales como el boxeo, haciendo frente a timadores de reventa, y ante, todo, con una imagen grabada en la retina del joven protagonista, la de su padre apaleado por un señor malo con un bastón.

Pero el final es dulce, porque el chico es bueno y sólo ha querido limpiar el honor de su progenitor: no hay muerte, sólo heridas. Y el padre, que le había sorprendido con una tarta de cumpleaños antes de la paliza, le ha querido siempre y es también un buen hombre.

Desarrollo conflictivo, final feliz.

Mal día para pescar, el gran príncipe Orsini

2010-01-21T05:22:00.005+01:00

Gary Piquer nos regala una fabulosa interpretación poniéndose en la piel del representante de un campeón de lucha libre de la Europa del este venido a menos.
Ambos, Piquer (Príncipe Orsini) y su representado, Jacob, viajan por Latinoamérica, organizando desafíos con los lugareños, concretamente, un desafío: que nadie le aguanta al excampeón 3 minutos en un ring, y ofrecen 1000 dólares a quien sea capaz de hacerlo.

Así las cosas, una joven, Adriana, ve la oportunidad en el dinero que ofrece Orsini para que su novio, un hombre joven tan fuerte como un toro que puede destrozar a Jacob, se enfrente a éste.

Película con argumento inusual en los tiempos que corren y con nacionalidad uruguaya, digamos que no tendría demasiados números para triunfar. Y, sin embargo, participó en la Semana de la crítica en Cannes y está seleccionada por la Academia de Cine de Uruguay para competir al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

Y, personalmente, diría que tiene chance. Y, ¿por qué? Pues porque es buena, así de sencillo.

Lo mejor, a mi modo de ver, es el planteamiento, en el sentido de que al espectador se le hace pensar que el gran excampeón del mundo, Jacob, está acabado. Orsini le hace tomar una pastilla –de no se sabe que- por las mañanas, bebe demasiado y es algo extravagante, exhibiendo su fortaleza física en las fuentes de los pueblos que visitan.
Su elasticidad ya no es lo que era.

Por eso Adriana piensa que su novio podrá enfrentarse a él, y así obtendrán el dinero que necesita para casarse.

Pero, amigos, es mal día para pescar, mal día para pescar.

Celda 211, inolvidable Mala Madre

2009-11-09T20:25:00.004+01:00

Luis Tosar resulta creíble en toda la película en el papel de Mala Madre, lo elevamos a la categoría de héroe.
El chaval, el funcionario que al principio parece un unisersitario, crece y se comporta dignamente al lado de Mala Madre como el amigo que está ahí hasta el final.
Y Carlos Bardem nos regala una interpretación maravillosa de un traidor, villano entre los villanos, astuto, serpiente y que bien podría valerle algún premio.

Celda 211 es una gran película, y para mí su mayor virtud es la de hacernos partícipes de la transformación de una persona normal en un hombre que es capaz de matar para sobrevivir y que se ve envuelto en un motín carcelario. "Tú no has roto un plato en tu vida" le dice Mala Madre, el recluso cabecilla (Luis Tosar) a este chico. Pero este chico al final de la película es un preso más amotinado, violento, y exigiendo dignidad para las prisiones españolas. Sin duda, la noticia de lo ocurrido a su mujer embarazada le lanza al odio hacia quienes por negligencia le han encerrado ahí.

La historia tiene gancho y va de menos a más. Hasta Antonio Resines avanza como todos y resulta sumamente veraz haciendo de policía al que le gusta dar caña.

Y el personajillo negociador que termina dando su versión de los hechos no tiene desperdicio.

Es una película dura, que nos deja mal cuerpo, pero muy realista, afrontando un problema que tenemos toda la sociedad, pero al que hacemos la vista gorda porque no nos toca de cerca. Lo que pasa es que a este chaval le toca.

El secreto de sus ojos, firme apuesta de Argentina para los Goya

2009-11-02T21:42:00.003+01:00

Un caso policial marca los 25 últimos años de la vida de un hombre. Se trata de Benjamín Esposito, un funcionario de un juzgado penal argentino que ha trabajado de cerca en la causa Morales y que se involucrará en ella personalmente hasta límites peligrosos.
Cuenta con la ayuda de su amigo y compañero de trabajo, Sandoval y de su jefa, Irene, de la que está enamorado.

Nos vamos cambiando de tiempo.

Primero estamos en 1974, fecha en la que tiene lugar el asesinato y violación de una hermosa mujer recién casada. Espósito participa por su trabajo en las diligencias del crimen, pero es archivado y aún así él seguirá investigando, porque ha conocido a Morales, el marido de la joven violada y siente una gran pena por él conmovido por su gran amor.
El asesinato marcará la vida de estos dos hombres, ambos saben quién es el asesino, pero éste está protegido por el sistema penal argentino que lo utiliza en labores policiales
Espósito y Sandoval han emprendido una búsqueda de este violador siendo capaces de ir a un campo de fútbol para detenerle, y, sin embargo, es un hombre que está libre dado el amparo que el entramado judicial le brinda.

Después, en la actualidad, cuando Espósito ya se ha jubilado, decide escribir una novela sobre este turbio asunto, y eso le llevará a recomponer algunos eslabones de la cadena, sobre todo, después de visitar a un retirado Morales en una finca rural. Allí descubrirá el terrible desenlace del episodio que ha marcado su vida desde hace tanto tiempo.

La película nos adentra en el mundo de los juzgados, de los “doctores” o jueces, de los empleados penales de menor nivel, de las rencillas o distintos criterios que utilizan uno u otro auxiliares de la justicia.

También se habla de la amistad, como la que existe entre Sandoval y Benjamín, de cómo este último le recoge cuando el primero se emborracha y lo disculpa ante su mujer.

Y el amor es el plato fuerte. Benjamín ama a su jefa, Irene, pero parece que no es correspondido. Es un amor complicado, latente, pero no manifestado por parte de ella.

Con el paso de los años, el asunto Morales volverá a unirlos al evocarles momentos de una vida en común, en el aspecto profesional, pero también en el emotivo.

Gran película del cine argentino, basada en una novela de Eduardo Sacheri, con unos actores a un excelente nivel, estupendo Ricardo Darín, con una trama de gran interés y con un final impactante y que además te hace pensar en temas de más amplio calado social, como el funcionamiento del aparato judicial, la conveniencia o no de la pena de muerte, el cumplimiento de las condenas o el deseo que tienen muchos ciudadanos de tomarse la justicia por su cuenta.

Si la cosa funciona, o, la vida según Woody Allen

2009-11-01T20:42:00.003+01:00

Después de una floja Vicky Cristina Barcelona, el genio de las gafas vuelve a meternos en sus obsesiones: el sexo, la atracción por las jovencitas, el ensalzamiento del “vivir el momento”, etc.

El actor Larry David es su alter ego en la pantalla y habla directamente al público de la sala delante de sus amigos para explicarnos su historia, la de un señor maduro que odia al ser humano porque considera que todos somos idiotas, aburridos, y con bajo coeficiente intelectual, a diferencia de él mismo, claro, que se considera un genio. Y eso es lo que le dice este hombre (Boris Yelnikoff se llama) a una joven que se encuentra en las puertas de su casa pidiéndole algo para comer, Melody. La acoge, la deja vivir en su casa y a pesar de dejarle claro que lo suyo es imposible porque la considera una paleta del sur, termina casándose con ella.

Posteriormente, cuando los padres de Melody vayan a Nueva York buscando, por distintos motivos, a su hija, todos cambiarán. Melody conocerá a un joven apuesto y dejará a Boris, su madre descubrirá que es una gran fotógrafa y vivirá un menage a trois, y su padre se dará cuenta de que siempre ha sido homosexual. El propio Boris, después de su segundo intento de suicidio, caerá encima de una vidente con la que también iniciará una relación. Todos juntos celebran el año nuevo, es decir, “un día más que les acerca a la tumba” y que según Yelnikoff no habría que celebrar.

“Si la cosa funciona, hay que aprovechar ese momento”, ese es el mensaje que parece querernos transmitir Allen, en poco más de hora y media.

Nos encontramos con el genio judío de las películas que le hicieron famoso y sus incondicionales estarán contentos. Los que no lo aguantan, no creo que la soporten mucho.

Personalmente, creo que es una lograda comedia, con diálogos inteligentes que arrancan nuestra media sonrisa en vez de la carcajada y con recursos que todavía hoy siguen teniendo su gancho, como el protagonista charlando con nosotros nada más llegar al cine.

Rebecca, la R omnipresente y la siniestra ama de llaves

2009-11-01T11:11:00.002+01:00

R en los pañuelos, R en las sábanas, R en las mantas, R en la memoria del ama de llaves, R en todas partes.

Sí, la R de Rebecca está en todo momento presente en esta inolvidable película de Alfred Hitchcock

Cuando era un niño, al verla por primera vez, me impresionó. Y hoy todavía sigue impresionándome.

Es admirable la capacidad de este director para hacer que el personaje principal de la historia sea alguien a quien no vemos físicamente pero que está siempre en nuestra mente, igual que en la de la nueva Señora de Winter.

Joan Fontaine es una joven que se enamora de un aristócrata en Montecarlo, Maxim de Winter (Laurence Olivier). Y lo encuentra en un acantilado en actitud de arrojarse por él. A partir de ahí, inician una relación, un amor, que les durará hasta el final de la cinta.

Esta chica trabaja para una señora como acompañante pagada, una señora insoportable, que siente envidia de ella porque conquista al conocido e importante Sr. de Winter.

La primera parte de la película es el enamoramiento entre Joan Fontaine y Laurence Olivier en el sur de Francia. Deciden casarse en secreto allí e ir a vivir a la mansión de Winter, llamada Manderley, situada junto al mar, en Inglaterra.

El recibimiento en su nuevo hogar es impresionante, todo el servicio reunido. Y, ¡como no! la siniestra ama de llaves presidiéndolo todo.

Poco a poco, la joven esposa se da cuenta de que todo en la casa está conservado como si la antigua señora no hubiera muerto y se siente allí como criada en vez de cómo dueña de la mansión. Nosotros sabemos porque ocurre eso, por la Señora Danvers, o sea, el ama de llaves, que se empeña en mantener vivo el recuerdo de Rebecca, a la que adoraba.

Estamos deseando en todo momento que la chica se rebele e imponga su autoridad sobre la sirvienta, pero no lo hace. Ella se siente de una clase inferior, perdida en un mundo que no es el suyo y su marido tampoco contribuye demasiado a ayudarla.

La R de Rebecca, la antigua mujer, gana la partida en todo momento con la colaboración de la Señora Danvers.

Pero, ¿qué pasó en realidad con Rebecca? Se ahogó, esa es la versión oficial.
Luego descubriremos que eso no es verdad, que “el ser más maravilloso de la tierra”, como la llamaban, era en realidad un ser cruel insensible al amor, que engañaba a su marido con un presunto primo y que padecía un cáncer que iba a acabar con ella en unos meses.

Para enterarnos de todo esto, serán precisas unas cuentas escenas dramáticas y casi de terror, e incluso una investigación policial.
Cuando todo se ha sabido por fin, los amantes vuelven a Manderley, pero la Señora Danvers lo incendia porque no puede soportar que su Rebecca haya perdido la batalla y los nuevos casados vayan a vivir felices en el lugar donde la antigua señora reinaba a sus anchas y la sirvienta le peinaba con sumo gusto el abundante cabello.

Pero hay más, Rebecca no se suicidó, como podría pensarse, por padecer un cáncer, sino que intentó que Maxim la asesinara diciéndole que esperaba un hijo de su primo. Ocurrió un accidente, Rebecca se golpeó con unos herrajes y el Sr. de Winter metió su cadáver en el barco para hacer creer que se había ahogado.

Todo esto Maxim se lo cuenta a su nueva mujer el día que aparece el barco hundido con el verdadero cuerpo de Rebecca y a partir de ahí el amor entre ellos crecerá todavía más y afrontaran juntos la investigación policial que saca a la luz toda la verdad.

En suma, una enrevesada historia que nos mantiene en vilo toda la película, pero también muy pendientes de su desarrollo.

Hitchcock da muestras ya de ser un maestro del suspense y su forma de contar las cosas es única y muy personal.

Yo estaba deseando en todo momento que Joan Fontaine le diese dos bofetadas a la maldita y misteriosa ama de la casa, pero, claro, si hubiese ocurrido eso, ésta no sería una incontestable obra maestra.

Rojo y Negro, de Carlos Arévalo

2009-10-31T20:37:00.002+01:00

Rojo y negro es una película española dirigida por Carlos Arévalo en 1942, poco tiempo después de la Guerra Civil española. En ella intervienen Conchita Montenegro (Luisa) y un muy joven Ismael Merlo (Miguel).

Luisa y Miguel son novios desde pequeños, en tiempos de la República española. Pocos años más tarde, Luisa se incorpora a la Falange, mientras que Miguel se convierte en un miliciano republicano. A pesar de ello, siguen viéndose y manteniendo su relación.

Cuando estalla la Guerra Civil, Luisa intentará cobijar en su casa a un compañero de la Falange y con el fin de comprobar si otro falangista ha sido detenido por los republicanos se arriesgará a entrar en la Checa del Convento de las Adoratrices, en Madrid, haciéndose pasar por la novia de un hombre de izquierda. No obstante, el encargado de la Checa sospecha de ella y la hace seguir hasta su casa. Allí registrarán su domicilio y encontrándole una cuota de afiliación a la Falange será detenida y encarcelada.

Posteriormente, Miguel se entera de que Luisa ha sido detenida y acudirá en su auxilio, llegando demasiado tarde, puesto que ya ha se la han llevado para fusilarla. La encontrará muerta y ante la rabia que eso le causa disparará contra unos milicianos que le acribillan a balazos y acaban con su vida.

Más o menos, este es el resumen de Rojo y Negro.

En esta película, de la que se ha dicho que es un intento frustrado de un cine falangista, creo que lo de menos es la historia de amor entre Luisa y Miguel, sino que lo que prevalece es el tinte político. Los republicanos aparecen quemando iglesias, matando, robando bandejas y objetos de valor de las casas de los de derecha, y las cabecillas de la Falange femenina afirmando que “las mujeres deben influir en el pensamiento político de los hombres”.

Parece que duró poco en la cartelera española de aquella época. Y ciertamente en ella se adivina una defensa de la ideología conservadora. Hoy en día se nos presenta como una obra rara y peculiar dentro del cine español.

El día de los tramposos, un brillante Mankiewicz

2009-10-30T21:45:00.009+01:00

Western con tintes humorísticos rayando en el cinismo, con motín carcelario y acertada lectura del alma humana, con “El día de los tramposos”, Mankiewicz demuestra toda su sabiduría cinematográfica. Se apoya en la gran labor interpretativa de Kirk Douglas , en el papel de un ladrón y criminal sin escrúpulos que no duda en traicionar a todo el que tiene delante para conseguir el botín que ha escondido en un agujero del desierto, y de Henry Fonda, que representa a un alcaide de prisión justo, que quiere mejorar la vida de los reclusos y cree en la reinserción social.

El tono de la película es divertido, el canalla París Pitman ((Kirk Douglas) cae bien, hay que decirlo, y tiene carisma de líder. Nos conquista con su sonrisa y parece que le perdonamos su mal fondo. De hecho, el público de la sala se ríe con él.
El alcaide Lopeman (Henry Fonda) es, en cambio, un hombre serio, recto, y a veces parece aburrido, pero también cae bien.

Se plantea así un duelo entre los dos hombres, que tienen intereses contrapuestos, el uno, la codicia por el dinero, el otro, la idea de mejorar la cárcel del desierto de Arizona, construir comedores y hospitales nuevos para los presos y cambiar, en definitiva, la orientación del penal, antes dirigido por un funcionario corrupto.

Lo que se cuece detrás es más profundo, es la lucha entre el bien y el mal. Pitman es un diablo simpático y Lopeman es un hombre experimentado, símbolo de la justicia, la honradez, y de el hacer las cosas bien.

¿Quién triunfa? Pues aparentemente triunfa el bueno, pero se nos desmorona, quizá, la idea que tenemos de él en la última escena. Y digo quizá, porque se puede pensar que el alcaide no hace más que lo que muchos de nosotros pensaríamos hacer, darnos la buena vida y no pensar tanto en los demás.

El grupo de condenados está magistralmente definido. Existe el joven que ha cometido un pequeño desliz y que sin embargo tiene una pena excesiva, la pareja de farsantes embusteros que se hace pasar por reverendo y mudo y que por ello acaban en la cárcel, el chino con demasiado cuerpo y poco cerebro, el veterano recluido durante años, etc.

Y a todos ellos dirige París, Kirk Douglas, una suerte de Robin Hood pero en plan malvado, porque los engaña y traiciona a todos en busca de los 500 mil dólares que tiene enterrados, nada más y nada menos, que en un pozo con serpientes de cascabel.

Entre los carceleros también hay de todo, desde el pervertido guardián que quiere dar un trato de favor al joven, a cambio de …(ya imaginan), hasta los férreos vigilantes de las armas o el gordinflón al que se le rajan los pantalones en plena visita del gobernador.

El toque distintivo de Mankiewicz se nota, en fin, en la película en todos los aspectos, y la convierte en una gran y entretenidísima obra maestra del comienzo de los 70.

Amelie, la chica solidaria

2009-10-27T06:18:00.003+01:00

Todos imaginamos que cuando encontremos el amor viviremos en un cuento de hadas. Sin embargo, Amelie volverá a la realidad, a descubrir que el cerebro está lleno de miles de conexiones, precisamente cuando consume el amor al lado de Nino, ese chico que colecciona fotos y las recompone, queriendo descubrir al extraño que aparece tantas veces en la máquina de fotos y que no es sino un empleado que arregla los desperfectos.

Todos nos aferramos a la realidad y soñamos que con el amor cambiará esa realidad y viviremos en un mundo imaginativo, en cambio Amelie se inventa un mundo imaginativo cuando no tiene el amor y se aferrará a la realidad cuando descubra ese amor.

Amelie ha tenido una infancia con falta de cariño. Su padre y su madre creen que tiene una enfermedad del corazón, no va a la escuela por ello, pero las demostraciones de amor de su familia se limitan a un examen médico periódico de su padre. Así las cosas, se deshacen de su pez con tendencias suicidas y le regalan a cambio una cámara fotográfica que su vecino intentará hacerle creer que provoca accidentes. Amelie se vengará del vecino fastidiándole la tele cuando está viendo el fútbol.

Sí, esta película es así, con situaciones disparatadas, con personajes raros y extraños, que, a pesar de serlo, buscan solamente lo que todos buscamos, la felicidad, y el amor.

Amelie decide dedicarse a buscar la felicidad de los demás cuando descubre, el día de la muerte de Lady Di, una pequeña cajita que guarda los recuerdos de infancia de un niño. Se dedicará a buscarle diciéndose a sí misma que si esa persona se conmueve al recuperar su caja de recuerdos, se dedicará a hacer el bien, a ser una especie de heroína salvadora de la humanidad. Y ese hombre se conmueve, llora de alegría al recuperarla y se toma un coñac al lado de nuestra protagonista contándole que tiene una hija y un nieto. A partir de ese momento, Amelie intentará complacer los deseos ocultos de quienes la rodean.

Por eso ayudará a la dueña del estanco a tener una relación con el celoso ex novio de su compañera de trabajo (camarera del bar como Amelie), al hijo del tendero a sustituir a su padre que se queja y le maltrata por su lentitud en el trabajo, a un pintor vecino que tiene los huesos enfermos a ver vídeos curiosos (un caballo corriendo entre el pelotón del Tour, un viejo con pata de palo bailando), a su propio padre a viajar al simular que su gnomo de jardín está recorriendo el mundo, etc.

Pero cuando Amelie conoce al joven raro que colecciona fotos de un fotomaton, que antes ha coleccionado otras fotos de pisadas en el cemento, que trabaja en un sex shop y en el parque de atracciones en La casa del terror, empezará a cambiar su vida. Porque ella no se atreve a dar el paso de conocerle y se inventará mil juegos antes de hacerlo debido a su timidez. Una vez más Amelie evade la responsabilidad de ser realista y de ir en busca de la persona de la que está enamorada. Todo ello hasta que el pintor vecino de huesos enfermos le manda a ella un vídeo animándola a que se decida de una vez a encontrase con el chico

Este sería un resumen del argumento de esta película, pero esta película hay que verla, porque su riqueza reside en las imágenes ante todo, en su puesta en escena tipo video-clip. Se trata de un regalo visual y para los sentidos. La pregunta que me hago es: ¿será tan sorprendente, original y llamativa en un posterior visionado?

El póker de la muerte

2009-10-02T21:58:00.004+02:00

En “El póker de la muerte”, Hathaway mezcla los géneros del western y del suspense.

En Rincón se celebra una partida de cartas y uno de los jugadores, forastero, hace trampas, por lo que es ahorcado por los demás intervinientes, dirigidos por un joven que es el inductor al linchamiento, Roddy McDowell y con la única oposición del papel que interpreta Dean Martín.

Posteriormente todos los participantes en esa partida van apareciendo asesinados.
Ello coincide con la llegada al pueblo de un reverendo, interpretado por Robert Mitchum, que maneja las armas demasiado bien.

Se plantea en esta película el tema de la venganza y el de tomarse la justicia de forma individual. Mitchum resultará ser el hermano del jugador ahorcado y se “apoyará” de manera equivocada en el joven cabecilla que organizó el asesinato de su familiar.

Dean Martín es el que descubre al justiciero vengador y el que acabará con él en una escena final bastante acertada.

Mitchum hace un papel similar al realizado en “El cabo del terror” y Martín es el jugador profesional de buen fondo que se convierte en el bueno de la película.
Además es el seductor del film, ya que tiene detrás de él a dos mujeres, una joven y otra más madurita dueña de la barbería.

Película que se ve con interés, y que mantiene un buen ritmo hasta el final.

Mapa de los sonidos de Tokyo, Isabel Coixet

2009-09-20T20:02:00.005+02:00

Coixet nos cuenta la relación entre Ryu, una chica japonesa que trabaja en un mercado de pescados, pero que de vez en cuando se convierte en asesina a sueldo, y David, un español afincado en Tokyo con un negocio de vino y que acaba de perder a su novia Midori, quien se ha suicidado, causando la desolación de su padre, el empresario Nagara. Ryu recibe el encargo de parte de un empleado del Sr. Nagara de asesinar a David, ya que el empresario le culpa del suicidio de su hija Midori. Todo esto nos lo cuenta un ingeniero de sonido que acaba de entablar una amistad con Ryu.
Ryu conoce a David y siente tal atracción por él que no es capaz de cumplir su trato homicida, lo que llevará a un final de la historia dramático.

“Mapa de los sonidos de Tokyo” es una película que, según mi punto de vista, podría dar mucho más de si, el planteamiento está bien, pero se desarrolla de una manera, quizá, demasiado previsible.

Visualmente, nada que objetar. Se nos muestra un Tokyo moderno, pulcro, informatizado y hasta elegante. La música está bastante bien. Pero hay algo que falla, seguramente el doblaje de Sergi López no es el más afortunado, y su interpretación tampoco. En cambio, sí creo que Rinko Kikuchi en el papel de Ryu está más acertada, o es posible que su personaje enganche más que el del catalán.

La relación entre Ryu y David está ya de antemano condenada a fracasar. La chica tiene un encargo, y David está intentado olvidar a Midori y usa a Ryu como medio de olvidarla, y para no recurrir al alcohol como vía de escape. Así las cosas, ella le quiere y él no, y cuando van a despedirse es cuando se produce la tragedia, una más, aparte del suicido de la hija de Nagara.

“Mapa” no es la mejor película de Isabel Coixet y uno recuerda “Mi vida sin mi” que, seguramente, con menos pretensiones, sí es un film que emociona de principio a fin.

El jardín del diablo, GARDEN OF EVIL

2009-09-20T00:10:00.002+02:00

Película del Oeste de Hathaway, de 1.954, con un gran plantel de artistas, Gary Cooper, Susan Hayward y Richard Widmark, nos sitúa en un pueblo mexicano al que acaban de llegar un grupo de buscadores de oro que serán requeridos por una mujer, Leah Fuller (Susan Hayward) para adentrarse en las montañas, en terreno apache, y salvar la vida de su marido que ha quedado atrapado en una mina de oro. Todo ello con una recompensa de 2.000 dólares.

Impresionantes escenarios rocosos donde 3 americanos, Hooker (Gary Cooper), Fisk (Richard Widmak), y Daly, y un mexicano, Vicente, acompañan a la mujer, Leah, para rescatar a su esposo.

Hooker es el más veterano y enseguida se hará con la jefatura de este grupo heterogéneo, dónde algunos personajes se mueven por las ansias de riqueza, Daly, Vicente, y otros, por las ganas de conquistar a la Hayward, Hooker y Fisk, y pasar una aventura movidita.

Los cuatro buscadores de oro lograran el objetivo de llegar hasta la mina y salvar al marido de Susan Hayward, pero sólo Hooker y Leah sobrevivirán en la vuelta ante el acecho de los indios.

Se pasa un rato entretenido con esta peli y vemos a Cooper ya mayorcete y a Hayward en un gran momento. Widmark está muy bien en el papel de jugador profesional que es capaz de dar la vida por la mujer.

Indios, hogueras, flechas por doquier, peleas por mantener el orgullo de ser el líder, buenas intenciones y final feliz para la pareja que logra salir viva, o sea, los grandes protagonistas, Cooper y Hayward.

En definitiva, Hathaway haciendo gala de su dominio del western.

Niagara, paisaje y crimen.

2009-09-19T23:36:00.002+02:00

Marilyn Monroe y Joseph Cotten encarnan a los Loomis, un matrimonio veraneando en las cabañas ArcoIris en las cataratas del Niágara. Allí llegan los Cutler, otros esposos que van a pasar su segunda luna de miel al mismo lugar. Los Cutler deben alojarse en la misma cabaña que los Loomis, pero éstos aún no la han abandonado. Así empieza la relación entre las dos parejas.

Marilyn es Rose Loomis, una mujer despampanante, y Cotten, su marido, es George, un hombre que se ha convertido en un neurótico por el amor que siente por su mujer y por los celos que le embargan, justificados, además, porque como se verá en el film, Rose le engaña, y no sólo eso, sino que con su amante, está planeando el asesinato de George.

La otra pareja la forman Polly (Jean Peters) y un joven publicista que acaba de recibir un premio en su empresa y que representa al americano medio.
La Cutler es decisiva en la película, porque será testigo de que Rose engaña a su esposo, y, después, será la única persona que vaya conociendo el verdadero desarrollo de los hechos.

El plan de Marilyn para acabar con el hombre con el que vive una relación destructiva, George, fracasará, y el esposo se vengará, asesinándola. Polly será siempre conocedora de toda la historia y estará a punto de caer por las cataratas del Niágara con Cotten, el asesino, en un barco que éste ha robado para huir

Este sería el resumen de Niágara. Pero es una película con tantísimo contenido, tan densa, que esto no es más que un pequeño esbozo de la historia.

Marilyn tiene aquí un papel hecho a su medida: una mujer joven, atractiva, casada con un hombre que la quiere demasiado, que parece haberla recogido de la barra del bar en que trabajaba como la camarera más famosa, y, se supone, que más ligona. Pero Rose quiere divertirse, le gustan los hombres jóvenes, y está harta de la enfermedad mental de su marido, enfermedad que, por otra parte, ella misma ha provocado en él, con sus vestidos exuberantes, rojos pasión, y sus ganas de flirtear siempre haciendo sonar su canción Kiss para engatusar a alguien.

George ha enloquecido poco a poco por los celos que siente por su joven mujer, que desde todos los puntos de vista es demasiado sexy para él. Ranchero desafortunado y más desafortunado aún desde que se casó con Rose.

Y los Cutler son el joven matrimonio feliz, que se verá envuelto en la historia de los Loomis.

Niágara es un thriller brillante, con personajes muy bien definidos y pensados, y con una trama que va en tensión creciente y nos lleva por las cataratas intrigados con lo que va a suceder.

Rodada en 1.953, con Niágara, Hathaway demuestra que es capaz de ser bueno también en el terreno del suspense, y, a mi modo de ver, saca partido de unos muy buenos actores. Marilyn, guapísima, Cotten, pedazo de actor, y Jean Peters, serena, equilibrada y dando el contrapunto perfecto de la Monroe.

Correo diplomático, Diplomatic Courier.

2009-09-17T20:29:00.003+02:00

“Correo diplomático” es una película de 1.952 de Henry Hathaway con Tyrone Power y Patricia Neal en los papeles principales.

Este director es capaz de desenvolverse en todos los géneros, western, policíaco, o, como en esta oportunidad, en el terreno del espionaje.

Recurre una vez más a Tyrone Power, para contar la historia de un “correo diplomático”, así debía llamarse por los años 50, o sea, un empleado del gobierno americano obligado a recoger un importante documento en el bloque del Este de un ex compañero de mili, espía yanki en terreno enemigo.

Power es Mike Kells, un profesional de los Estados Unidos con una buena trayectoria de “correo”, pero que tiene que esforzarse un pelín más y hacer de espía en Trieste, dónde se centra la película.
Allí se encontrará con dos mujeres, que nunca sabemos de qué lado están, del ruso o del americano, y que nunca sabemos si dicen la verdad o mienten.

Antes de llegar a Trieste, irá en avión, después en tren, dónde se producirá el asesinato de su contacto, se reunirá con la policía estadounidense en la ciudad, etc.

Nos movemos en la época de la guerra fría, y para ese momento esta película tuvo que ser fascinante: actores del momento, tema del momento, medios del momento.
Hoy día, el partido que le saco personalmente es el que subyace en las relaciones humanas que muestra. Me explico. Es un mundo, una vida, en la que no tenemos en quien confiar, no sabemos si esta mujer es la buena o la mala, o qué.

Y hace bien Hathaway en situar al espectador desde el punto de mira de Kells, una especie de novato en este campo, y que no sabe muy bien por dónde le van los tiros.
La viuda de un funcionario americano parece más fiable que la europea clasificada de espía rusa, pero… ¿quién tendrá el documento, el microfilm dónde se reflejan las actividades de los comunistas para invadir Yugoslavia?

Al final lo sabemos, y no pienso desvelar el final.

Power está, en esta ocasión, desde mi criterio, muy bien, muy creíble, tanto como en Rawhide, y menos que en La rosa negra, porque creo que a este actor le van los papeles dubitativos, un poco como de principiante.

Las mujeres, espectaculares en su ambigüedad.

Frozen River, Río helado, el hielo aguanta

2009-09-16T20:19:00.010+02:00

Producción independiente, ópera prima de Courtney Hunt, gran éxito en la cartelera americana, trata de una madre, Ray, abandonada por su cónyuge, jugador empedernido, justo cuando tienen que pagar la casa prefabricada que han adquirido, lo que la obligará a hacerse cargo del hogar, encontrando la oportunidad para dedicarse al tráfico de inmigrantes ilegales desde Cánada a Estados Unidos a través de una reserva de indios mohawk, intentando con esta actividad ilícita conseguir el dinero para el pago de la letra y para las demás necesidades económicas de la familia.

Frozen River es una película lenta, en la que el hielo es casi el protagonista, hielo en los paisajes y hielo en las mentes de los personajes, dos mujeres que por una u otra razón, necesitan demostrarse a sí mismas que pueden salir adelante en la vida, sin ayuda de hombres.

Premio del público en Sundance, y premio a la mejor actriz para Melissa Leo en San Sebastián, con este debut Hunt demuestra la hipocresía de una sociedad dominada por el dinero que hace caso omiso de la vida de los marginados. Ambas mujeres viven en caravanas, o modestas casas de metal, y ambas, van buscando la supervivencia y la dignidad.

Rawhide, el correo del infierno

2009-09-09T21:57:00.006+02:00

Hathaway comenzó como extra en películas del Oeste y en 1950 da una muestra más de su conocimiento del género con Rawhide, que quiere decir algo así como “cuero crudo” y en español se tradujo como “El correo del infierno”.

Cuenta para los papeles principales con dos ases del momento como son Tyrone Power, que había trabajado poco antes con él en “La rosa negra”, y Susan Hayward, que en el comienzo de los 50 era una de las actrices más respetadas tanto por la crítica como por el público.

Tyrone Power interpreta al ayudante de un puesto dónde para una diligencia y, junto con una de las viajeras de la misma, Susan Hayward, y su sobrina, son retenidos por un grupo de delincuentes fugados de la cárcel , los cuáles tienen en mente atracar el próximo correo que viene con un cargamento de oro.

Se plantea una pugna entre el deseo de supervivencia de los “prisioneros” y el afán por el oro de los ladrones. Los primeros temen ser aniquilados una vez que la banda cometa el atraco, los segundos necesitan de la pareja para hacer aparentar a la diligencia que todo está en orden.

La tensión se palpa, y todos esperamos ver cómo se desarrollarán los acontecimientos, como se producirá el asalto. Pero no hay tiempo para eso. La desavenencia entre los miembros de la banda es evidente, el jefe de la misma, Zimmerman, no es un asesino, digamos típico, sino que ha cometido un crimen pasional por el engaño de su mujer con un tipo más joven, mientras que los otros componentes del grupo, son un hombre violento, que roza el retraso mental y la sicopatía , y únicamente piensa en violar a la Hayward, y los otros dos no tienen personalidad ninguna y cumplen las órdenes del jefe. Hay una dura batalla por el liderazgo entre Zimmerman y el desequilibrado que termina con el asesinato del jefe por el aspirante por la espalda.

A partir de ahí, todo sucede muy deprisa. Hay un tiroteo entre el ayudante de “estación” y el forajido resuelto por un escopetazo de Susan Hayword definitivo que acaba con el matón. Cuando llega la diligencia con el oro, ya se han encargado los protagonistas de eliminar el peligro.

Hay momentos curiosos en este film, como ese en el que la sobrina de la viajera, una niña pequeña, se escapa por el agujero que los secuestrados están haciendo en la pared para intentar escapar, momentos antes de llegar el cargamento de oro. Eso tendrá como efecto los gritos de la tía intentando que no le pase nada a la pequeña, desencadenando la pelea entre Zimmerman y su ayudante

Los recluídos están obligados a permanecer en una habitación, hay un ambiente un tanto claustrofóbico, y ese agujero es el camino para la salvación. Suerte para ellos: la salvación llega antes por las diferencias entre los convictos.

Rawhide me recuerda a veces a “Perros de paja”, en el sentido de que se trata de una pareja acosada por unos maleantes y tanto Tyrone Power , aquí, como Dustin Hoffman ,en el film de Pekimpack , necesitan demostrar su valor delante de las féminas, quiénes dudan en cierto modo de su hombría. En ambos supuestos los hombres dan lo mejor de sí mismos, aunque la transformación de Hoffam es más espectacular que la de Power.

2009-09-09T17:22:00.001+02:00

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Enemigos públicos, Dillinger, héroe nacional americano

2009-09-08T16:27:00.006+02:00

Enemigos públicos, la película de Michael Mann, ha sido muy comentada este año 2009, y ha tenido valoraciones de distinto signo: a unos les ha decepcionado un poco y a otros les ha gustado bastante, opiniones dispares.

Como casi todos saben ya, cuenta el tramo final de la vida del famoso gánster, casi convertido en héroe en los Estados Unidos, John Dillinger.

Dillinger fue un ladrón de bancos que actúo en varias ciudades norteamericanas en la época de la Gran Depresión, cuando la crisis económica llevó a pensar a parte de la ciudadanía que la banca se enriquecía a costa de la población. Entonces, se vió con buenos ojos a un ladrón que aparentaba ser justiciero, que no cometía demasiados asesinatos y casi todos del cuerpo policial. Las "buenas" maneras de Dillinger, su encanto y carisma personal, sus sonadas huídas de la policía y del FBI, encabezado por Hoover, le crearon fama de ladrón elegante de guante blanco, lo que, no se corresponde demasiado con la realidad. Al fin y al cabo, no fue más que una persona que cometió múltiples actos ilícitos con el fin de enriquecerse y fugarse a un país extranjero, seguramente exótico, dónde vivir féliz el resto de sus días con su novia.

La película de Michael Mann no se pronuncia mucho ideológicamente a favor o en contra del personaje.

Johnny Deep, refinado, siempre con clase, construye un papel solvente, pero, personalmente, pienso que es demasiado apuesto si lo comparamos con las fotos o vídeos del verdadero malhechor. Creo que le falta algo de dureza, o, digámoslo también, algo de vulgaridad para asemejarse más a Dillinger. Lo mismo diría de la actriz que representa a su novia, demasiado guapa.

Por otra parte, el ambiente recreado en el film es, a mi modo de ver, también más selecto que lo que imaginamos fue el real. Los hoteles son muy lujosos, los coches muy rápidos, los vestidos muy brillantes, los abrigos muy buenos y bien forrados. No sé, me da la impresión, por las fotos que he visto de la época, que todo no tenía tanto glamour.

No obstante, la película funciona en gran parte de su metraje. Tiene escenas de bastante tensión, como la de la persecución en el bosque en la que Dillinger está a punto de ser cazado, o los momentos finales cuando John acude al cine a ver una de Clark Gable de gánsters y todos sabemos que va a morir porque ha sido traicionado por su "amiga" rumana que quiere garantizarse una estancia en el país.

Algo a comentar también es la buena interpretación de Christian Bale en su papel del agente Purvis, que tiene la obsesión de detener a Dillinger pero que, a la vez, intenta transmitir a su jefe Hoover y a los miembros de su departamento una actitud de calma y de tener el control.

En muchas fases de la película se manifiesta la falta de miedo, la temeridad del "enemigo público" número 1, como cuando se fuga de la cárcel de Indiana o cuando se atreve, poco antes de su caída, a ir hasta la Comisaría de Policía llena de oficiales que le buscan, recreándose contemplando sus fotos.

En todo caso, se presiente siempre que "más duro será el final" para Dillinger, y sobre todo, lo presiente la mujer que le ama, que sabe que está yendo a un callejón sin salida desde el día en que John va a buscarla al guardarropa en el que trabaja para llevarla con él y su banda

Por último, decir que el título es acertado al hablar de Enemigos Públicos en plural, y no referse sólo al famoso gánster, puesto que éste siempre actúo acompañado de un grupo u otro de matones, asesinos, según Purvis, según Hoover, y sin embargo, casi admirados por el pueblo llano. Esto es así hasta tal punto que creo que todavía hoy se rememora el día de la muerte de John Dillinger en parte de los Estados Unidos.

El demonio del mar, de Henry Hathaway

2009-09-06T17:32:00.003+02:00

Una película en la que Hathaway utiliza el escenario de un barco ballenero para mostrar el desarrollo de una relación familiar entre abuelo, un suboficial que juega el papel de padre, y nieto.

Bering, el abuelo, es un experimentado capitán que se embarca en su última aventura ,dada su avanzada edad, acompañado de su nieto, del que se hace cargo por un accidente de su padre . El pequeño está loco por el mar y descuida sus estudios, por lo que su abuelo aprovecha a un suboficial, Richard Widmarck, para que le enseñe todo lo que pueda, no sólo sobre las ballenas, sino sobre todo en general.
El suboficial se irá encariñando con el niño y viceversa.

En la primera ocasión en que al chico se le da la oportunidad de subirse a una barca en busca de ballenas, su choque con una y la niebla harán que se pierda. El abuelo no quiere sacrificar hombres para ir a buscarlo, pero Widmarck sí, por lo que será suspendido de su cargo por incumplir la orden.

El muchacho empezará a odiar a su abuelo por esto, por su férrea disciplina y la aparente falta de cariño hacia él, pero se dará cuenta posteriormente de que su abuelo quiere convertirle en un buen marinero, en un hombre, y terminará queriéndole ,sobre todo, cuando cae enfermo.

Se plantea así un triángulo: el abuelo, un hombre curtido, que quiere enseñar a su nieto a crecer, el suboficial, con conocimientos más modernos que Bering, y el nieto, deseoso de ser marinero ante todo.

Los tres se quieren, los dos más jóvenes admiran al mayor, y Bering mantiene su rudeza con ambos para hacer ver al chico que ser caza-ballenas, y cualquier cosa que uno se plantee en la vida, no es nada fácil.

La historia acaba con la muerte del famoso capitán Bering, y suboficial y niño se quedarán juntos para formar la familia que los tres deseaban.

La rosa negra, un sajón en China

2009-09-05T21:14:00.002+02:00

Hathaway, un director de abundante filmografía, firma un relato de aventuras que también toca otros temas, científicos, familiares e incluso sicológicos.
Walter de Gurnie (Tyron Power) es el hijo de un conde sajón en la Inglaterra medieval, que odia a los normandos y se va de su país en busca de acción, riesgo, dinero, ¿por qué no?, y aún más, olvidarse de todo lo que represente a su viejo reino.

Con un compañero de la infancia, gran arquero, viaja hasta China dónde se unirá a un general mongol, interpretado por Orson Welles, el cuál, quiere conquistar, poco a poco, el mundo entero.

Pero antes de conquistar China, este general envía a Gurnie como mediador, éste será recibido como un Dios debido a una profecía, y ahí, en todo este itinerario, su amigo de la infancia, morirá.
Hay que hablar también de la rosa negra, que no es sino la mujer a la que dan protección durante su estancia en Oriente y que se enamora de Power. Dicho de paso, me parece de lo más desacertado de la película, porque pretende ser la heroína y en cambio da una imagen de niña que crece que no “pega” demasiado.

Al final, Gurnie volverá a Inglaterra y su odio por los normandos habrá disminuido tanto que enseña a los hombres del rey los avances científicos de los chinos, como la pólvora por ejemplo.
A mi modo de ver, no es de las mejores películas de Hathaway, se pasa un rato entretenido sin más, y un poco menos de duración no estaría mal.

Las señoritas de Rochefort, musical francés de los sesenta

2009-09-05T16:20:00.003+02:00

Jacques Demy rinde homenaje a los musicales dorados de Hollywood con la ayuda de un buen puñado de grandes actores alejados de sus registros habituales.

Catherine Deneuve o Michel Piccoli distan mucho de la imagen que nos ofrecen en una película cercana en el tiempo a ésta, Belle de Jour, y por supuesto, muy diferente.

Las señoritas de Rochefort se desarrolla en este pueblo en un fin de semana. Nos presentan una serie de personajes en búsqueda del amor y con esa única motivación en sus vidas. Lo importante no es el guión, ni el mensaje de la película, sino sus aspectos formales.

Es un musical con la estética de los años 60, o sea, mucho colorido, un vestuario casi alocado, de fantasía, muchos personajes juveniles, casi todos, excepto el asesino de turno que hace hueco y que pone una nota distinta, pero desapercibida, en el film, y por supuesto, la música, los números musicales de jazz , a la par que la coreografía.

Deneuve y su hermana dan vida a dos gemelas que trabajan en una escuela de danza para niños, preocupadas por encontrar al hombre de sus sueños. Al pueblo llegan unos feriantes ataviados con botas estilo Miguel Bosé en Don Diablo, unos gígolos de la época, pero ellos no serán los que cautiven el corazón de las chicas. Los afortunados serán Gene Kelly en el papel de músico-bailarín afamado que viene de USA, y un joven pintor rubio que no cesa de buscar su ideal femenino.

La madre de las hermanas, que trabaja en un bar en el medio de la plaza por el que pasan todos los personajes, también busca al amor que abandonó en su día, porque el hombre se apellidaba Dama, y que no es otro que Michel Piccoli, que ha abierto una tienda de música en Rochefort buscando a esa misma dama que le dejó un día, y que es amigo de Kelly.

Hay números musicales curiosos, como el del equipo de baloncesto, otros que causan casi risa hoy en día, y otros bastantes afortunados, como el de las dos hermanas en la escuela de danza o en el escenario de la plaza el domingo.

Catherine Deneuve está más bella y fresca que nunca en esta película y todos nos enamoramos de ella cuando canta, baila o, mismamente, cuando va a buscar a su hermano pequeño al cole.

A Gene Kelly, Demy le da su momento de gloria años después de Un americano en París, otorgándole protagonismo con escenas de baile en la que lo rodea de un coche descapotable unas veces, o de unos colegiales, otras.

Y Picolli se esfuerza casi en el último baile de la pelí cuando ya se ha reencontrado con su amada, la madre de las gemelas

La escena final deja un espacio a la imaginación, porque el pintor rubio se sube a la carabana de los feriantes con los que viaja Deneuve a París, pero no sabemos, al menos yo, si monta en la misma camioneta. Dado el tono pastel de todo el “tinglado”, lo más fácil es suponer que sí.

Yo creo en ti, historia de solidaridad humana

2009-09-05T13:31:00.003+02:00

A todos nos conmueven los sacrificios de las madres por los hijos. A todos nos emociona saber que una madre lleva fregando 11 años y ahorrando todo lo que le pagan para sacar a su hijo de la cárcel. Cuando esta madre pone un anuncio en el periódico ofreciendo una recompensa para quien desenmascare al verdadero autor del crimen por el que su hijo está en prisión, la cosa se hace pública y despierta el interés general, y el primer interés, el del periódico en cuestión.

Este es el punto de partida de Yo creo en ti , o, Call Northside 777, de Hathaway.
Y esta película va de menos a más, convirtiéndose al final en una gran obra de arte.

No importa que haya pasado medio siglo desde su realización, sigue siendo muy buena y no ha envejecido en absoluto.

El reportero al que da vida James Stewart se ve obligado a esclarecer el hecho a pesar de su escepticismo inicial. Al principio, aborda el tema como un caso periodístico más.
Después, a medida que crecen sus dudas sobre la culpabilidad del reo, se implica personalmente e intentará todo lo posible para ayudar a la madre, al encarcelado, y de paso, a toda una sociedad.

Estamos en el Chicago de la Ley seca. La policía cometió algunos errores entonces dada la cantidad de detenciones que llevó a cabo. Y por esos errores un inocente está condenado a 99 años. Y James Stewart se empeña en demostrar la falta de responsabilidad de esa persona. No lo hace sólo por la bondad de la madre, ni por las buenas maneras del presidiario, lo hace por un interés en descubrir la verdad. “Yo creo en ti”

Hay algunos aspectos en esta película que no son nada nuevos, los errores judiciales, el impacto de un artículo de la prensa en la opinión pública, el descenso a los tugurios de un barrio polaco de Chicago por parte del periodista, el riesgo, el alcohol y los bajos fondos. Pero hay algo que siempre es actual, la fraternidad humana, el deseo de ayudar al necesitado, las ganas de hacer las cosas bien enfrentándose a toda una clase acomodada que comete errores.
La tensión está presente de principio a fin, no da tiempo para descolgarnos.

Los medios técnicos de 1944 no son los de ahora. A la ampliación de fotos le sustituye el photoshop, el ordenador, a las conferencias telefónicas el móvil.
La gente entonces aún fumaba en la cama, como la mujer de Stewart. Ahora está mal visto fumar.

No obstante, no hemos cambiado tanto. Se siguen necesitando pruebas para demostrar que alguien no es culpable. Y el reportero las consigue.

Y al final nos deja con la sensación de que es reconfortante hacer algo bueno por alguien, realizar el bien, sin esperar nada a cambio. Y lo más importante, salimos sabiendo que cuando algún día necesitemos un buen samaritano, quizá haya un James Stewart de turno que lo intente por nosotros. Solidaridad humana en los tiempos que corren, eso es mucho, amigos.

Boosterblog

2009-09-04T13:53:00.001+02:00

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DIARIO DE UNA CAMARERA

2009-09-04T05:20:00.002+02:00

Celestine levanta la pasión de cuatro hombres: el abuelo de la familia, un fetichista obsesionado con los zapatos que le hace caminar con ellos, (recordando quien sabe que viejas historias), se los limpia, y cuando es encontrado muerto aparece con los zapatos en la cara; el señor de la casa, Michel Piccoli, que se dedica a la caza, pero que vive un matrimonio insatisfecho por culpa de la frigidez de su mujer; el jardinero-cochero, un sádico fascista que odia a los judíos, y el vecino de al lado, un viejo militar que tiene manía a la familia para la que trabaja Celestine de doncella o asistenta.

Jeanne Moreau –Celéstine- juega de alguna manera sin escrúpulos con estos cuatro hombres y al final decide quedarse con el vecino militar optando por la comodidad y para ser señora de su casa . No obstante, creo que Celestine al que quiere de verdad es al jardinero, que no casualmente es el primer hombre que aparece en el film en una escena un tanto premonitoria de lo que luego va a ser el desarrollo: Jean se toca los zapatos y el cochero le pregunta: ¿No tiene otros zapatos? Ella se hace la descuidada y el jardinero le dice: No se haga usted la tonta.

De alguna forma la camarera y el cochero son almas gemelas y creo que en la novela original terminan juntos, pero Buñuel hace que ella lo seduzca y lo delate a la policía ya que sospecha- con razón- que ha asesinado a una niña llamada Claire. La fuerza bruta, la bestialidad que representa Joseph, el jardinero, atrae la clase y elegancia de la Moreau. Personalmente creo que la historia resultaría más creíble si acabasen juntos yéndose al café que él quiere comprar. Pero ya se sabe que Buñuel cuenta las historias como quiere y decide que la camarera acepte la proposición de matrimonio del militar.

Película en blanco y negro, en la campiña francesa, resalta la sofisticación de la camarera con la vulgaridad de las demás empleadas de la casa y las “perversiones” de los señores. Buñuel vuelve a sus temas principales: el deseo, la religión, la clase burguesa y la clase obrera, la maldad contra una bondad atraída por esa maldad, etc.

Celestine se parece en cierto modo a la Severine de Belle de Jour, pero yo diría que con un cierto grado más de astucia, lo cuál se refleja en la elección que hace por el vecino sabiendo que eso le garantizará una vida de señora con tranquilidad y dinero.

También se vislumbra en la pelí una crítica al nacimiento de los fascismos, Joseph es un extremista de derechas anti-judío, un sádico que no duda en violar y matar a la niña Claire por la que la camarera siente un gran cariño. Y también hay escenas que son generalmente propias de Buñuel, como por ejemplo, la de los caracoles subiendo por las piernas de la niña muerta.

Los abrazos rotos, de Pedro Almódovar.

2009-09-04T05:17:00.004+02:00

El cine de Almodóvar nunca te deja indiferente y siempre encuentras momentos sublimes que justifican el que sea nuestro director con más talento y más internacional.
Sus escenas siempre tienen una fuerza descomunal. Como esa en la que el hombre poderoso que quiere a Lena contrata a una lectora de labios para comprobar que está siendo engañado. Porque Lena- Penélope- no le ama a él, sino al Director de cine- Lluís Omar-.

Los abrazos se rompen por un accidente, pero se rompen también por el acoso de este hombre a unos enamorados que se sienten febrilmente atraídos y que no tienen miedo de demostrar su amor aún sabiendo que ese amor puede llevarles a la muerte o a un desenlace trágico.
Después de ese amor, a Harry sólo le queda vivir por vivir, hasta que el hijo del hombre rico desea vengarse de su padre y le hace revivir a Harry lo ocurrido años atrás.

El rojo vuelve a dominar esta película de Almodóvar, el rojo del deseo, de la pasión.

A pesar de todas las críticas negativas que se han hecho, Los abrazos rotos es una buena película. Creo que el tiempo la dejará en el lugar que le corresponde. Ocurre que estamos demasiado acostumbrados a que el manchego haga obras maestras y cuando alguna de ellas no lo es ponemos el grito en el cielo.

Pedro, una vez más, toca nuestro lado sensible, aunque no lo haga, quizá, con la fuerza de Hable con ella o Todo sobre mi madre, pero, claro, esas películas, como otras de su primera etapa, son obras de culto, y eso, amigos, es mucho decir.

TALVISOTA

2009-09-04T05:13:00.003+02:00

Hoy cuento con la colaboración especial de nuestro compañero y amigo Miguel. Gracias Miguel.

Oráculo dixit:
"El primer recuerdo, han pasado como mínimo dos semanas desde que la ví, es el repiqueteo del idioma finés... como el de un pájaro carpintero horadando el tronco de un árbol. ¡Parece que todas las vocales están acentuadas!No suena mal, Dios me libre, simplemente es muy distinto a las lenguas del sur de Europa.El comienzo de la película retrata los hábitos y costumbres de los lugareños de una zona rural, la inmensa mayoría del territorio lo es, en lo que se llama "movilización" en el argot militar. Nuestros protagonistas son reservistas pertenecientes a una misma unidad, la cual se corresponde a su origen geográfico...Esto también sorprende, todos son del mismo pueblo o proximidades, se conocen, incluso en el mismo pelotón sirven dos hermanos (uno de ellos, tal y como muestra el desarrollo del film, el protagonista).Se ve a los futuros combatientes riendo, cantando, celebrando despedidas, besando castamente a sus novias y/o esposas, habiendo oportunidad para descubrir cómo viven los finlandeses: podemos ver el calzado típico de invierno, los trineos y esquís, las cocinas de campaña para soportar el crudo invierno, por supuesto la vestimenta de las mujeres... y finalmente la austeridad de sus costumbres.Son parcos y directos en sus conversaciones, son orgullosos y dignos... y es que la película, sin ser nacionalista o propagandística, es una película oficial, muy finlandesa; no olvidemos que fue financiada por el Ministerio de Cultura, o similar...Toda película bélica tiene que tener alguna historia de amor, y también algún momento "hot"... pues bien... el momento más romántico se vive cuando el hermano menor del protagonista (también soldado) le pone su gorra a su reciente novia y ésta se la devuelve preguntándole cuándo volverá... el más caliente se nos presenta cuando otro de los soldados visita a una paisana para pedirle un trozo de pastel, y se encuentra a otro compañero saliendo de la habitación mientras se ajusta los tirantes de los pantalones,,, en fín, para ser de 1989 bien se hubiese agradecido alguna escultural rubia de profundos ojos azules..En segundo lugar, recuerdo el desarrollo de los acontecimientos bélicos. Por una parte, lo mejor de la película, la narración de la vida de los soldados en las trincheras, con la seriedad y dignidad típica de los fineses. Por otra parte, el realismo del vestuario, armas, blindados y aviones mostrados... de hecho eran en su mayor parte, armamento y vehículos de combate reales,,, únicamente chirria el poco peso que los soviéticos tienen en pantalla. Aunque se ven los cazas atacando a tierra, los tanques apoyando los ataques en oleada, los soldados soviéticos aparecen como manadas de lobos aulladores corriendo hacia nuestros esbeltos y poco asustadizos nórdicos. Finalmente, la última sensación, al menos de hoy (mañana igual recuerdo más cosas) me llegó con el final de la película... silencio tras una explosión, más silencio... un soldado se acerca a nuestro protagonista y le comenta...algo así como... ya está, ya ha terminado... (plano abriéndose, abarcando el campo de batalla, los finlandeses se lamentan en silencio, los rusos aullan -para variar-...Olvidaba comentar el sabor general de la película: me gustó porque me gustan las pelis "históricas"... Ésta es casi un documental, pero de digna factura. Merece la pena si quieres saber que pasó..."

Dans les cordes, habla la protagonista.

2009-09-04T05:09:00.003+02:00

Habla la protagonista:

“Movemos los brazos, adelante, atrás, golpeamos al aire, vamos los tres corriendo: mi padre con esa camiseta de la CCCP (a veces lleva esa, otras veces lleva la de USA), mi prima, y yo misma, los tres preparándonos, porque a los tres nos gusta el boxeo.

Llegan los campeonatos.

Primero saldrá al ring mi prima, está fuerte, creo que va a ganar, sí, sí, está ganando, gana, que buena es la tía. Ya tenemos una campeona en la familia, aparte de mi padre, claro, que lo ganó casi todo.

Y ahora por fin, me toca a mí, en mi peso, es una final. Empiezo, estoy algo desorientada, esta mujer me está golpeando fuerte, mi padre me grita, que no me eche hacia atrás, que me defienda, pero como golpea mi rival, me da fuerte en la mejilla, ahora en el ojo, me está destrozando. Todo pasa rápido, sin darme cuenta estoy tirada en el suelo y pierdo la consciencia. He perdido. Cuando vuelvo en sí, llevo el ojo morado, morado no, negro. Después mi madre intentará reanimarme haciendo que coma. ¡No quiero comer, por Dios! El boxeo es una mierda. Se acabó.

Pero pasarán los días, me recuperaré y volveré a intentarlo otra vez, poco a poco.

Mi prima, la campeona de Francia, quiere pasarse a mi categoría, no le basta con ganar en la suya, pero tendrá que adelgazar. Mi madre la odia. ¿Por qué? Dice que es desordenada.

Pongo la radio. Habla una mujer, una tal Teresa. Pero si es mi madre. Que dice que ella y su hermana, mi tía, se quedaron embarazadas al mismo tiempo, que el padre era…mi padre. ¡Dios! Somos hermanas. Ahora entiendo porque mi madre está tan mal de la cabeza. Se va a ir de casa, fumando como siempre.

Está bien, voy a demostrarle a mi hermana que soy mejor que ella, pero estoy tan rabiosa que necesito destrozarla antes, en un entrenamiento. Lo hago, me desahogo, le rompo el tobillo. La final es mía, contra la misma rival que me superó.

Y llega el día, estoy muy bien. Comienza el combate, la supero, le golpeo fácilmente, voy a ganar, está noqueada. Y justo cuando podría proclamarme campeona, abandono el ring. Estoy harta del boxeo, ahora sí que se ha acabado. Quiero ser una mujer. Y salgo del estadio con la cabeza alta mientras los chicos que entrenan me miran con respeto.

He podido ganar y sin embargo he dicho NO al boxeo.”

Il Divo, retrato de Giulio Andreotti.

2009-09-04T05:05:00.002+02:00

Il Divo tiene una colección de frases de lo más significativo: “Yo en misa no hablo con Dios, hablo con los curas, porque los curas votan”. “Me acerco a la mala gente, porque los árboles también crecen con ayuda del estiércol”. “Yo soy de estatura media, pero a mi alrededor no veo ningún gigante” “No tengo vicios menores”

Il Divo tiene unos dolores de cabeza tremendos, hasta prueba con medicina china, y tiene la mala costumbre de no ir recto y sacar joroba. Sus orejas están despegadas. Y sin embargo, parece, según su secretaria, que gusta a las mujeres, a todas, menos a la que él desea, que no es su esposa.

Todo es oscuridad alrededor de Andreotti. Y los hombres de la Democracia Cristiana que han sido su apoyo van cayendo, todos menos él. “Mis camaradas que hacían deporte han muerto y yo sigo aquí”, le dice a su médico.

Pero Il Divo tiene pesadillas y remordimientos de conciencia con el tema Aldo Moro. “Me tenían que haber cogido a mi las Brigadas Rojas, yo soy más fuerte que Aldo Moro”. Aldo se le aparece en el baño, en la oscuridad de la noche.

Il Divo duerme poco, se levanta a las 4 y media.

Cuando es recibido en su séptima Presidencia, dice cuando le preguntan si conoce el camino: “tengo una ligera idea”

Andreotti no fue condenado nunca por asociación a la mafia, primero por falta de pruebas, después, porque el delito había prescrito.

Y él, Il Divo, siempre amenaza a sus contrincantes con su “archivo secreto”, por eso dice que él nunca pone denuncias.

Figura controvertida en Italia dónde las haya, se le ha llamado de todo: El divino, la zorra, el diablo…Sin duda, es un personaje maquiavélico: todos los que le molestan desaparecen, y eso desde hace años. ¿Quién detenta el poder en Italia?

BELLE DE JOUR

2009-09-04T04:59:00.003+02:00

Severine (Catherine Deneuve) está casada con un hombre amable y bueno, tan perfecto, que no puede satisfacer los deseos ocultos de su esposa. De ahí el porqué de la escena inicial, en la que Severine sueña despierta que es azotada y maltratada por los chóferes del carruaje en el que viaja con su marido.

Belle de Jour (bella de día) es la historia de una mujer masoquista obsesionada por sentirse poseída y deseada. Y su deseo es tan fuerte que la conduce a la doble vida, gracias a que el malévolo amigo del marido, Michel Piccoli, le da la dirección de una casa de citas.. El riesgo y el peligro que supone convertirse en prostituta la excita y la saca de su monotonía.

Además, Severine quiere ser poseída por hombres que son la antítesis de la belleza física que representa su marido, joven y guapo, por eso se entrega a hombres maduros, gordos, feos, que frecuentan la casa de citas. Y es después de eso, cuando el rostro sin gesto de la mujer se transforma en un rostro animado y casi feliz. Destacar por ejemplo lo que le dice Madame Anais, la dueña del burdel, a Severine: “Tú lo que necesitas es mano dura”.

La cosa se complica cuando un joven gángster se encapricha de la mujer y quiere que sea sólo para él.

El final del film es un poco confuso: el gánster (Pierre Clementi) dispara sobre el marido de Severine y lo hiere. Después huye y perseguido por la policía acabará muriendo.

Entonces Sevérine tiene que cuidar a un marido herido que ya no es tan perfecto, parece que ha triunfado la estabilidad burguesa, pero sin embargo la mujer sigue oyendo los caballos y el carruaje de la primera secuencia, aquella en la que imaginaba ser violada ¿Qué ocurre cuando ella sale al balcón y descubrimos que ya no están en la ciudad sino en una lujosa mansión campestre?¿Es todo una fantasía imaginada por Severine o es la realidad?

Sin duda esta película incide en los temas más clásicos de Buñuel, como son la visión crítica sobre la burguesía y la religión y la del deseo como base del individuo y que transforma su realidad.

Difícilmente se podría encontrar en los años 60 una película tan morbosa y en la que el deseo está siempre presidiéndolo todo contraponiéndose al orden social establecido .

Catherine Deneuve está bellísima y a veces su economía gestual, su frialdad, están muy a tono con el personaje burgués que representa y que parece estar por encima de las jóvenes prostitutas alocadas del burdel de Anais.

The naked kiss

2009-09-04T04:57:00.002+02:00

La película, bajo mi punto de vista, trata ante todo el tema de la reinserción social.

Kelly es una prostituta que quiere dejar de serlo, para lo cual cambia de ciudad, trabaja como enfermera e intenta alejarse del policía Griff que quiere que trabaje “en lo suyo”, es decir, en el prostíbulo de Candy, seguramente para tener sexo con ella en ese local.

A Kelly parece sonreírle la suerte cuando el hombre más rico de la ciudad se enamora de ella, pero nada más lejos de la realidad porque éste será precisamente el pedófilo que la policía anda buscando.

Después de que Kelly sea acusada del asesinato de este magnate y sea declarada inocente, la ciudad en la escena final muestra el respeto que siente por ella, pero Kelly abandona sola la ciudad caminando a lo largo de la calle.

Parece que la reinserción no es posible en la sociedad americana de ese momento o al menos muy difícil

El tema de la marginación social enlaza en el cine de Fuller con el tema del racismo, que trata en la película Perro Blanco. En ambos casos, ni la prostituta termina de rehabilitarse ni el perro blanco racista olvida su racismo.

Como escena clave del film os recomiendo la de los niños discapacitados cantando con Kelly, y también la escena inicial de la lucha de la prostituta con su chulo.

El intercambio, de Clint Eastwood, Changelling

2009-09-04T04:54:00.004+02:00

Drama con suspense como le gustan a Eastwood, tratando temas también habituales en su filmografía, como el funcionamiento de la justicia, muchas veces erróneo, los asesinos en serie, las mujeres luchadoras y con carácter…

Jolie es una supervisora de telefonistas, madre soltera, que tiene a su hijo como principal motivación en la vida. El hijo desaparece y la policía quiere realizar “el intercambio”, es decir, pretende hacer pensar a la madre y a la ciudad en general que el hijo perdido ha aparecido cuando resulta que no es cierto, sino que el que aparece es otro niño, un diablillo de los de aúpa que jura y perjura que la Jolie es su madre.

A partir de ahí la madre intentará luchar contra una policía preocupada más por la prensa que por la justicia y el cumplimiento del deber y que además está corrupta y manda a cualquier mujer a un centro siquiátrico de película de terror en el momento en que le lleva la contraria.

Cuando parece que todo está perdido y la protagonista va a acabar loca, loca, otro niño es la llave de la esperanza al confesar al “policía bueno” los crímenes de otros niños en los que ha colaborado con su raptor, o sea, el sicópata.

Previamente, el pastor Malkovich ha intentado echar un cable a la Jolie a través de su programa radiofónico en el que denuncia la corrupción de la policía de Los Angeles.

Básicamente esta sería la película, pero no sería justo no decir que su duración no se hace excesiva, sino que el cine de Eastwood engancha desde el primer momento y te mantiene en vilo hasta el final. Tiene además guiños tan propios de su director que no es recomendable perdérsela

Gomorra

2009-09-04T04:49:00.002+02:00

Las mafias italianas son un holding que siembra la guerra. Se cuentan 10 mil muertos en 30 años. Las víctimas del conflicto palestino-israelí a partir de la Primera Intifada ascienden a una cifra menor. En los últimos años, la Camorra ha dado muerte a cuatro mil personas, más que cualquier otra organización criminal o terrorista: más que el IRA, más que ETA, más que el terrorismo islamista, más que Cosa Nostra.

Para mi, esto es lo aterrador . Y esta película ya avisa desde el principio que va de eso, cuando se produce el primer asesinato en una sala de belleza.

Después, las historias que cuenta son todas de personajes encerrados en El SISTEMA, unos porque quieren introducirse en él, otros porque quieren salir, como el sastre Pasquale.

También hay personajes que aparentemente dicen no a la Camorra como Roberto, pero no se sabe qué le puede pasar.

Y hay referencias a la forma de tratar a la Mafia el cine americano que se reflejan en la historia de Marco y Ciro, que se creen muy listos y son abatidos en una encerrona propia de la organización.

Igualmente se ven escenas de venta de droga , y es que Scampia, barrio periférico al norte de Nápoles, es el mayor punto de venta de droga a cielo abierto del mundo

Sólo un clan de la Camorra factura diariamente unos 500.000 euros en venta de droga

Las historias que se ven en Gomorra se inspiran en hechos que han sucedido y siguen sucediendo en barrios napolitanos como Scampia y en las zonas del Casertano. Allí, como en tantos otros lugares, la vida de miles de hombres y mujeres, muchos de ellos muy jóvenes, como Totó, está condicionada por el poder criminal con toda su violencia.

Siete mesas de billar francés

2009-09-04T04:43:00.003+02:00

La figura del padre marca esta película de principio a fin, el padre ausente, que es el abuelo ausente, que es el amante ausente, el amigo ausente, el jefe ausente. Y es que este personaje ha influido decisivamente en todos los demás personajes de esta película, los que siguen vivos y tienen que enfrentarse a su desaparición.

Ángela parece tener la misma fuerza que su padre, nos enteramos al final que jugando al billar es tan buena o mejor que él; su marido la está engañando y tiene una doble vida. Impresionante es la escena en que Ángela (una sobresaliente Maribel Verdú) rompe las fotos de su padre en señal de liberarse definitivamente de su influencia, es más, yo diría que es la escena más emotiva de la película.

Charo (inmensa Blanca Portillo) ha amado a Leo y casi se vislumbra que con sumisión, aceptándolo todo, lo cual le ha creado una insatisfacción a nivel sicológico, que le hace estar siempre con ira, siempre dispuesta al enfrentamiento verbal con todos, con su madre, con el amigo de Leo que la quiere, etc, etc.

Y el amigo de Leo, el gran capitán del equipo de billar, ha estado esperando siempre, porque ha respetado a su amigo, y nunca le hubiera quitado a su mujer, Charo. Si hay un personaje que signifique la paciencia, la prudencia y el ser buena gente, sin duda es éste.

Luego, hay otros personajes riquísimos, como el de Raúl Arevalo (gran actor, con un futuro que dará que hablar), joven sobrino de uno de los componentes del equipo, que termina entrando en éste y que inicia una relación con la empleada latina de los billares.

En cuánto a escenas, las hay buenísimas, como la de Blanca Portillo yendo a cenar sola al restaurante al que le invita el difunto, y el lío posterior con el camarero oriental.

Duelo interpretativo lo hay entre Verdú y Portillo, y sería difícil decir cuál está mejor, de hecho ambas obtuvieron sus correspondientes premiosUna vez más, la sombra de Querejeta está detrás de una gran película.

Joe Strummer, vida y muerte de un cantante

2009-09-04T04:40:00.002+02:00

La película es tipo documental y refleja la vida azarosa y casi siempre al límite de este personaje que tanto significó musicalmente para el punk británico y mundial.

Llegó a participar en el movimiento hippie, en el movimiento Okupa británico de los 70 y luego en el punk. Formó y lideró la banda The Clash, mucho más conocida que The Mescaleros que también fue creada por él. Participó en el cine, en otras bandas y al final murió inesperadamente con 50 años.

Al visionar la peli, lo que he pensado es que este tío era muy loco, pero muy valiente, tenía cosas que decir sobre las injusticias sociales y las dijo, quería ser una estrella de rock y lo consiguió con todo lo que ello conlleva en cuanto a extravagancias y excesos.

En fin, fue una persona conocida y famosa e influyó en la música de finales del siglo XX.

Personajes como Bono de U2 o Johnny Depp hablan en la película-documental de la influencia de este personaje en el mundo del rock y alaban su trayectoria vital.

El bosque del luto, Mogari no mori.

2009-09-04T04:36:00.002+02:00

Es una película rara ésta, muy lenta y en la que los paisajes transmiten el estado de ánimo de los personajes.

La primera escena son las copas de los árboles agitándose con el viento, y de igual manera se agitan los pensamientos y sentimientos de los dos protagonistas, Shigeki, el viejo que está obsesionado por la muerte de su mujer hace 33 años, quiere ir al bosque dónde está enterrada para entregarle unos cuadernos antes de que ésta pase al estado en el que las almas ya descansan para siempre en paz. Y Machiko, que tiene sentimiento de culpa por la pérdida de su hijo, no tiene más remedio que seguir al viejo y “cuidarle” dentro de lo posible.

Los dos solos en el bosque se dan calor, y comparten de alguna manera su tristeza.Película que habla del luto por los muertos y de la necesidad de seguir vivo a pesar de la pérdida de los seres queridos.

Lawrence de Arabia, aventura en el desierto.

2009-09-04T04:30:00.003+02:00

Lo primero que hay que decir es que Lawrence de Arabia fue un personaje real , un oficial del ejército británico, un espía, que ayudó a la revuelta árabe contra el imperio turco en 1916-1918, conocido sobre todo por eso, y menos conocida es su faceta como ayudante de Winston Churchill en los asuntos árabes. Fue hijo ilegítimo de un aristocráta, se especializó en la cultura árabe, recorrió Siria en bicicleta y posteriormente lideró a las tribus árabes en su ofensiva contra los turcos, pero siempre bajo las órdenes del imperio británico.

Después, hay otras muchas cosas que se dicen de él, por ejemplo que se enamoró de un joven árabe y que gran parte de su campaña estaba “dedicada” a satisfacer a su amor ofreciéndole al pueblo árabe la posibilidad de formar una nación.

La película es superconocida, 7 oscar, la consagración de Peter O´Toole en el mundo del cine y la participación además de actores muy famosos como Omar Sharif (que luego rodaría con el director David Lean “Doctor Zhivago”), Sir Alec Guinnes y Anthony Quin, sin olvidar el papel malévolo y un tanto ambiguo de José Ferrer.

Lo que a mi más me impresiona de la película es el papel fundamental que el desierto juega en ella. Lawrence es un enamorado del desierto porque como él mismo dice en el film “está limpio”. Y el espectador también tiene la sensación de estar cabalgando en un camello por un desierto y sufriendo el sol abrasador. La primera parte de la película es sobre todo un adentrarse en el desierto y un poco en la forma de ser de los árabes, divididos en tribus que vigilan sus pozos de agua como un tesoro.

Lawrence se mete en ese mundo y quiere conseguir la unidad de los árabes para luchar contra su opresor turco y la verdad es que su carisma lo logra, al menos en buena parte del metraje.

Impresionante para mí, y de lo mejor, es el momento en que Lawrence se da la vuelta en el desierto para salvar la vida de un árabe que se ha quedado rezagado y eso desoyendo los consejos de Omar Shariff. Le salva la vida y posteriormente, sin embargo, tiene que ejecutarlo porque ese mismo personaje se mete en un lío con la otra tribú árabe, la de Anthony Quinn.

Al final, Lawrence y su sueño de reconquistar Aqaba se hacen realidad. Y a partir de ahí es cuando él se convierte en una leyenda, empieza a hacerse famoso entre los árabes y entre los británicos y hasta los americanos envían un periodista para seguir sus batallas
.
Y es entonces cuando la película deja de parecerme tan interesante. No digo que no siga siéndolo, pero ya no atrapa del mismo modo.

Todavía hay un capítulo oscuro que lleva a diversas interpretaciones. Y es la captura de Lawrence por los turcos y las torturas y supuestas vejaciones a que es sometido por un oficial turco, José Ferrer. En principio, sólo se ve que lo azotan, pero se intuye que también lo violan.

Todo esto, unido a los supuestos amoríos de Lawrence, parecen apuntar a una posible homosexualidad del personaje, que David Lean intentó de alguna manera camuflar porque, claro, era el año 62.

Cierto es que en toda la película no aparece ni una mujer.

Al final, da la sensación de que Lawrence ha luchado por una utopía, los árabes reconquistan Damasco, pero las grandes potencias, Francia e Inglaterra, ya se han ocupado en un tratado de repartirse Oriente Medio. ¿Y que hay de la nación árabe?

De momento, habrá que esperar.

Como curiosidades de la película, decir que el papel de Lawrence fue ofrecido a Marlon Brando que lo rechazó diciendo: “¿Cómo voy a pegarme 2 años subido en un camello en el desierto? “o algo parecido, que las escenas de Aqaba están rodadas en parte en Almería y que el cuartel británico que aparece en la película está localizado en Sevilla.

Como resumen, podría decir que es una película muy interesante, visualmente impactante, y con un personaje hipnotizador en muchos planos. Sus 7 oscar dicen lo demás.

El espíritu de la colmena

2009-09-04T04:25:00.003+02:00

No me extraña que esta película esté considerada como una de las mejores del cine español, porque destila sensibilidad en cada imagen y tiene muchas que dicen más que mil palabras. Por ejemplo, la de los ojos de Ana Torrent, o la de las ventanas de la casa de los protagonistas que semejan una colmena.

Y es que esta familia y todo el pueblo de Hoyuelos viven como en una colmena, de una forma ordenada y casi anodina, y las niñas son el único punto de imaginación que puede romper esa monotonía. Y la rompen cuando proyectan una película sobre Frankenstein, y Ana empieza a imaginar cosas, imagina que el monstruo es un maqui que se ha escapado de un tren y se monta su propia historia particular, desapareciendo en busca del monstruo que quiere conocer, hasta que es hallada sana y salva y vuelve a la colmena.

Siempre se están enfrentando la vida y la muerte en este film: Isabel se hace la muerta delante de su hermana Ana, pero ésta no la cree; la misma Isabel intenta estrangular al gato, que le araña y con la sangre que le sale del arañazo se maquilla los labios; Ana se pregunta por qué persiguen a Frankenstein para matarlo, Fernando, el padre, intenta enseñar a sus hijas que no recolecten setas venenosas, las niñas se acercan peligrosamente a los trenes…

La película también nos hace partícipes de la visión del mundo que tienen los niños (lo que para todo el pueblo es un republicano huido, para Ana es Frankenstein).

En definitiva, es una película mágica, irradia magia en cada escena, y a veces no hacen falta demasiadas conversaciones para decir un sinfín de cosas.